jueves, 29 de octubre de 2015

Charlotte du Val d’Ognes





"Charlotte du Val d’Ognes", obra de Marie-Denise Villers (1774–1821) de 1801, con unas dimensiones de 161.3 × 128.6 cm en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York _ Estados Unidos.

Aunque en un principio esta obra fue atribuida a Jacques-Louis David, más tarde se constató por el Charles Sterling (un hito en el campo de los pintores de historia del arte) que su autora era Marie-Denise Villers. Se cree que podría tratarse de un autorretrato de la artista.

Charles Sterling busca en el catálogo del Salón de París, y nota que allí expuso una desconocida discipula de David llamada Constance Marie Charpentier. Sigue indagando y descubre un recorte de prensa de la época en donde se describe que un cuadro con “una joven mujer completamente en sombras” le valió a Charpentier una medalla de oro en la exposición. Y es por ello que concluye, sin lugar a dudas, que la obra no pertenece a David, sino a su discípula.




La pintura Madame Charlotte du Val d’Ognes posee una técnica inigualable. La escena interior, y la luz de la ventana, en combinación con los pliegues del vestido crean una atmosfera relajada y pura. Charlotte posee un nivel de detalles que sólo pueden ser producto de la escuela de David; y son éstos mismos los que contrastan con lo plano y monótono del muro de fondo y nos dan una obra soberbia.





Destaca la utilización de la luz que entra por la ventana y que “baña” su vaporoso vestido blanco, que contrasta con el paño rojo sobre el que está sentada la artista.

A través de la ventana rota vemos un edificio bajo un cielo neutro y una pareja de enamorados cortejándose en el borde de un puente. Algunos autores han querido ver en este cristal roto una alegoría de la fragilidad del amor.

Marie-Denise Villers ha omitido cualquier referencia decorativa y espacial interior que pueda desviar la mirada del espectador hacia cualquier otro lugar que no sea la muchacha, especialmente sus grandes ojos penetrantes y tristes.

Para algunos estudiosos este vacío sirve para expresar las ideas de la pintora sobre el papel social de la mujer, que para ella debía de estar alejado del sometimiento a los hombres -representado en la escena del cortejo tras la ventana- y ser las dueñas de su propio destino haciendo y experimentando cosas por su propia cuenta, como por ejemplo pintar, que es lo que está haciendo la artista en ese momento.





lunes, 26 de octubre de 2015

La capilla de los Reyes en Palencia


La capilla de San Pedro es conocida familiarmente como capilla de los Reyes, (se encuentra en La Iglesia Catedral Basílica de san Antolín en  Palencia, Castilla y León _ España), por los tres relieves en yeso que la adornan con el tema de los Reyes Magos. Fue construida en el siglo XIV por artistas anónimos y reformada en el XVI por los hermanos Juan y Jerónimo Corral de Villalpando. Se encuentra situada en la girola, ocupando el primer lugar después del edículo, en el lado de la epístola. Es de planta hexagonal y se cubre con bóveda estrellada.




Con una estructura gótica, con cubierta estrellada, pero su decoración es renacentista y barroca, con yeserías policromadas en azul, blanco y ocre cubriendo los testeros, con los tres Reyes Magos en lugar destacado y bóveda con los profetas Isaías, Balaam y David junto a angelotes, escudos y grutescos. Se cierra con reja dorada, policromada y con medallones con las caras de los Reyes, obra de Francisco Martínez.




Los supradichos añadidos renacentistas han llevado a esta capilla a ser una de las más ricas del templo. Lo más destacado es el trabajo de yesería policromada que cubre tanto la bóveda como las paredes, sin dejar apenas espacio libre (horror vacui).




Los tres Reyes Magos ocupan un lugar destacado, dentro de marcos individuales limitados por columnas y en actitud de marcha. Los colores predominantes en estas yeserías son los azules, blancos y ocres. El zócalo es de azulejos de Talavera, detalle que se encuentra en otras capillas de la catedral.







