El retrato de la madre de Van Gogh, obra de Vincent van Gogh

El retrato de la madre de Van Gogh, obra de Vincent van Gogh en 1888 y con unas dimensiones de 40.5 x 32.5 cm. Actualmente se encuentra en el Museo Norton Simon _ Estados Unidos.

Anna Carbentus van Gogh nació (1819- 1907) en La Haye. Cuando Anna cumplió 30 años, todavía no se había casado. En marzo de 1850, Cornelia, la hermana de Anna, 10 años menor que ella, anunció su compromiso con el adinerado comerciante de impresión Vincent van Gogh. También tenía un hermano que estaba atrasado en la situación del matrimonio, concretamente un hermano menor llamado Teodoro van Gogh. Unos tres meses después de la boda de Cornelia, se organizó una reunión entre Anna y Teodoro. Los dos parecían muy bien el uno para el otro y ambos estaban ansiosos por casarse. Poco después de la reunión, se anunció su compromiso.

Tenía 69 años cuando la retrató su hijo en este maravilloso lienzo tomando como modelo. A pesar de la relación tensa que mantenía con su familia debido a su vida de artista, Vincent decidió hacer retratos dedicados a ellos. En una carta a su hermano Theo, Van Gogh escribió, “Estoy haciendo un retrato de la madre para mí. No puedo soportar la fotografía incolora, y yo estoy tratando de hacer una en una armonía de color, tal como la veo en mi memoria”.

Van Gogh fue presentado al arte por su madre, que era una artista aficionada y acuarelista. Después de años de tensas relaciones con sus familiares, Van Gogh mostró algunas obras que pensó que su madre apreciaría. Las obras fueron pinturas de flores y ambientes naturales. En esta pintura, Van Gogh capturó la naturaleza digna y orgullosa de su progenitora.

Bibliografía : https://www.vangoghmuseum.nl/

Andres Leonard Zorn

"Frances Folsom Cleveland" obra de Andres Leonard Zorn (1860-1920), del año 1899 y con unas dimensiones de 93.2x138,3 cm. Actualmente esta administrada por el Instituto Smithsonian. en La Galería Nacional de Retratos es una galería de arte en Washington D.C. _ Estados Unidos.

Un pintor impresionista, escultor y grabador sueco, fue hijo natural de una campesina sueca, Grudd Anna Andersdotter, y un cervecero alemán, Leonhard Zorn. No llegó a conocer a su padre y fue criado por sus abuelos.

Anders Zorn tuvo una vida digna de las mejores novelas. Nacido en Mora (Dalarma), una zona rural situada en el centro de Suecia, muestra desde muy pequeño una gran habilidad para el dibujo y la escultura, unas cualidades que le abren las puertas de la Academia de Bellas Artes en Estocolmo, donde ingresa con 15 años. En 1881, por desacuerdos con su director, dimite y abandona Suecia rumbo a España, Londres y París.

Frances Folsom Cleveland fue  la primera dama de Estados Unidos. Y aunque ella, esposa del presidente Grover Cleveland, ciertamente no fue la primera en asumir ese papel (algo que comenzó con Martha Washington, esposa del primer presidente George Washington) sí protagonizó algunas primicias y emprendió actividades que contribuyeron a la evolución de lo que hoy implica ese rol.

Frances, también conocida como ‘Frank’, fue la primera dama más joven en la historia estadounidense y cuando se casó con Cleveland, a los 21 años, se convirtió en la primera mujer en contraer matrimonio con un presidente en la Casa Blanca.

Con motivo de la Exposición Internacional de Columbia (1893), Zorn realizó el primero de varios viajes a los Estados Unidos. Gracias a ellos pudo contar con tres presidentes estadounidenses entre sus modelos: Grover Cleveland en 1899, Theodore Roosevelt, (1905) y William Taft (1911).

La obra al óleo de Zorn muestra un naturalismo próximo al impresionismo, donde se percibe la influencia de Velázquez, mientras que su obra como grabador se resuelve en trazos sueltos, quedando patentes sus cualidades de dibujante y una similitud palpable inspirada en Rembrandt.

