lunes, 30 de octubre de 2017

Le Train Bleu en Paris


Entrada a Le Train Bleu. Un restaurante y otra época
LeTrain Bleu es mucho más que un restaurante en París_ Francia, en el año 1900, París se preparaba para acoger una nueva Exposición Universal. Y como suele ocurrir en estos eventos, aquel acontecimiento iba a legar a la ciudad una serie de edificios emblemáticos construidos para la ocasión, como fue el caso del Grand y el Petit Palais levantados como recintos feriales. Pero además de esos pabellones, se construyeron y se remodelaron otras infraestructuras parisinas.


Entre ellas, la Gare de Lyon, la estación ferroviaria de la compañía París-Lyon-Marsella que el arquitecto Marius Toudoire(1852-1922), renovó por completo dotándola de una grandilocuente fachada y su enorme Torre del Reloj que alcanza los 64 metros de altura.


Milagrosamente se ha mantenido hasta nuestros días prácticamente idéntico a sus orígenes, y eso que tuvo que ser salvado de la demolición a mediados de los 60 por el recordado ministro de cultura francés André Malraux. También es cierto que en el año 2014 fue objeto de una profunda restauración que le devolvió todo su esplendor. Y de hecho, en la actualidad Le Train Bleu tiene la categoría de Monumento Artístico, lo que es garantía para su conservación.


Todo aquí huele, sabe, proviene de los tiempos de la mítica Belle Époque de París, cuando la capital francesa era la capital artística del mundo. En el mismo año que se abrió este restaurante Rodin labró en mármol su escultura "El Beso", o Georges Meliés estaba ultimando las ideas para su película Viaje a "la Luna", por cierto en parte inspirada en los relatos de un Julio Verne que era un autor venerado en París. O ese mismo año fallecía Toulouse Lautrec, posiblemente el pintor que mejor plasmó aquel momento.


En ese ambiente de efervescencia creativa se diseñó el restaurante Le Train Bleu, el cual también fue construido siguiendo los planos de Marius Toudoire, pero para su decoración se contó con un numeroso equipo de profesionales y artistas.


Entre todos ellos crearon el cuidado mobiliario de madera, las lámparas de cristal, los tapizados, las molduras o los dorados que decoran el gran restaurante. Y sobre todo participaron diversos pintores para la decoración de los techos. Unas pinturas que podría pensarse que son frescos, pero en realidad son lienzos traspasados a paredes, techos y bóvedas.


Hay hasta 41 escenas en las que se ven los paisajes que atravesaban los trenes de la compañía París-Lyon-Marsella. Todos ellos paisajes de carácter muy ornamental, como es propio del estilo Art Nouveau en el que se pintaron. En definitiva, que uno se sienta a comer o a cenar y casi le cuesta fijarse en lo que le sirven en el plato, ya que inevitablemente la mirada se dirige a todo esa ambientación, capaz de llevarnos a la ensoñación de otra época.


Hay que imaginarse esos efectos en los personajes más ilustres que se declararon apasionados de este restaurante, su cocina y su decoración. Personajes de cualquier disciplina artística, desde la diseñadora Coco Chanel al escritor Jean Cocteau, pasando por Salvador Dalí, la actriz Brigitte Bardot o el cineasta Luc Besson que ha llegado a grabar aquí escenas de alguna de sus películas.


Las pinturas que evocan el sur de Francia a comienzos del siglo XX. En definitiva, que comer aquí es algo más que asistir a un banquete de platos genuinamente franceses. Sentarse a estas mesas puede estimular al paladar pero sobre todo excita a la imaginación mientras se contempla el escenario.





Bibliografía : http://www.magazinehorse.com


jueves, 26 de octubre de 2017

"María Magdalena" de Andrea Solario

"María Magdalena" obra de Andrea Solario (Milán1465-1524) del año 1524 y con unas dimensiones de 1,423 × 1,800 cm. Actualmente se encunetra en Walters Art Museum. located Belvedere, Baltimore, Maryland _ Estados Unidos.


Procedente de un entorno artístico, Andrea Solario fue, sin embargo, el primer y único miembro de su familia que se dedicó a la pintura. A pesar de aparecer mencionado tanto por Vasari en sus Vidas, como por Lomazzo en su Tratatto dell’arte della pittura, su figura ha permanecido durante mucho tiempo en la sombra, y sus obras han sido frecuentemente atribuidas a otros maestros mejor conocidos como Bernardino Luini. 