jueves, 22 de octubre de 2015

"Bailarina", obra de Antonio Canova


Sabemos sobre su estilo y su técnica, de lo que reconocemos y compartimos que es considerado el mejor escultor europeo desde Bernini. Fue sensible a la influencia del romanticismo. Seguramente uno de los más grandes escultores pero todavía mejor persona. Estoy cautivada por su personalidad y por el gran hombre que era. Toda su personalidad está reflejada en sus maravillosas obras.
El tema de la figura femenina lo realizó Canova decenas de veces, tanto en figuras aisladas como en grupos y bajo relieves. Las formas, en la exploración de los efectos sutiles de la luz y la sombra, el contraste entre llenos y vacíos y una expresión de sensualidad sublimada está reflejada en su obra "Bailarina" en el museo de Museo Bode en Berlín _ Alemania




Mantuvo siempre un perenne entusiasmo por el estudio del arte antiguo y la arqueología. Le gustaba la literatura clásica y hacia lecturas frecuentes, incluso tomó el hábito de que alguien leyera para él, mientras trabajaba, consideraba la lectura de buenos autores un recurso indispensable para el desarrollo personal y de su arte. No fue escritor, pero mantuvo una correspondencia abundante con los amigos e intelectuales, donde muestra un estilo de escritura claro, sencillo y vivo, que fue refinando en los últimos años sin perder su fuerza y ​​espontaneidad.





No mantenía una vida social especialmente brillante, aunque fue constantemente solicitado para asistir en los círculos de personajes ilustres que lo admiraban, pero era más común que recibiese amigos en su casa propia después de su jornada de trabajo, por la noche, cuando se mostraba como un anfitrión de buenos modales, inteligente, amable y cálido. Según sus propias palabras, sus esculturas eran la única preocupación de su vida privada. Parece que en dos ocasiones estuvo a punto de contraer matrimonio, sin embargo, permaneció soltero de por vida. 





Según la Memória Biográfica sobre el artista que realizó su gran amigo el conde Cicognara, Canova mantuvo a lo largo de toda su vida hábitos frugales y una rutina regular, como levantarse temprano e inmediatamente empezar a trabajar, después del almuerzo se retiraba para poder disponer de un breve descanso. Tenía una dolencia crónica de estómago, lo que le causaba un fuerte dolor en ataques que le sucedieron a lo largo de su vida. 



"Jugadores de cartas"


"Jugadores de cartas", obra de Michelangelo Merisi da Caravaggio, de 1595, con unas dimensiones de 91,5 x 128,2 cm en el Museo de Arte Kimbell, Fort Worth, Estados Unidos de América.

Este cuadro, enmarcado en el estilo denominado Barroco Italiano perteneció durante mucho tiempo a la colección del Cardenal del Monte, protector del pintor. Forma parte de una serie de cuadros que Caravaggio pintó sobre escenas picarescas. Estos cuadros tuvieron notable éxito en Italia, no sólo por lo gracioso del tema, si no por la manera tan especial de enfocar la escena, en un espacio limitado, exento de referencias arquitectónicas, lo que hace destacar a los personajes con gran fuerza. El elemento común en todos estos cuadros, (por ejemplo en el denominado "La Buenaventura"), es la presencia de un incauto, timado por un pícaro.


Jugadores de cartas, obra de Caravaggio


Pintada alrededor de 1594, la obra muestra a un joven de ricas vestimentas jugando a las cartas con otro joven que esconde una daga en su espalda, mientras que un hombre mayor, a la espalda del primero, está mostrando por señas las cartas de éste a su cómplice. Está considerada como una de las grandes composiciones magistrales de Caravaggio, con una gran influencia en Georges de La Tour. 


Detalle de la obra 


El objetivo de este cuadro era mostrar cómo la astucia de la maldad vence a menudo, ante la candidez e inocencia de quienes son buenos y nobles de corazón. Es curioso que el motivo para la confabulación de los tahures, es decir, el dinero, no esté reflejado en la pintura. Observése los dorsos de los naipes totalmente blancos, pues en esa época no se imprimían por falta de calidad en el papel, así como por las deficiencias técnicas. Decir que el tema no debió de ser extraño a Caravaggio, ya que su vida transcurrió en un ambiente similar al que recogen sus cuadros.






miércoles, 21 de octubre de 2015

The Deblín Cup



The Deblín Cup, entre 1475-1500, de cristal esmaltado con oro y brillantes, pertenece a la nueva galería de Waddesdon Bequest, uno de los tesoros de 300 piezas renacentistas coleccionadas por el barón Ferdinand Rothschild (1839 – 1898) en el British Museum, Londres _ Inglaterra.

