jueves, 30 de julio de 2020

"Discurso de Antonio Giacomini para la guerra contra Pisa en la Sala dei Duecento" obra de Giorgio Vasari,

"Discurso de Antonio Giacomini para la guerra contra Pisa en la Sala dei Duecento" obra de Giorgio Vasari, fue realizado entre los años 1563 a 1565 y con unas dimensiones de 540 x 540 cm. Se encuentra en el Museo de Palavio Vecchio en Florencia _ Italia.


Giorgio Vasari fue (1511-1574) pintor, arquitecto, escritor y coleccionista italiano. Trabajó durante muchos años para la poderosa familia Médicis de Florencia y dirigió algunos de sus proyectos artísticos más ambiciosos, como la decoración pictórica del Palacio Vecchio.


Quizá uno de los aspectos más importantes de este imprescindible “clásico” de la historia del arte es que por primera vez la figura del artista se eleva a la dignidad de una persona notable, de un profesional a través de cuya actividad el mecenas se encumbra, la ciudad se dignifica y él mismo logra la fama.


El miércoles 13 de enero de 1563, el duque Cosme I de Médicis firma con toda la solemnidad requerida los 147 artículos que constituyen los estatutos de la «Accademia del Disegno». El 31 de enero del mismo año, en presencia de setenta artistas, tuvo lugar la sesión fundacional y la inauguración oficial de esta novedosa corporación. Vasari, el artífice de esta Academia, manifiesta su alegría y su gratitud a Cosme I. 


El mismo día de su creación, la Academia tiene ya su historia, que es ilustrada por el artículo 22, que ordena que la sala de sesiones sea adornada con un friso en el que figuren los retratos pintados o esculpidos, de los artistas que se han distinguido en la Toscana desde Cimabue, como si se tratara de comentar la enseñanza de las «Vidas» de Vasari, quien hacia 1570 aplicará esta prescripción en su propia casa en Arezzo.


Para Vasari, el arte del dibujo no es el único elegido por la Fama, sino que los artistas en concreto son invitados a entrar en la historia. La integración de la Academia en el sistema político está marcada por la posición eminente reconocida al duque de Toscana, al que se considera como «jefe, padre, guía y reformador de las artes», y representado efectivamente por un lugarteniente nombrado por Cosme I pero que no será un artista, sino un «conocedor». 


El primer lugarteniente es Vincenzo Borghini quien había llevado el proyecto junto con Vasari. Esta elección muestra que la nueva institución es un asunto colectivo, del poder político, de los artistas y de la sociedad erudita de Florencia. La admiración por el arte de la Antigüedad, nacida a principios del Quattrocento, lo fue solo en su aspecto teórico. Se conocía el arte antiguo sobre todo a través de los escritos de Plinio y el tratado de Vitruvio.



El estudio no era todavía arqueológico, ni la mirada cronológica: todas las obras eran contempladas como pertenecientes a una misma época, la edad de oro de una Antigüedad mítica. Más tarde, el arte romano fue resucitando bajo la piqueta de los italianos del Renacimiento. 


El Taller del pintor, del año 1550, Vasari se ha representado seleccionando entre las jóvenes que lo rodean, su modelo ideal. En el plano posterior, sus ayudantes leen y conversan. Por primera vez una vida de artista se presenta como un lugar dónde convergen la historia, la literatura, la documentación biográfica, la estética, la filosofía, la política del artista. Durante esta época convulsa, Vasari habrá fijado los ideales del Renacimiento.


Vasari disfrutó de una alta reputación durante su vida y logró una considerable fortuna. También disfrutó de la consideración de sus paisanos de Arezzo, ciudad dependiente de Florencia, donde terminó de construir en 1547 una bella casa a cuya decoración dedicó mucho esfuerzo y que actualmente es su museo. Fue nombrado representante del consejo municipal de su ciudad natal y finalmente ostentó el cargo supremo de confaloniero. Fue también coleccionista de dibujos, que en algunos casos le sirvieron para formular los juicios artísticos que incluyó en sus Vidas.


El manierismo de Vasari fue más admirado durante su vida que después. Se debe entender que Vasari era en cierto modo un romántico, lúcido y entusiasta ante el papel novedoso que estaba desempeñando en el arte el movimiento realista en el que participaba y al que puso nombre, en cierto modo de ruptura con el pasado.





