jueves, 18 de julio de 2019

"Los Comediantes Italianos" obra de Jean-Antoine Watteau

"Los Comediantes Italianos" obra de Jean-Antoine Watteau (1684–1721) del año 1720. y con unas dimensiones 128.9 x 93.3 cm. Actualmente se encuentra en J. Paul Getty Museum en Los Ángeles, California _ Estados Unidos.



Watteau es el representante más antiguo y más exquisito del estilo rococó. Realizó escenas galantes y costumbristas. En los cinco últimos años de su vida pintó numerosas fiestas galantes con una composición que se repite en varias de ellas.



Parte el cuadro en dos mitades: una de vegetación oscura en la que están los personajes vestidos con colores claros, y otra de celaje claro. Virtuoso técnico y muy buen dibujante, domina en él una ejecución minuciosa. 


Aplicaba los colores muy diluidos en capas de extrema delgadez, lo que permite numerosas transparencias. El barniz se aplicaba transparente o ligeramente coloreado, y a veces entre capas de pintura, recurso propio de la época. 


Esta técnica complica actualmente la limpieza de los cuadros y puede explicar la mala conservación de muchos de ellos, bastante agrietados y oscurecidos. Algunos expertos llegan a afirmar que el arte de Watteau se aprecia mejor en sus numerosos dibujos, que subsisten en mejor estado y que solía reproducir con leves variaciones en muchas pinturas.


 "Los Comediantes Italianos" ha permanecido en colecciones privadas desde el siglo XVIII y no ha sido expuesta públicamente desde 1929. En los últimos tres siglos, las opiniones sobre su atribución han fluctuado. Hasta finales del siglo XIX, el cuadro fue atribuido a Watteau. Se atribuyó posteriormente a un alumno de Watteau, Jean-Baptiste Pater y, posteriormente, a un pintor anónimo del círculo de Watteau. A pesar de que la atribución ha cambiado con el tiempo, la obra de arte siempre ha sido elogiada por su brillante composición y el poder emocional y psicológico asociado con las profundas representaciones de Watteau de los comediantes italianos.


Aunque no todos los expertos están de acuerdo sobre la atribución, todos ellos coinciden en que el lienzo está brillantemente concebido, es emocionalmente convincente, excelentemente pintado por un artista en el cénit de su carrera.


La presencia enigmática del payaso, del excéntrico, siempre acosado, solitario e incomprendido, atormentaba la imaginación de Watteau que tal vez se identificaba con él. Si se observan atentamente sus cuadros, se descubre en ellos una nostalgia, una profunda melancolía que se insinúa hasta en las escenas aparentemente más superficiales.


En París existía todo un abanico de géneros dramáticos representados por compañías especializadas: la tragedia y la comedia francesa, el teatro italiano surgido de la Comedia del Arte, el ballet y la pastoral, y, finalmente, la ópera que agrupa el teatro, la música y la danza. 

Bibliografía : https://www.aparences.net
                      http://www.theartwolf.com


miércoles, 17 de julio de 2019

La puerta del Infierno obra de Auguste Rodin

En el año 1880, Rodin recibe el encargo de realizar una puerta para el Museo de Artes Decorativas de Francia, que terminará abandonando y trabajando sobre ella someramente hasta consolidar el colosal trabajo que resulta en 1917. Nos encontramos ante la obra de mayor importancia realizada por el escultor, que servirá como hilo conductor entre los movimientos de finales del siglo XIX y los del XX



Auguste Rodin (París, 1840 - Meudon, 1917) Escultor francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura.