La Copa Deblin es uno de pequeños grupo de buques realizados en Murano, Venecia. Lleva una inscripción en su parte posterior, diciendo, a la salud de los Señores de Deblín, lo que probablemente era la "copa de bienvenida".








lunes, 19 de octubre de 2015

Vito Acconcci - Murinsel


"Mi obra va de la poesía, es decir, del objeto y del sujeto, de la arquitectura a la construcción del espacio.

Tanto la escritura como la arquitectura están implicadas con el tiempo.

La lectura de un libro tiene un principio y un final y la arquitectura
tiene que ver con la ocasión, con lo que la gente puede hacer en un espacio."


Vito Acconci 

Vito Acconci (Nueva York, 1940), es un poeta y un artista conceptual que empezó creando obras de “arte corporal” o “body art”. Como poeta utilizaba la hoja en blanco como lugar o espacio donde hace actuar a las palabras como objetos en movimiento. De la hoja en blanco pasaría después a la galería de arte como espacio de encuentro entre el espectador y el artista.


Murinsel en Graz _ Austria

Desde los años 70 hasta 1980 utilizó el vídeo para expresarse, y desde 1988, tras fundar el “Vito Acconci Studio”, un grupo de reflexión de arte y arquitectura, trabajó con un equipo de jóvenes diseñadores que están creando obras de arte público y lugares únicos, centrado en la arquitectura principalmente, desde dónde explorará en sus obras los límites entre el espacio público y el privado.


Interior del Murinsel 

Esta curiosa plataforma fue concebida por el artista Vito Acconci en 2003, año en el que Graz ostentó el título de capital cultural europea. Se trata de una plataforma en forma de concha de 47 metros de longitud. Está conectada a ambas orillas del río Mur, a través de dos pasarelas peatonales.


El anfiteatro del Murinsel

Pero no se trata simplemente de un lugar de paso, ni de un un puente más para alcanzar la otra orilla. El interior del Murinsel tiene forma de anfiteatro. Las “gradas”, con capacidad para 350 espectadores, descienden desde lo más alto de la estructura unos 20 metros abajo, donde encontramos un escenario y una cafetería.


Espectacular imagen nocturna del Murinsel

En la construcción de esta Isla Puente se han utilizado materiales tales como caucho, asfalto, acero, acrílico, vidrio, agua y luz. Con el uso de materiales transparentes se pretende subrayar la falta de límites entre los visitantes y el agua y crear la sensación de sentarse en una burbuja de aire lista para alejarse.




jueves, 15 de octubre de 2015

El Código de Hammurabi


El Código de Hammurabi es sin lugar a dudas una de las mayores maravillas que nos ha legado la antigüedad, y es uno de los primeros intentos legislativos del ser humano. 

El Código de Hammurabi, datado en el año 1692 a.C.Es uno de los primeros conjuntos de leyes que se han encontrado y uno de los ejemplos mejor conservados de este tipo de documentos de la antigua Mesopotamia.


El Código de Hammurabi en Museo del Louvre


Se presenta como una gran estela de basalto de 2,25 metros de alto. En lo alto hay una escultura que representa a Hammurabi de pie delante del dios del Sol de Mesopotamia, Shamash. 

Durante las diferentes invasiones de Babilonia, el código fue trasladado hacia el 1200 a.C., a la ciudad de Susa (en Elam), actualmente en Juzestán_Irán. En esta ciudad fue descubierto por la expedición que dirigió Jacques de Morgan, en diciembre de 1901. Fue llevado a París _Francia.


El rey Hammurabi entrega las leyes al dios Shamash


Estas leyes, al igual que sucede con casi todos los códigos en la Antigüedad, son consideradas de origen divino, como representa la imagen tallada en lo alto de la estela, donde el dios Shamash, dios de la Justicia, entrega las leyes al rey Hammurabi. De hecho, anteriormente la Administración de Justicia recaía en los sacerdotes, que a partir de Hammurabi pierden este poder. 

Escrito en acadio, su prólogo y el epílogo están redactados en un lenguaje más cuidado y con la finalidad de glorificar al dios babilonio Marduk y, a través de él, a su rey.