En el detalle vemos una copa en la mano de María Magdalena según la Biblia, María Magdalena poseyó de hecho un frasco de este tipo. Parece que estaba hecho de alabastro. En el Nuevo Testamento también podemos leer que María Magdalena fue a la tumba de Cristo para embalsamar su cuerpo con aromas tras ser enterrado, una práctica habitual entre los judíos en aquella época. 

Curiosamente, el Grial que Thomas Wright (¿Era este frasco, conocido como el Cáliz de Magdalena, el que Thomas Wright aseguraba poseer? ¿Qué fue de él, de ser así? Cabe destacar que, siguiendo el espíritu de las leyendas del Grial, Wright afirmaba haberlo ocultado en un lugar secreto. Evidentemente, al no tener hijos a los que legarle este tesoro, Wright dejó tras de sí antes de su muerte (1877) un complejo rastro de pistas que conducirían a la localización del supuesto Grial) afirmaba poseer no era ninguno de los objetos ya mencionados, sino un frasco de perfume que supuestamente habría pertenecido a María Magdalena.


El 12 de enero de este año, la cadena BBC News daba una noticia relacionada con María Magdalena, la mujer a la que se describe como “compañera íntima” de Jesús en el Nuevo Testamento.

El Vaticano ha elevado recientemente su estatus entre los santos equiparándola con los discípulos masculinos de Jesús, y en breve se estrenará un nuevo largometraje sobre su vida protagonizado por Rooney Mara (Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres). La mayoría de la gente estará familiarizada con este personaje bíblico gracias al novelista Dan Brown, quien sugiere que María Magdalena fue la esposa de Jesús.


Andrea Solario fue un pintor dedicado principalmente a la pintura religiosa, pero también un gran retratista. Su estilo asimiló los recursos y las formas de Leonardo da Vinci, a los que incorporó notas de la obra de Messina. Su pintura revela un profundo conocimiento de la pintura flamenca, como se observa en La lamentación del Musée du Louvre, donde combinó la técnica del óleo con la del temple.

Gran parte de la poca documentación que de él se conserva está relacionada con los pagos de sus trabajos realizados en Francia para la familia Amboise. A su vuelta a Milán, trabajó para el sobrino y heredero del cardenal, Carlos II d’Amboise, gobernador de Milán, y para otros miembros de la elite política y religiosa de la ciudad. 




lunes, 23 de octubre de 2017

El Palacio del Capitaniato, obra de Andrea Palladio

El Palacio del Capitaniato es un palacio de Andrea Palladio (fue un importante arquitecto italiano de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza y sus alrededores, y también en la misma Venecia), situado en la céntrica Plaza  de Signori de Vicenza _ Italia.


En 1565 la ciudad de Vicenza pidió a Andrea Palladio realizar un edificio para el capitanio, el representante de la República de Venecia en la ciudad, que le dio nombre al edificio. El edificio debía sustituir a una construcción tardo medieval preexistente, dedicada previamente a residencia del capitanio. De este modo Palladio se encontró trabajando en dos lados de la misma plaza, dado que las obras de la Basílica Palladiana.


Los palacios urbanos de Palladio son, sobre todo, casas dignas pero sin fastuosidad, cuyo prestigio urbano se confía más bien a la nobleza de las formas que a la ostentación de la riqueza o del poder; elemento esencial es la fachada, con la que las grandes familias quieren contribuir, casi como se tratara de un deber, al noble aspecto de la ciudad. 


Sus fachadas forman las paredes de ésta, entendida como una arquitectura abierta y transitable cuyo techo es el cielo. Cronológicamente, se distribuyen a lo largo de un período de treinta años, y cada fachada presenta una forma propia, una originalísma compaginación de los elementos de la morfología clásica.


Compone sus fachadas, preferentemente, con un orden único, gigante, de columnas o pilastras, de tal modo que todas las profundidades y todos los resaltes, ya sean reales o puramente representados, se proyectan sobre una única superficie o, cuando menos, se compendian en una profundidad mínima.


Concebidas en función de la calle... casi todas [las fachadas] presentan un primer orden rústico, casi un basamento, y sólo sobre éste, donde el vano de la calle se hace más luminoso, se alzan los órdenes de columnas y pilastras.


Como muchos otros edificios del arquitecto véneto, el edificio permaneció parcialmente incompleto: las obras se detuvieron en 1572, a pesar de que el edificio no estaba terminado, y se realizaron solo tres crujías, en lugar de las cinco o seis previstas inicialmente.