Bibliografía :https://www.aparences.net/es

miércoles, 29 de julio de 2020

Thomas Edwin Mostyn

Nacido en Liverpool y criado en Manchester, Thomas Edwin Mostyn (1864 - 1930), hijo del artista Edwin Mostyn, estudió en la Academia de Bellas Artes de Manchester. Su primera exposición como artista fue a los 29 años en la Royal Academy. Es conocido principalmente por sus escenas románticas en jardines, aunque su estilo fue tan ecléctico a lo largo de su carrera que es difícil de creer que el mismo artista creó todas sus pinturas.


Muchas de sus primeras obras estuvieron fuertemente influenciadas por el fuerte sentimiento anti materialista victoriano de su maestro Sir Hubert Von Herkomer (en cuya escuela ingresó en 1893). En estos trabajos, Mostyn describió la pobreza de las clases trabajadoras al estilo de los realistas, una forma efectiva de aumentar la conciencia social. Entre sus obras más importantes de este período se encuentran The Torrent (1895), The Dreamers (1897 e ilustrados a continuación) y The Doss-house (1905).


Durante la primera parte de su carrera, pintó una serie de suntuosas escenas de jardines victorianos que presentan jardines formales o cabañas de paja rodeadas de flores exuberantes y coloridas.


A finales de la década de 1890, el artista también experimentó con imágenes religiosas, por lo cual recibió el reconocimiento como uno de los pocos pintores modernos que puede pintar una imagen religiosa. Aunque cambió de estilo fácilmente, Mostyn siempre fue elogiado.


Su transición más importante tuvo lugar entre los años 1911 y 1912. Se alejan de los jardines y cobran mas protagonismo las figuras con estilo muy personal y predominante.


Algunas de sus obras paisajistas mas bonitas fueron realizadas en el año 1918, después de la Primera Guerra Mundial, en Devon,; dejando atrás el realismo, Mostyn comenzó a pintar paisajes de ensueño, idealizando la naturaleza trabajando y construyendo sobre su conocimiento y la belleza de la naturaleza.


La realidad se volvió de poca importancia para el artista. En su lugar, se propuso crear un mundo propio, en el que el romance fuera la nota dominante. 


Hasta su muerte en 1930, las propias convicciones de Mostyn lo guiaron en una lucha por la expresión, que se convirtió en la principal influencia en su trabajo. Causó que su estilo sufriera los muchos cambios que podemos observar en su obras.




  



Bibliografía : https://rehs.com/tom_mostyn_virtex.htm




lunes, 27 de julio de 2020

Hôtel de Ville de Paris

Desde el año 1357, el Hôtel de Ville de Paris es la sede de la municipalidad de París. El edificio actual, de estilo neo renacentista, fue reconstruido por los arquitectos Théodore Ballu y Edouard Deperthes en el sitio del antiguo Hôtel de Ville, que fuera víctima de un incendio durante la Commune de Paris en 1871. 


La "casa de las columnas" fue adquirida en 1357 por Etienne Marcel para instalar allí el centro administrativo de París, función que se mantiene desde entonces, aunque el edificio es sustituído en el siglo XVI por una obra diseñada por el arquitecto Domenico da Cortona, llamado "Boccador". Posteriormente se amplió en 1836 (hasta 1850) pero se mantuvo la fachada renacentista.


Poco después de que la Comuna fuera derrotada por las tropas federales, el gobierno de la ciudad celebró un concurso para la construcción de un nuevo ayuntamiento. Los arquitectos Théodore Ballu y Edouard Deperthes como acabo de mencionar ganaron el concurso con su propuesta de reconstruir el Hôtel de Ville en su estilo original.

Las obras fueron financiadas por una suscripción nacional y la construcción comenzó en 1873. Nueve años después, se inauguró oficialmente el nuevo Hôtel de Ville.


El edificio está decorado con 108 estatuas que representan a parisinos famosos. Unas treinta esculturas representan a ciudades francesas. El reloj de la torre central está adornado con varias esculturas femeninas que representan el río Sena, la ciudad de París, el Trabajo y la Educación.