Tras su fallecimiento, su mujer Emma, fundó el Museo Anders Zorn, ubicado en su ciudad natal en 1939. Contiene una muestra representativa de los trabajos del artista sueco en todas sus facetas.  En 1960, con motivo del centenario del nacimiento del artista, se publicó un sello postal dedicado al pintor y dibujante. La imagen del sello es su obra Autorretrato de 1904 en aguafuerte. 

Bibliografía : ​https://es-us.noticias.yahoo.com

                     http://mistextossuecos.blogspot.com

                     https://www.descubrirelarte.es

Miriam Escofet

Miriam Escofet es una pintora española que vive y trabaja en Londres, nació en 1967 en Barcelona_ España. Estudió en la Epsom Art School y se graduó en diseño 3D en la Brighton School of Art en 1991 y desde entonces ha estado trabajando como artista.

Su obra está dedicada a sus influencias en la arquitectura del período clásico, gótico y renacentista. El tema de cada una de sus obras de arte se relaciona normalmente con la estética, la imaginación y el simbolismo.

El ganador del Premio de Retrato BP 2018 ha sido anunciado en la National Portrait Gallery en Londres, en el año 29 que BP patrocina esta competición. El primer premio fue para la artista con sede en Londres Miriam Escofet, por "Un ángel en mi mesa", un retrato de su madre bebiendo té.

Tras recibir el premio, Miriam Escofet dijo: "Creo que el Premio de Retrato se ha convertido en una de las mayores competiciones a nivel global, así que es un honor increíble."

Creció en un hogar muy artístico. Sus padres son artistas. Su madre, nacida en Londres, fue a la escuela de arte Central Saint Martins en los años 50 y su padre, nacido cerca de Barcelona, es un artista autodidacta que llegó a tener exposiciones en Nueva York. Se conocieron en Barcelona, se mudaron a Inglaterra cuando tenía 12 años, aunque, claro, siempre han mantenido una conexión con España.

Miriam Escofet es la artista que ha retratado a Isabel Il. La primera sesión con la reina de Inglaterra se produjo en el mes de julio del año pasado en el Salón Blanco del castillo de Windsor. La segunda sesión fue en febrero, en Buckingham Palace.

Descubrir desde la infancia que tienes un don con los pinceles y terminar retratando a la mismísima Isabel II no le ocurre a muchos pintores. Nunca imaginó que acabaría pintándola. Primero porque no es ‘ese tipo de artista’, porque no es inglesa y por muchas otras razones. Fue una enorme sorpresa cuando me lo sugirieron.

La obra de Miriam Escofet ha sido publicada y presentada en numerosas exposiciones individuales y colectivas desde 1994 en el Reino Unido, Francia e Italia, ha sido seleccionada para el BP Portrait Award en 2009, 2010 y 2012 y para la exposición anual de la Royal Society of Portrait Painters.

Bibliografía : https://www.vanitatis.elconfidencial.com

Santo Angelo in Formis en Capua _ Italia.

Santo Angelo in Formis es una abadía dedicada a San Miguel Arcángel, está en las laderas occidentales del Monte Tifata.en el municipio de Capua _ Italia.

Se alza sobre los restos de un templo romano, la interpretación. Los restos del templo romano fueron descubiertos en 1877, y se notó que la iglesia cubrió su superficie, agregando los ábsides. La primera construcción de la basílica puede relacionarse con la época lombarda, a finales del siglo VI, mientras se difundía ampliamente el culto del arcángel Miguel.

La iglesia fue reconstruida entre los años 1072 a1087  por Desiderio, el abad de Monte Cassino, quien también reconstruyó aquella abadía. Desiderio fue posteriormente el papa Víctor III. A él se le deben los frescos ítalo-bizantinos que decoraban el interior y que se encuentran entre los más importantes y los mejor conservados de la época en el sur de Italia.

Desiderio (710- 786) conocido también como Didier de Istria, fue el último rey del pueblo lombardo desde 756 hasta 774. Su reinado terminó por manos de Carlomagno, quien lo venció en Pavía, haciéndose coronar como rey de los lombardos.