Auguste Rodin obra de John Sargent Museé de Rodin 

La puerta del Infierno es un grupo escultórico monumental creado por el artista francés Auguste Rodin, con la colaboración de la escultora francesa Camille Claudel,entre los años 1880 y 1917. La obra está compuesta por distintas figuras inspiradas principalmente en la Comedia de Dante Alighieri, Las flores del mal de Charles Baudelaire y por el libro Metamorfosis del poeta latino Ovidio


Del conjunto general de la obra se extraen motivos escultóricos individuales; en la puerta, los encontramos en un fondo que podríamos denominar magmático, donde se produce una solidificación de los cuerpos en el instante. El tratamiento de las superficies genera ambigüedad en las gesticulaciones de las figuras, consiguiendo así una reinvención de los efectos sensoriales mediante la impronta personal del artista durante el modelado.


El pensador, figura en el centro del tímpano, es considerado una referencia al mismo Dante y fue titulado inicialmente como El poeta. Desnudo y completamente absorto en pensamiento y que serviría para la conocida escultura que elabora posteriormente.


La influencia de Baudelaire emerge sobre todo en la sinuosidad de las poses. El portal está poblado en su mayoría por mujeres cuya desesperación se expresa en formas seductoras. Cabe mencionar que el escultor ilustró entre 1887 y 1888 la primera edición de Las flores del mal perteneciente entonces al bibliófilo Gallimard. 


Este ejemplar se sumó al acervo de Museo Rodin en 1931 enriqueciendo así la vasta colección del artista.  La mayoría de los dibujos que ilustran los poemas fueron realizados por Rodin a partir de esculturas preexistentes. Gran parte de éstas figuran en La puerta del Infierno.


Cuando en 1916 Rodin donó su obra al estado francés, se decidió instituir un museo dedicado al maestro. Para la ocasión, Léonce Bénédite, el futuro curador del recinto, dispuso que La puerta del Infierno debía de colocarse ahí. Fue entonces que, bajo la dirección de Bénédite y de acuerdo con el artista, el portal fue recompletado a partir de las observaciones presentes en el yeso de 1900 así como de los moldes creados en 1889. La versión final del conjunto escultórico terminó siendo muy similar al estado al que La puerta había llegado alrededor de 1890.





Bibliografía : https://historia-arte.com
                      http://www.musee-rodin.

lunes, 15 de julio de 2019

El Teatro de San Carlos

El Teatro de San Carlos es el teatro más importante de Nápoles y uno de los más famosos del mundo. Inaugurado el 4 de noviembre de 1737, es el más antiguo teatro de ópera activo del mundo.


Así como uno de los más extensos teatros italianos de la península. Tiene capacidad para 1386 espectadores y tiene una gran plaza (22 × 28 × 23 m), cinco filas de caballos, además de una gran etapa real, una cabaña de troncos y un escenario (34 × 33 m). Por su tamaño, estructura y antigüedad, ha sido un modelo para los teatros europeos posteriores.


El teatro, construido y diseñado por Giovanni Antonio Medrano, Coronel de brigada español destinado en Nápoles y Angelo Carasale, ex director del Teatro San Bartolomeo, está apoyado en el lado norte del palacio real con el que se comunica a través de una puerta que se abre justo detrás de la etapa real, para que el Rey pudiera ir a los espectáculos sin tener que ir por la calle.


La obra, terminada en unos ocho meses, vio la realización de un largo y 28,6 metros de ancho y 22,5 metros con 184 cajas dispuestas en seis filas, además de un cuadro real tiene capacidad para diez personas, el teatro de la corte del palacio real de Caserta, que se convertirá en el modelo para otros teatros italianos como el Teatro alla Scala de Milán.


Ha pasado por un incendio que destruyó la noche del 13 de febrero de 1816, varias restauraciones y modificaciones y hasta, una sugerencia de Giuseppe Verdi en el año 1872 fue el “golfo místico” construido para la orquesta; en 1937, por otro lado, el vestíbulo conectado con los jardines reales del palacio contiguo por una doble escalera de caracol. Destruido durante el bombardeo de Nápoles en 1943, inmediatamente después de la guerra, fue reconstruido tal como era.