El interior del ayuntamiento está decorado en un pomposo estilo Imperio IIIe. El estilo Imperio es un estilo artístico dominante, esencialmente, en decoración de interiores, mobiliario y moda, que se inserta dentro del movimiento neoclásico, y en concreto del neoclasicismo tardío. Toma su nombre del periodo de gobierno de Napoleón en Francia, conocido como Primer Imperio Francés. Cabe destacar la gran escalera, la la larga Salle des Fêtes (el salón de baile), las paredes y los techos pintados, las vidrieras y la infinidad de candelabros.


El estilo Imperio rechazó las formas primitivas y puras que habían caracterizado el neoclasicismo del siglo XVIII, y en especial del estilo Luis XVI, para abrazar las formas reiterativas, la extravagancia y la contundencia. También Napoléon, como en su momento los líderes revolucionarios, veía un poder propagandístico en el arte. La omnipresencia y repetición de los mismos símbolos ("Ns", abejas imperiales, el águila) en el estilo Imperio recordaba a la profusión decorativa del reinado de Luis XIV en el Louvre y Versalles.








El salón de baile fue diseñado como una réplica del Salón de los Espejos del Palacio de Versalles. Tras haber sido quemado en 1871 se reconstruyó en estilo renacentista y ofrece diferentes frescos, pertenecientes a las 16 provincias de Francia y realizadas por cuatro artistas:


Fernando Humbert: Arcos del Oeste (Argelia, Lyon, Languedoc, Gascuña, Provenza y Guayana)
Paul Milliet: Arcos del Sur (Normandía y Niza)


Francois-Émile Ehrmann: Arcos del Este (Baya, Champagne, Bretaña, Borgoña, Auvernia y Lorena) Jean Joseph Weerts: Arcos del Norte (Flandes y Picardía).


En resumen, podemos afirmar que bajo el estilo Imperio la influencia de la Antigüedad se borra de contenido al mismo tiempo que se acentúa el valor de lo formal y teatral, su decorativismo anuncia ya, los revivals del siglo XIX.




Bibliografía : https://www.guias.trave




 

jueves, 23 de julio de 2020

"Antes de la boda" obra del Antonio Muñoz Degrain

"Antes de la boda" obra del Antonio Muñoz Degrain del año 1882 y con unas dimensiones de 1.19 x 0.93 cm. Actualmente se encuentra en  Museo del Prado,  Madrid _ España. 



Se trata de un bellísimo estudio del personaje de la desconsolada Doña Isabel de Segura, protagonista de esta legendaria historia, inmortalizada en el siglo XIX por el drama en verso de Hartzenbusch (Juan Eugenio Hartzenbusch Martínez ( 1806 -  1880) fue un dramaturgo, poeta, traductor, filólogo y crítico español, uno de los más destacados representantes del drama romántico. Es conocido principalmente por su pieza Los amantes de Teruel), del mismo título, estrenado en 1837.


Vestida ya con su lujoso traje nupcial, la doncella espera su próximo e indeseado desposorio con el caballero don Rodrigo de Azara, impuesto por su padre, habiendo de renunciar al amor único y verdadero de don Diego de Marsilla, que finalmente triunfará con la muerte de ambos amantes, mostrando en su rostro la desesperada resignación de su alma. 


Pintado también en Roma, aunque dos años antes que el gran cuadro que inmortalizaría para la posteridad el trágico final de los dos famosos amantes, este lienzo muestra el estado emocional de su protagonista inmediatamente antes del desenlace fatal, y anticipa en cierto sentido la motivación pintor valenciano hacia el argumento del lienzo que le consagraría entre los grandes maestros españoles de la pintura de Historia.


Degrain muestra en esta pintura su rendida admiración por los grandes maestros de la pintura veneciana, en la riqueza sensual y exuberante del colorido y la absoluta libertad de su trazo, de ricos empastes, que alcanzan grados de abstracción casi absoluta en zonas como el tapiz de fondo, de factura fluida y deshecha, logrando una capacidad expresiva de los valores puramente pictóricos de asombrosa contemporaneidad, que suplen con mucho sus descuidos de dibujo, a los que el artista valenciano nunca atendió, a favor de su exaltada visión del color, rebosante y pleno, que caracteriza toda su producción.