Escrito en acadio






El caminante sobre el mar de nubes


El caminante sobre el mar de nubes, obra Caspar David Friedrich de 1818, con unas dimensiones de 74,8 cm × 94,8 cm, Kunsthalle de Hamburgo, Hamburgo, _ Alemania

Se trata de un pintor paisajista del romanticismo alemán del Siglo XIX, generalmente considerado el artista alemán más importante de su generación. Es conocido por sus paisajes alegóricos de su periodo medio que muestra figuras contemplativas opuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales, árboles estériles o ruinas góticas.

El caminante sobre el mar de nubes no trata sobre un tipo que sube a una montaña en una mañana libre de domingo. Es algo más. La primera prueba es el propio personaje que observamos. Algunos lo han identificado con el propio Friedrich, otros han querido a ver a algún amigo suyo. Friedrich quiere que asumamos su rol, de ahí que lo sitúe en el centro de la obra. Parece casi como que somos nosotros quienes nos asomamos al acantilado.


El caminante sobre el mar de nubes,
 obra Caspar David Friedrich


Otro indicativo es el paisaje en sí. Sabemos que se trata de un emplazamiento suizo, donde el propio autor estuvo refugiado por la amenaza de las guerras napoleonicas. El monte de la izquierda es el Rosenberg, y la atalaya de la derecha es el Zirkelstein. Aunque la disposición de éstos es más o menos verosímil, Friedrich los usa como meros pretextos. Es decir, no le interesa pintar un paisaje de la baja Sajonia, se vale de este para transmitirnos un significado.

Finalmente el estilo de Friedrich es sobrio, de índole realista y preciso. A destacar es el marcado contraste de tonos oscuros y claros y, como comente antes, la composición, con la figura dominando en el centro, tapando el punto de fuga. Parece que parten de él las dos colinas a los lados: truco que emplea el pintor para captar aún más la atención del espectador hacia el personaje.



miércoles, 14 de octubre de 2015

André-Charles Boulle


André-Charles Boulle ( 1642 – 1732) fue un ebanista, escultor y decorador francés.
Destacó especialmente en el campo de la marquetería, llevando su fama a denominar una clase de incrustación como Boulle.
Autor de numerosos muebles, sobre todo para el Palacio de Versalles, también realizó obras para las cortes de España y Alemania, así como para muchos comitentes privados. Boulle fue el creador de una nueva técnica de aplicación de metales (cobre, estaño) sobre materiales orgánicos (carey,madreperla) o viceversa. Entre las obras de Boulle destacan las dos cómodas del Trianón, en Versalles, y el reloj de péndulo con el Carro de Apolo enFontainebleau.

Detalle de Apolo y Marsias, de 1700 en Wallace Collection 

Boulle vivió continuamente en estado de pobreza, debido a que sus aficiones artísticas le llevaban a adquirir un gran número de dibujos y grabados que no podía pagar. A este mal estado de su economía se sumó el incendio de su taller, ocurrido el 20 de agosto de 1720, que le dejó en la ruina total; gracias a la protección del rey no fue expulsado del Museo del Louvre.

Ataúd del siglo XIX, en el Instituto de Arte en Chicago 

En general, creó muebles con un estilo muy personal, poco formalistas y caracterizados por la amplitud de formas y la perfección con la que se integran al conjunto de la ornamentación. Sus muebles, concebidos para galerías de grandes proporciones y los lujosos aposentos de la época, fueron escritorios, cómodas, cajas de relojes, arcones e incluso suelos de madera en los cuales destaca la marquetería multicolor con maderas exóticas, cortadas en láminas con arabescos, paisajes o conjuntos florales. Este tipo de muebles recibían la designación general de muebles Boullé, con la cual se conocen aún hoy en día los muebles con incrustaciones de carey, latón dorado, peltre o cobre.







jueves, 8 de octubre de 2015

Después del Baño



"Después del Baño", obra de Joaquín Sorolla y Bastida, de 1892, con unas de 128 x 195 cm en el Museo Sorolla, en Madrid _ España.

La selección antológica de obras del pintor se inicia con este bellísimo cuadro de colección particular que generosamente ha sido depositado en el Museo Sorolla por sus propietarios. Después del baño fue pintado por Joaquín Sorolla con tan solo 29 años, cuando su carrera como artista apenas acababa de comenzar, y formó parte de las diez obras con la que el pintor concurre a la Exposición Nacional de 1892.