El Palacio del Capitaniato se basa en un orden compuesto, gigante tanto en altura como en anchura. En la planta baja hay una gran logia cubierta por anchas bóvedas, que sostiene un piano nobile dotado de un gran salón (la Sala Bernarda).


La fachada del edificio está dividida por cuatro semicolumnas gigantes de ladrillos caravista y tres grandes arcos. Las decoraciones están realizadas en piedra de Istria y sobre todo estuco. Según el diseño de Palladio, las columnas iban a ser recubiertas por yeso blanco, que es visible solamente en la base de los capiteles corintios. Palladio decidió en este caso jugar con el contraste utilizando ladrillos rojos sin enyesar que resaltan tanto sobre el blanco de los estucos como sobre el blanco de la piedra de la Basílica Palladiana que se sitúa de frente.








jueves, 19 de octubre de 2017

"Caballero sonriente", obra de Frans Hals

"Caballero sonriente", obra de Frans Hals del año 1624 y con unas dimensiones de  83 x 67 cm. Actualmente se encuentra en The Colección Wallace en Londres _ Inglaterra.


La escasez de documentos y la ausencia total de escritos personales de Frans Hals hacen que su personalidad y su vida permanezcan un poco en la oscuridad. Hay varias fechas hipotéticas sobre su nacimiento, que pudo ser hacia 1582-1583, deducidas de la edad que sus biógrafos calculan que tendría cuando murió, aunque con seguridad nació en la ciudad flamenca de Amberes. Abandonaría esta ciudad con su familia pocos años después, trasladándose a Haarlem. Ya en 1591 fue bautizado allí su hermano Dirck, que también se dedicaría a la pintura.


Sus obras, muy homogéneas estilísticamente, se caracterizan sobre todo por la elección que hace el pintor de representar con inmediatez y vivacidad el tema a través de un tratamiento pictórico constituido por toques rápidos e irregulares. Profundiza dos formas de retrato: el retrato individual y el retrato de grupo al cual consigue darle esta vivacidad que le caracteriza.


Los primeros retratos de Frans Hals constituyen la quintaesencia del arte barroco y ofrecen una brillante imagen de los protagonistas del Siglo de Oro holandés: los personajes vestidos con ropajes suntuosos, aparecen en actitudes llenas de serenidad y nobleza, adoptando poses un poco afectadas y teatrales, que revelan también una auto complacencia social y personal.


Caballero sonriente, este misterioso personaje del cual se desconoce su identidad, es retratado de tres cuartos, exhibiendo en su rostro sonriente el orgullo que le da su posición social. Bajo el brazo izquierdo, entre las espléndidas telas de su túnica, asoma el puño de una espada. Es un elemento que indica generalmente que el individuo forma parte de la nobleza, pero aquí tiene un rol imaginario, como el de una última confirmación de la importancia del hombre representado.


La posición de la mano sobre la cadera, bajo el admirable puño de encaje almidonado donde el artista exhibe su habilidad pictórica, es un signo indiscutible de superioridad condescendiente y de seguridad aun así se ha creído con ligereza que Hals no tenía una técnica muy depurada y que pintaba apenas sin correcciones o dibujos preparatorios. Pero estudios científicos y técnicos han demostrado que esto no es así.

Al contemplar la obra a una distancia muy corta, parece como si el maestro normalmente usara los esbozos muy tenuemente. Esto demuestra que Hals utilizaba su virtuosismo desde el inicio del cuadro. La ausencia de líneas delimitadoras o de dibujo preparatorio fue cada vez más usada por el pintor en sus obras de madurez.


lunes, 16 de octubre de 2017

Museo de Historia Natural de Londres

La esencia del instinto es que es seguido independientemente de la razón
Charles Darwin

Por esa misma razón entré en el Museo de Historia Natural de Londres , me horrorizó ver una gran cantidad de animales disecados. Me atrajo la arquitectura en sí, que es una construcción magnífica entre 1873 y 1880 para albergar la creciente colección de esqueletos, plantas y fósiles que constituían una sección del Museo Británico. Las distintas secciones del museo se dividen en zonas: verde, azul, naranja y verde y el reciente Centro Darwin


El Museo de Historia Natural de Londres no es sólo uno de los tres grandes museos (los otros dos son el Museo de la Ciencia y el Victoria & Albert Museum) que se concentran en los alrededores de la calle Exhibition Road, en el barrio de South Kensington, sino que además está considerado a nivel mundial como un centro de investigación de referencia en el campo de la taxonomía. 