No obstante, lejos de distraer la atención del espectador en los elementos decorativos de la composición, como ocurre en muchas de sus obras, Muñoz Degrain logra en este caso concentrar exclusivamente la atención del espectador en la figura de Doña Isabel, de boca carnosa y grandes parpados, tratada con una dulzura serena e íntima, que traduce espléndidamente su hondo y callado dolor ante tan irremediable sino.


Antonio Muñoz Degrain, (Valencia, 1840 - Málaga, 1924),  Inició sus estudios con Rafael Montesinos en la Academia de San Carlos de su ciudad natal en contra del parecer de su familia, que quería que estudiase arquitectura. En 1856 viajó a Roma; la dureza de las condiciones de vida en la capital italiana y su corta edad lo obligaron a regresar, aunque poco después pudo realizar el viaje en mejores condiciones merced a una pensión concedida por la Diputación Provincial de Valencia.

Detalle de Los amantes del Teruel,  1884
Pintor de carácter independiente, su obra se adentró por el camino del experimentalismo, deshaciendo el dibujo en aras de una pincelada corta y rápida, lo que da a las escenas el aspecto de estar iluminadas por relámpagos. Muñoz Degrain participó en numerosas exposiciones nacionales e internacionales.


Fue también presidente del Círculo de Bellas Artes de Madrid, así como consejero del Ministerio de Instrucción Pública. Se le concedieron varias condecoraciones, entre ellas la Cruz de Carlos III (concedida por el cuadro Isabel la Católica cede sus joyas para la empresa de Colón) y la Gran Cruz de Isabel la Católica. En 1913, con motivo de su jubilación, legó pinturas propias y de otros autores a los museos de Valencia y Málaga.










Bibliografía : https://www.museodelprado.es/

miércoles, 22 de julio de 2020

Joaquín Lucarini Macazaga


Joaquín Lucarini Macazaga nació en Fontecha, Álava _ España, en el año 1905 y falleció en Burgos en 1969. El mayor de los cuatro hermanos escultores se trasladó de Vitoria a Bilbao para estudiar en la Escuela de Bellas Artes con artistas como Larrea y Basterra. Sus trabajos como dibujante y escultor fueron premiados en varias ocasiones y tuvo su primera ocasión de exponer en 1925.


En 1928 realizó con gran éxito una exposición en el Círculo de Bellas Artes y Ateneo de Bilbao. Diversas personalidades pidieron a la Diputación de Álava que pensionase al escultor en 1929. De esta forma, en los siguientes años, Lucarini pudo estudiar en Florencia, Roma y París. En esta ciudad realizó un curso superior de Dibujo aplicado al Arte y a la Industria. En 1932 fue premiado en Madrid y en años sucesivos ganó concursos en San Sebastián, Vitoria y Bermeo.

Leyendo del año 1932

En la postguerra montó su propio taller en Bilbao, adquiriendo renombre por sus esculturas religiosas y de carácter épico repartidas por Bizkaia (Basauri, Deusto y Bilbao), San Sebastián, Logroño y Burgos. Por fin en 1959, en Vitoria, se le realizó una exposición antológica de su obra.



Su obra está marcada por un clasicismo en el que destaca el virtuoso tratamiento de la figura humana, a menudo estilizada. Siempre apegado al figurativismo, su estilo es ecléctico, condicionado quizá por haber sido siempre un escultor de encargo.


Fama 

Trabajó la piedra natural, el mármol, bronce, alabastro, madera y la arcilla. Su obra podría calificarse pues, de ecléctica, adaptándose bien a los gustos propios de los comitentes, pero siempre con ese sello de originalidad propio de los verdaderos artistas.


Industria y Navegación 1947 



Muchas de los trabajos de Lucarini, al estar destinados a ornar las fachadas de los edificios, han desaparecido con la destrucción de estos. En 1942 se encargó al escultor la coronación de la obra con la escultura de un tigre de hormigón. 


Verano 1936 


La completó al año siguiente. La escultura, de nueve metros de longitud, se ha convertido con los años en uno de los símbolos emblemáticos de la ciudad, sobre todo después de que recientemente el edificio haya sido rehabilitado y convertido en viviendas de lujo.