Después del baño obra de Joaquín Sorolla


La obra muestra a una mujer joven sentada en el suelo de lo que parecen ser unos termas clásicos revestidas de grandes losas de mármol. El artista modela el cuerpo de la mujer con un dibujo firme y riguroso, y una delicadeza que recuerda al gran maestro de la evocación grecorromana, Lawrence Alma-Tadema, admirado y conocido por Sorolla. Sorolla despliega su destreza contrastando la suavidad de la carne con la dureza del mármol, describiendo las vetas de la piedra y, sobre ellas, el reflejo tenue del cuerpo desnudo, y jugando con los distintos tonos –la piel, el mármol, la sábana- en un verdadero alarde del dominio de los blancos que se convertirá en una característica de la obra madura del pintor.




miércoles, 7 de octubre de 2015

Los Esclavos de Michelangelo Buonarroti


Miguel Ángel realizó 6 esculturas (inacabadas, para el segundo proyecto de la tumba del papa Julio II, quiso colocar las figuras de los "esclavos" o "cautivos" en la parte inferior de la tumba.

Dos de los esclavos están actualmente en el museo del Louvre y los otros cuatro se encuentran en la "Galleria dell'Accademia", en Florencia, datan de los años 1532-1534, son conocidos con los nombres de: El esclavo joven, el esclavo barbudo, Atlas, el esclavo que se despierta.

Estas esculturas evolucionan hacia unas formas masivas, recuerdan a los "Titanes" de la antigüedad, están inacabados expresando una revuelta contra la materia que los envuelve, de la cual quieren deshacerse y así liberar el cuerpo.

Esclavo moribundo en el Museo de Louvre

Los cuatro esclavos que quedaron sin concluir fueron donados por Miguel Ángel al gran duque Cosme I, que los colocó en los Jardines de Bóboli, desde donde fueron trasladados a la Academia en 1909. El joven esclavo se representa con las rodillas ligeramente flexionadas, indicando cierto cansancio en su caminar.

El Esclavo Barbudo
de La G. Academia de la Florencia 

En el Esclavo que se Despierta, Levanta su brazo izquierdo por encima del hombro mientras que el derecho se desliza por la cadera. La sensacional figura parece emerger del bloque de mármol que en el fondo está sin trabajar, presentando diferentes grados de acabado. Así, la cabeza apenas está esbozada, el busto se define mejor en el lado izquierdo que en el derecho y en algunas zonas se aprecian las marcas de los instrumentos empleados por el maestro durante su ejecución ya que la estatua no recibió el tratamiento definitivo. Esta obra, al igual que sus compañeros.

El Esclavo que se Despierta
de La G. Academia de la Florencia 

El esclavo despertándose, Atlas y El esclavo barbudo nos hacen comprender la famosa técnica del maestro del "non finito" en la que las formas, sin estar ejecutadas a la perfección, alcanzan una maestría casi insuperable, dando la sensación al espectador que las figuras desean abandonar la piedra para convertirse en obras de arte.


El Esclavo Atlante de La G.Academia de la Florencia 

En su poderosa expresividad, resulta demasiado moderna. El frío mármol se convierte en la ardiente prisión de este cuerpo pletórico de energía que parece cargar sobre sus espaldas con el peso del mundo, como Atlas. El contraste entre la aspereza de la piedra apenas desvastada y el modelado finamente pulido del cuerpo que en ella se halla aprisionado, no hace sino agudizar la tensión entre la vida encadenada y la roca que la contiene.


El Esclavo Rebelde en el Museo del Louvre 









lunes, 5 de octubre de 2015

Ca' d'Oro del Gran Canal



Ca' d'Oro es uno de los palacios con mejor presencia de Venecia. Su fachada es probablemente la más sorprendente y trabajada de los palacios que se encuentran a orillas del Gran Canal. Actualmente alberga un museo.

Un palacio que representa el ejemplo más alto y completo de los típicos edificios góticos; el estado actual es el resultado de varias modificaciones efectuadas a lo largo de los siglos.

El origen de la Ca’ d’Oro es muy incierto y tiene abundates diferentes teorías. Fuentes oficiales dicen que el edificio fue edificado entre los años 20 y 40 del siglo XV por orden de Mario Contarini, un rico comerciante que designó Matteo Raverti, Giovanni y Bartolomeo Bon para decorar el palacio.