Pero además de antiguo, también es curioso y de gran belleza el edificio que alberga el museo. Tanto la fachada, decorada en terracota con esculturas como el edificio en sí, de planta rectangular y arquitectura victoriana, cuya entrada principal está flanqueada por dos torres.


La sorpresa nos la llevamos nada más cruzar la puerta, una enorme gigantesca ballena azul de más de 25 metros de longitud, fue el encargado de darnos la bienvenida al enorme hall del museo.


Del interior del museo no podemos dejar de admirar su arquitectura y decoración, las grandes escalinatas y los ventanales... Los techos del interior están adornados con paneles con distintas especies de plantas pintados en ellos, típicos de la flora británica, así como muchos pilares muestran distintas especies animales.


El recién desarrollado Centro Darwin está diseñado como un nuevo hogar para la colección del museo de decenas de millones de muestras conservadas, así como de espacio para nuevos trabajos del personal científico del museo, y para las experiencias de visitas educacionales. Construido en dos fases diferentes, con dos edificios nuevos adyacentes al edificio principal de Waterhouse, es el más significante y nuevo proyecto de desarrollo en la historia del museo.

Estatua de Darwin obra de Sir Joseph Edgar Boehm
La primera fase del Centro Darwin acoge la colección de organismos preservados en alcohol del departamento Zoológico. La segunda fase se inauguró en septiembre de 2008 y se abrió al público en septiembre del siguiente año.


En la zona naranja todo es un poco más moderno. Como la gran escultura de un globo terráqueo a la que puedes acceder subiendo una empinada escalera mientras contemplas un mapa de las constelaciones impreso en las paredes.


La simple contemplación del superlativo edificio ya conquista. Recuerda a un college de los típicos de Cambridge, o una gran catedral pero no. Es un museo y así lo concibió su creador, Alfred Waterhouse, con una estructura de acero y hierro y con animales y plantas esculpidos por toda la fachada.


El Museo de Historia Natural de Londres es uno de esos lugares que brilla por encima de todos. Un pionero. El primero de la serie. Me refiero a un espacio expositivo sin rival, dedicado a la vida en general, con la naturaleza como protagonista. 






















jueves, 12 de octubre de 2017

La asunción de la virgen, obra de Francesco Botticini, fue realizada en el año 1475 y con unas dimensiones de 228.6 x 377.2 cm. Se encuentra The National Gallery de Londres _ Inglaterra.


Artista florentino cuyo verdadero nombre era Francesco di Giovanni di Domenico y cuyo padre fue un pintor artesanal. Su estilo se caracteriza por aunar elementos de sus contemporáneos, entre los que destacan Sandro Botticelli, Andrea del Castagno, Domenico Ghirlandaio, Filippino Lippi, Cosimo Rosselli y Verrocchio, motivo este por el que algunas de sus obras tuvieron problemas y errores de atribución.


Entre sus pinturas de primera época destaca Los tres arcángeles con Tobías de la colección de la Galleria Uffizi de Florencia, realizada hacia 1470 y considerada su obra maestra y la Asunción de la Virgen, encargo de Matteo Palmieri, la de National Gallery presenta nuevas investigaciones sobre esta pintura monumental, para aclarar malentendidos sobre su autoría, fecha, ubicación original, y su iconografía. 


El retablo, instalado en la iglesia de San Pier Maggiore de Florencia en 1477, fue encargado por Matteo Palmieri (1406 - 1475) quien aparece retratado de rodillas en la parte inferior izquierda de la pintura junto con su esposa, Niccolosa de Serragli, a la derecha.

Esta exposición explora la visa fascinante de Palmieri, un verdadero hombre del Renacimiento que se formó en su Florencia natal como boticario, estudió filosofía y la retórica con los principales eruditos humanistas de la época, escribió historias, biografías y poesía; alcanzó destacados puestos en el gobierno florentino y desarrolló una amistad estrecha con los Medici de Florencia.


El propio Palmieri aconsejó a Botticini sobre el diseño de esta pintura, que incorpora un paisaje panorámico de Florencia, en el registro inferior y una extraordinaria cúpula del cielo, poblada de santos y ángeles, en la parte superior.

Glorificación de Cristo en Nacional Gallery  de Londres

La obra de Botticini aparece en la muestra relacionada con otras pinturas italianas, dibujos, grabados, manuscritos, cerámicas y esculturas.

San Francisco de Asís y dos ángelese en  Nacional  Gallery

Fundamentalmente, la exposición aborda cuestiones como el debate en torno a la atribución errónea de la pintura a Sandro Botticelli y su relación con el poema de Palmieri “Città di Vita” (Ciudad de la Vida), basado en la Divina Comedia de Dante.