La fachada está precedida por un pórtico, con cinco arcadas en ojiva, con una arcada central más elevada, y de mármol reutilizado procedente ciertamente del santuario pagano. Los arcos están sostenidos por cuatro fustes de columnas, dos a la derecha en mármol de Cipolin, y dos a la izquierda en granito gris, con capiteles corintios. 

El ciclo de los frescos se puede atribuir a la reconstrucción de la iglesia por obra del abad de Monte Cassino, Desiderio, como acabao de mencionar,  testimonia su retrato en el ábside de la iglesia con el nimbo cuadrado utilizado para distinguir los personajes vivos​, mientras ofrece a Cristo la maqueta de la iglesia, y la inscripción con su nombre sobre el portal de entrada.

La decoración además se puede comparar con las miniaturas realizadas en el scriptorium de la abadía de Monte Cassino. El programa decorativo ocupa las naves, los ábsides y la contrafachada.

En Monte Cassino la decoración fue desarrollada por artistas bizantinos (griegos) contratados en Constantinopla y la decoración de Santo Angelo muestra una mezcla de las tradiciones bizantina (oriental) y latina (occidental).​ Los frescos fueron pintados por artistas griegos y por alumnos italianos formados en sus métodos.

Un típico del estilo bizantino es de hecho el esquematismo geométrico: esto se nota sobre todo en la cara y en la representación de los paños, en la que la línea de trazos y círculos concéntricos en correspondencia con las rodillas son únicos elementos dinámicos de la imagen. Fuerte es el contraste entre los colores: tanto en el Cristo como en los arcángeles los rostros blanqueados están animados por el rojo sangre de las mejillas y los ásperos contrastes entre las ropas que usan azules intensos, amarillos y rojos. A estos contrastes cromáticos corresponden las expresiones excitadas de los personajes.

Bibliografía : https://es.wikipedia.org

Henry Holiday

"Dante y Beatriz" obra Henry Holiday (1839-1927), del año 1884 y con unas dimensiones de 142.2 x 203.3 cm. Actualmente se encuentra en la Walker Art Gallery, en Liverpool_ Inglaterra.

"En medio del camino de la vida, errante me encontré por selva oscura, en que la recta vía era perdida". Así empieza la "Divina Comedia", en un bosque oscuro y sobrenatural justo antes del amanecer del Viernes Santo de 1300.

Dante Alighieri, el gran poeta florentino del Medievo, no sólo es su autor sino ese personaje que nos cuenta que se siente solo y asustado en esa oscuridad.

Henry Holiday estudio arte con con William Cave Thomas y en la Academia de Arte de Leigh, en la que fue compañero de Frederick Walker. hasta 1865 que ingresó en la Royal Academy de Londres.

Gracias a su amistad con Albert Moore y Salomón Simeón, conoció a Dante Gabriel Rosetti a Edward Burne Jones y a William Morris, los tres integrantes del Movimiento Prerrafaelita, que sería una influencia definitiva en su carrera tanto artística como política.

El lienzo está basado en la obra autobiográfica de Dante, la Vita nuova, en la cual describe su amor por Beatriz Portinari. El poeta italiano ocultó su amor al pretender estar atraído por otras mujeres. La pintura presenta un incidente en el que Beatriz, tras oír estos chismes, lo ignora y rehúsa hablar con él.

La escena se desarrolla en el Puente Santa Trinidad de Florencia, y Beatriz, que está vestida con un atuendo blanco, camina acompañada por dos mujeres, su amiga Monna Vanna, a su lado, y su sirvienta, unos pasos atrás.

Holiday quería asegurarse de que su lienzo fuera una digna representación histórica de los hechos por lo que viajó en 1881 a Florencia para llevar a cabo su investigación. En su viaje descubrió que durante el siglo XIII, Lungarno, o la calle al norte del río Arno, entre el Puente Viejo y el Puente Santa Trinidad, estaba pavimentada con ladrillos y que había negocios en el área, los cuales están representados en la pintura.