Ca' d'Oro del Gran Canal

Otra teoría es que el nombre del palacio venga de los ornamentos cubiertos de oro que en el pasado estaban colocados en la fachada. Los pequeños leones que adornan el techo conservan todavía hoy rastros de dichos ornamentos. La tercera teoría afirma que el nombre de la Ca' d'Oro viene de Doro, la rica familia que vivía en Venecia en la segunda mitad del siglo XIV y que encargó la edificación del palacio.


Detalle del remate de la fachada 

Es cierto que año tras año la Ca' d'Oro perteneció a distintas familias, sometiéndose a muchas transformaciones que causaron una gran degradación. Alrededor del final del siglo XIX, el edificio fue comprado por el ruso Alessandro Troubezkoi. El ingeniero Giovanni Meduna fue designado para restaurar el palacio.

 La fachada asimétrica del Ca' d'Oro 

Él decidió extenderlo y modificarlo según su gusto personal sin un diseño claro y sensato. En 1894 el palacio fue comprado por Giorgio Facchetti que hizo lo mejor para recuperar el estilo interior de Ca' d'Oro. Aquí, Facchetti decidió exponer su misma colección de arte. Ahora conserva principalmente cuadros de pintores desde las regiones de Veneto y Toscana, esculturas, muebles antiguos, tapiz, valiosa cerámica veneciana y mucho más.


Vista interior 

Desde 1916 la colección Franchetti recibe constantemente ayudas económicas del gobierno italiano. La Ca' d'Oro es un edificio pequeño, pero único por su maravillosa decoración. La fachada es asimétrica, el piso principal cuenta con un sensacional vestíbulo revestido de una espectacular marquetería de mármoles y mosaicos, así como una elegante escalera. Entre las joyas de la colección destacan obras de Van Dyck, Tiziano y Mantegna.

Espectacular mosaico del palacio


Patio interior





jueves, 1 de octubre de 2015

"Madona con niño y ángeles cantores", de Sandro Bottecelli


"Madona con niño y ángeles cantores", obra de Sandro Bottecelli, hacia 1477. Tempera sobre tabla, 135 cms. en el Gemaldegalerie, Berlín _ Alemania.

Pintada hacia 1477 para la iglesia florentina de San Francisco, representa a la Madona con el Niño rodeados de un grupo de ángeles cantores que portan lirios, símbolo de la virgen. El Tondo, o formato circular, fue especialmente usado por Botticelli, que experimentó con composiciones circulares en varias ocasiones. Éste es además uno de los más grandes, en el que tuve que adaptar las posturas de los ángeles.

Los colores son cálidos, luminosos. Transmite así una atmósfera de espiritualidad ideal y lírica. Continúa la tendencia, ya vista en su obra "Alegoría de la Primavera" de contornos suaves y fluidos y pliegues de una gran sensibilidad. La gran atención que presta a los detalles remite a una labor de orfebrería.




Desde sus primeras obras, sobre todo Madona, Botticelli ofrece un estilo propio que se aleja de Masaccio, que aún estaban presentes en el arte florentino, convirtiendo la realidad en un mundo ideal de figuras.

Le interesan especialmente la expresión de los rostros, a los que sume en una dulce melancolía.

A su interés por los gestos y las actitudes de las figuras, les añade el movimiento. Y he dicho movimiento, pero más bien parece que sus personajes danzaran en un sutil ritmo.




No le preocupa la perspectiva y el paisaje, que tanto obsesionaba a los otros pintores.
La línea contornea las formas y crea con ella cuerpos delicados, cabellos agitados rítmicamente en el aire y vestidos modelados por el viento.

El biógrafo de Botticelli Ersnt Steinman investigó el desarrollo psicológico del artista a través de sus numerosas Vírgenes. En la «profundización del entendimiento y expresión en la interpretación de la fisonomía de María», Steinman cree ver una prueba de la influencia de Savonarola (predicador italiano) sobre Botticelli.

Esto significa que el biógrafo necesitaba alterar las fechas de una serie de Vírgenes para apoyar su teoría; específicamente, las data en fechas muy posteriores a las que tradicionalmente se consideran. Steinman se muestra en desacuerdo con la afirmación de Vasari de que Botticelli no produjo nada después de caer bajo la influencia de Savonarola. Cree que las Vírgenes espirituales y emocionales representadas por Sandro provienen directamente de las predicaciones del monje dominico.