La figura también es conocida como "la leona" por parte de muchos bilbaínos. Sin embargo, Lucarini esculpió perfectamente los atributos masculinos, pero el hecho de que no puedan ser contemplados a pie de calle ha dado lugar a la confusión a lo largo de los años..

Alegoría de la música 1930 


El pintor Mauricio Flores Kaperotxipi dijo de él que poseía un extraordinario talento y una gran originalidad:

Como pocos, como muy pocos, ha conseguido llevar a la piedra y al bronce aspectos diversos del deporte. Campeón de importantísimos concursos, dentro y fuera de las fronteras vascas, Lucarini es ya una de las figuras más interesantes de nuestra cultura. Por lo que ha realizado y por lo que su talento y juventud prometen.



Bibliografía : https://www.amaikaproject.org
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lunes, 20 de julio de 2020

El palacio del marqués de Bertemati


El palacio de Bertemati de Jerez de la Frontera _ España, se construyó hacia el año 1785 a instancias de la familia Sopranis-Dávila, en la zona antiguamente designada como del Arroyo, y próximo a la entonces Colegiata, hoy Catedral de Jerez de la Frontera.

Constituye el ejemplo más significativo de casa palaciega dieciochesca de la Baja Andalucía y de la arquitectura jerezana del siglo XVIII.


El edificio de planta rectangular muy alargada, se estructura en dos plantas y se distribuye interiormente en torno a un patio central y un jardín. Además de estos espacios ordenadores existen otros patios de servicio que ayudan a la iluminación y ventilación de las distintas estancias. Actualmente, la distribución de algunas dependencias han sido compartimentadas, se han construido escaleras y abierto nuevos pasillos en función de la utilización del inmueble como centro socio-económico y residencia para estudiantes.




El patio se encuentra en eje con el acceso de la portada principal y se halla separado de ésta por un amplio zaguán, (un zaguán es, en términos genéricos, un espacio cubierto situado en las casas, normalmente junto a la puerta.​ En este sentido, tiene un significado similar a vestíbulo. Es un elemento de paso, sin carácter habitacional), así mismo, hace la función de elemento repartidor de las principales dependencias; escalera, salones y capilla del palacio.


En la cruja del lado izquierdo del patio se abre la monumental escalera que comunica con la planta principal. Se compone de dos tramos y está cubierta con bóveda semiesférica sobre pechinas decoradas con pintura al fresco, mostrando en las pechinas la representación de las cuatro virtudes.


El estilo barroco se deja ver ostentosamente en la portada de dos cuerpos de altura de su fachada principal, elegantemente trazada y de resuelta ejecución, tanto en su diseño como en su decoración. En ella destacan las columnas labradas en su fuste y sobre pedestales girados, que avanzan en la fachada para sostener un movido balcón, triplemente curvado por la inclusión en su centro de una rotunda ménsula cilíndrica.


Un variado repertorio de curvas, contracurvas, ondas y quebrados contribuyen a exaltar, como en un retablo, la composición central sobre el hueco superior. Flanquean la composición dos columnas exentas sobre altos pedestales. Tanto las pilastras como las columnas citadas están labradas con temas vegetales, éstas soportan una cornisa y entablamento superior ondulado y decorado contemas decorativos de trofeos y figuras tenantes donde descansa el balcón.



En la zona inferior de esta composición presenta un escudo de armas coronado, flanqueado por guerreros que sostienen las riendas de sus caballos. El cuerpo superior dela portada se compone de un balcón con perfil ondulado y antepecho de hierro forjado. Presenta un vano adintelado flanqueado con pilastras y cornisa superior ondulada, abierta en el centro a modo de dosel que descorren dos figuras femeninas para mostrar un ostesorio. El conjunto se flanquea con sendos jarrones.



La portada que da acceso al apeadero está situada a la derecha de la fachada. No tiene la misma monumentalidad que la principal pero presenta idéntica labra y tratamiento de la piedra.

Estas dos portadas están realizadas en mármol y piedra arenisca, siendo de este último material las cornisas y elementos decorativos. Asimismo, los balcones se encuentran cubiertos con guardapolvos de pizarra.





Bibliografía : https://cadizpedia.wikanda.es/