También reveló que el Puente Viejo fue destruido por una inundación en 1235, y que entre 1285 a 1290 estaba en reconstrucción, razón por la cual en la pintura se lo puede ver cubierto con andamios

"Beatriz, guíame hacia el Paraíso, ya que Virgilio ya cumplió su misión". Le dice Dante más tarde, cuando la ve por primera vez, y cuenta que volvió a sentir la conocida "señal de la antigua llama". "Nuestro amor no es terrenal, porque este sentimiento es tan inmenso que no lo supera el amor de Dios por la humanidad".

El amor que sintió Dante por su Beatriz era inmenso. La describía como "una dama tan bendecida y tan hermosa", cuya voz era "tierna, dulce y discreta. Una voz de ángel, una música propia". Y fue su gran inspiración; su musa. Lo curioso es que nunca estuvo realmente con ella.

Es más, hay quienes hasta dudan de su existencia. No obstante, se le identifica ampliamente, aunque no universalmente, como Beatriz Portinari, proveniente de una familia noble florentina que residía cerca de la casa de Dante.

El poeta la vio por primera vez a la edad de 9 años  en una reunión en el palacio del padre de Beatriz en Florencia. Ella tenía puesto un vestido carmesí y él quedó prendado, para siempre: "Desde ese momento en adelante, el amor gobernó mi alma".

Desde esa ocasión, sólo se vieron un puñado de veces más. Una de esas veces, nueve años después de la primera, quedó plasmada en sus escritos y luego inspiró obras de arte.
Un saludo al pasar. Tuvo lugar en una calle florentina por la que Beatriz iba caminando con otras dos mujeres, que muestro en la obra de Henry Holiday; Ella lo saludó. Él se emocionó de tal manera que no pudo siquiera contestarle.

Henry Holiday pasó muchas horas en el estudio de Sir Edward Burne-Jones en la que se reunía un grupo de artistas junto a la piscina, influyendóle poderosamente en su pintura.Comenzó a pintar vidrieras en 1861, creando su propia fábrica de vidrio en Hampstead, para la producción de vitrales, mosaicos, esmaltes y objetos sacerdotales. Sus vidrieras, se pueden encontrar por toda Gran Bretaña, algunas de las mejores en la Abadía de Westminster.

Bibliografía : https://www.elmostrador.cl/cultura

                     https://www.bbc.com/

George Gray Barnard

El escultor norteamericano George Gray Barnard (1863 -1938), se formó en París. Sus principales obras son en gran parte de carácter simbólico. Su colección personal de fragmentos arquitectónicos medievales se convirtió en una parte fundamental de The Cloisters en la ciudad de Nueva York.

Barnard nació en Bellefonte, Pennsylvania entre los años 1883 a 1887 trabajó en el taller de Jules Cavelier en París, mientras que asistió a la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes.

Vivió en París durante doce años, y con su primera exposición en el Salón de 1894 obtuvo un gran éxito, volviendo a los Estados Unidos en 1896. En 1902, fue elegido en la Academia Nacional de Diseño como miembro asociado.

La influencia del escultor francés Auguste Rodin (1840- 1917) es evidente en sus primeros principales obras. En la estética de sus obras destaca el empleo del non finito o no acabado. Sus esculturas poseen un carácter transitorio particular, como si el escultor hubiera abandonado el trabajo en curso de ejecución, lo que da la impresión de que la figura emerge poco a poco desde un bloque.

George Grey Barnard durante sus años de trabajo en la campiña francesa, complementaba sus ingresos localizando y vendiendo esculturas medievales y fragmentos arquitectónicos que habían caído en posesión de los terratenientes a lo largo de varios siglos de revueltas políticas y religiosas. Barnard, una figura romántica, se veía a sí mismo como un aventurero moderno y embellecía los relatos de sus numerosos hallazgos con detalles fantásticos.

Barnard regresó a los Estados Unidos en vísperas de la Primera Guerra Mundial y abrió un museo con su colección de arte medieval en el extremo norte de Manhattan. Quería apasionadamente que los estadounidenses pudiesen ver y aprender sobre arte medieval y, en especial, que los jóvenes escultores de su país encontrasen inspiración en lo que él llamaba “el paciente cincel gótico”. 