Además, para entender mejor la función original y el contexto del retablo, la exposición incluye una reconstrucción digital de la arquitectura de San Pier Maggiore, iglesia destruida en gran parte en el siglo XVIII. 

Bibliografía : https://www.guiarte.com

lunes, 9 de octubre de 2017

Basílica de San Francisco de Asís _ Italia

La ciudad de Asís, de origen desconocido, fue habitada por los umbrios y más tarde por los romanos, y dejaron a su paso muchos vestigios de los que podemos disfrutar actualmente. Sin embargo, su nombre está relacionado con la figura de San Francisco, proclamado santo en 1228, que hizo de la ciudad un lugar de culto y de fuerte difusión del movimiento franciscano, y ayudó en el desarrollo del arte y la arquitectura de Asís.


La ciudad de Asís, se incluyó en la Lista del Patrimonio Mundial en el año 2000. Uno de los motivos que la UNESCO subrayó de la ciudad, es que Asís es un ejemplo único de la continuidad histórica de una ciudad con su paisaje cultural y la totalidad del sistema territorial.


La estructura que se quería dar era en un principio bastante simple, pero fue rápidamente modificada según líneas más majestuosas, inspirándose en parte en la arquitectura románica lombarda. El complejo, formado por dos iglesias superpuestas e independientes de nave única con transepto saliente (en la arquitectura románica la disposición habitual correspondía a la tipología de cruz latina, siendo el transepto de mayor longitud que la anchura de la nave, de forma que los brazos de aquel sobresalían lateralmente y se manifestaban al exterior) y ábside, se terminó en 1239.


Fue consagrado al culto en mayo de 1253, año en el que también murió fray Elías, por el Papa Inocencio IV, quien ordenó que el conjunto se dignificara con trabajos de decoración. A finales del siglo XIII, la basílica inferior se enriqueció de capillas laterales, todas en estilo gótico.


El interior de la basílica inferior tiene planta con forma de Tau, símbolo franciscano. A finales del siglo XIII se modificó la estructura románica inicial, una única nave con cuatro arcadas, y se añadieron capillas a lo largo de las paredes laterales y del atrio de entrada. 


La introducción de las capillas obligó al cierre de las ventanas a lo largo de la nave, creando una sugestiva penumbra que induce al recogimiento, e implicó también que se perdieran algunos fragmentos del ciclo pictórico original que representa las Historias de la Pasión de Cristo.


El gran maestro Giotto de Bondone (un artista de la época que desarrolló varios ámbitos artísticos, destacando en la poesía, la escultura, arquitectura y sobre todo en la pintura, considerándose este autor del Trecento uno de los iniciadores del movimiento renacentista en Italia), dejó sus trazos de colores vivos y estilo innovador en los frescos de la basílica, narrando la Vida de San Francisco. Desgraciadamente en 1997 el terremoto que asoló la zona hizo añicos la obra maestra del pintor italiano.
Tras un laborioso proceso de restauración se ha conseguido reconstruir parcialmente todo el arte mural que decoraba la iglesia, aunque el daño es irreparable.


Debido a la pendiente de la colina, la entrada fue trasladada al lado izquierdo de la nave. El ingreso tiene lugar a través de un elegante portal gótico de la segunda mitad del siglo XIII, sobrepasado por un rosetón definido por el historiador Adolfo Venturi como «el rosetón más bello del mundo»​ y precedido por un atrio renacentista obra del escultor Francisco di Bartolomeo da Pietrasanta.


Cabe destacar que en la parte superior de la nave hay un conjunto de 34 cuadros con escenas bíblicas, algunos de las cuales muy deteriorados. Son obra de artistas romanos y toscanos entre finales del siglo XIII y comienzos del siglo XIV.


La parte superior del lado norte comienza con las Historias de la creación, desde la creación del mundo hasta el asesinato de Abel. Con las Historias de Noé comienza el ciclo de una “nueva humanidad”, Las primeras cinco escenas se atribuyen a los artistas romanos Jacopo Torriti y Filippo Rusuti. 

Es imposible reunir en un tema todo lo que se puede admirar en la Basílica de San Francisco, patrimonio de la humanidad como toda la ciudad de Asís. Aparte de esto, en el Sacro Convento se guarda un precioso archivo documental y una rica biblioteca franciscana con cientos de manuscritos y miles de libros de gran interés.