George Grey Barnard, expresaba la interpretación poética y en el extremo personal del coleccionista sobre la Edad Media. Sin embargo, fue una instalación influyente e innovadora, por cuanto constituyó la primera exposición de arte medieval de sus características en Estados Unidos.

Barnard tenía una manera personal al mando: "Él habla del arte como si se tratara de una ciencia cabalística de la que es el único astrólogo". Vivió en París durante doce años y obtuvo un gran éxito con su primera exposición en el Salón de 1894. Regresó a Estados Unidos en 1896 y se casó con Edna Monroe de Boston. Enseñó en la Art Students League de Nueva York de 1900 a 1903, sucediendo a Augustus Saint-Gaudens. Regresó a Francia y pasó los siguientes ocho años trabajando en sus grupos de esculturas para el Capitolio del Estado de Pensilvania. 

Bibliografía : https://www.metmuseum.org

Real Monasterio de Santa María de Veruela

El Real Monasterio de Santa María de Veruela es una abadía cisterciense del siglo XII, situada en Tarazona y el Moncayo, Zaragoza_ España. La construcción del Monasterio de Veruela se remonta a 1146 por los monjes cistercienses.

La construcción del cenobio debió de estar suficientemente adelantada en el año 1171 como para que los monjes cistercienses se trasladaran. Por aquel entonces era un lugar de frondosos bosques del somontano del Moncayo, al que acompañaban el silencio y la soledad que su regla monástica exigía, además de otros elementos fundamentales para la vida cisterciense: piedras (las canteras de la zona) y agua (la del río Huecha o La Huecha). Ese río fue, precisamente, el eje de la articulación del señorío verolense. No obstante, las obras de la iglesia se prolongarían por espacio de 250 años y en el siglo XVll se construyó un nuevo claustro barroco con celdas individuales.

Hay que destacar que el edificio reúne en sus piedras diversos estilos artísticos, que van desde el Románico en la portada de la iglesia abacial, pasando por el Gótico del interior del mismo templo o del claustro medieval, el Renacimiento en las reformas realizadas por Hernando de Aragón y el Barroco en la portada de la sacristía y del monasterio nuevo.

Los monasterios cistercienses conforman espacios de una belleza singular, impactante por su sobriedad. Son edificaciones piedra de calidad y bien trabajada, con un plan monástico donde estaba estudiado hasta el último detalle, llenos de armonía y la belleza.

Desde luego no podíamos llegar a imaginar cuánta belleza se escondía detrás de las murallas. Al fondo del paseo se alza la fachada de la iglesia abacial, de finales del siglo XII. Tras cruzar el arco que comunica el palacio con la iglesia se accede a un pequeño jardín, donde se encuentra el pórtico renacentista que da acceso a la dependencias claustrales. Allí se encuentra el espacio de la antigua cilla (almacén del grano y bodega), donde actualmente se ubica una interesantísima exposición sobre los hermanos Bécquer (Espacio Bécquer).

La larga estancia de los hermanos Becquer, Gustavo Adolfo y Valeriano con sus familias en el Monasterio de Veruela, durante el año 1864. Durante aquellos meses ambos vivieron experiencias personales y artísticas excepcionales que les marcaron el resto de sus vidas.

Cuando se marcharon de Veruela, Gustavo Adolfo había formulado ya su concepto de la poesía en la sociedad moderna. Por su parte Valeriano se llevaba unas abultadas carteras de dibujos y acuarelas que lo alejaban de la tradición romántica y lo acercaban a la moderna puntura realista de paisaje. Estos artistas hicieron todavía mas al  Monasterio de Veruela un lugar emblemático y del romanticismo español.

De este viaje surgieron las "Cartas desde mi celda" de Gustavo Aldolfo, publicadas en el periódico "El Contemporáneo" en 1864 y que ahora puedes leer descargando el libro gratis para Kindle desde Amazon. Si te animas a leerlo comprobarás que es como música acariciando tus ojos y tu mente.

Bibliografía : http://www.lasimagenesqueyoveo.com

                     https://lamismacantinela.com