Su construcción fue gracias a que Carlos III de España, rey de Nápoles y Sicilia, quiso un nuevo teatro en Nápoles. La arquitectura interior del teatro consta de cinco filas de palcos dispuestos en forma de herradura además de un gran palco real y una galería. 


Además el teatro tiene un museo histórico en el que se cuenta la historia a través de una exposición de pinturas, fotografías, instrumentos musicales, trajes y documentos de la época.


La historia invade también, a su manera, el presente. El director del teatro, Gioacchino Lanza Tomasi, es hijo adoptivo del gran Lampedusa, autor de la célebre novela El gatopardo. Se ha incorporado al proyecto lírico después de dirigir varios años el instituto de cultura italiana en Nueva York. 

Monument to Enrico Caruso

En 1920 se introdujo la costumbre de inaugurar cada temporada con un título de Wagner. Duró diez años. Causó sensación por su grandiosidad, su decoración y sus dimensiones, despertando el mismo asombro hoy en día. 









Bibliografía : https://elpais.com

jueves, 11 de julio de 2019

"La primavera" Giuseppe Arcimboldo

"La primavera" obra de pintor italiano Giuseppe Arcimboldo del año 1573 y con unas dimensiones de 76 x 63,5 cm. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre en París  _ Francia´


Giuseppe Arcimboldo,(1527-i1593), es conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos; esto es, pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado. Un proceso cercano a la anamorfosis en el contexto de las ilusiones ópticas o también, la llamada pareidolia.


A esta técnica y tópico pictóricos se les llamaron "cabezas compuestas", intrincaciones de manera antropomórfica, de carácter paródico, simbólico y bizarro, que serían particulares del pintor.


Las Estaciones es una serie de cuatro cuadros pintados por Giuseppe Arcimboldo en 1563, en 1572 y en 1573. Fueron ofrecidos a Maximiliano II Habsburgo en 1569, acompañados de los Los cuatro elementos (pintados en 1566). Se acompañaron con un poema de Giovanni Battista Fonteo (1546-1580), que explicaba el sentido alegórico.


Entre las versiones más conocidas figuran las del Museo del Louvre, copias hechas por el pintor a instancias de Maximiliano II, para hacer un regalo a Augusto de Sajonia. Estos cuadros se caracterizan por un encuadramiento floral que no existía en la primera versión. 


Además, hubo una versión de elaboración más esmerada, para Felipe II de España, de la que sólo se conserva La primavera (hoy, en la Real Academia de San Fernando de Madrid) y que contó con una serie de "Los cuatro elementos" de contraposición.


Así, los retratos alegóricos, inventivos guardan similitud con fisonomías humanas hasta entramar elementos a modo de concordancia anatómica; grotescas a un tiempo, y también curiosas.


Pintados mediante puntualidad y meticulosidad de miniatura, excepcionalmente detallistas, los semblantes fantasiosos, sobrepuestos como retratos figurados, partiendo del mundo natural, combinándolo, desarrollan paradojas y coincidencias en la evocación de un rostro. El vasto conocimiento naturalista de Arcimboldo le permitió afinar la habilidad para reproducir vegetaciones, décadas antes de que el bodegón fuera aceptado como un género más de la pintura.


El extraño y original arte de Arcimboldo, especialmente sus imágenes múltiples, fue redescubierto a principios del siglo XX por artistas surrealistas, entre ellos Salvador Dalí, como se aprecia en algunas de las obras de estos. La exposición «El efecto Arcimboldo» que se celebró en el palacio Grassi de Venecia incluyó numerosos cuadros de «doble sentido».




Para terminar, "Los Cuatro Elementos" es una serie de pinturas realizadas en 1566. Los retratos representan el perfil de rostros formados por diversos objetos o animales. La tierra está representada por animales terrestres; El aire, por pájaros; El agua, por criaturas marinas; El fuego, por cañones y maderas en llamas. Esta serie intenta expresar la armonía del caos, con animales salvajes que forman fisonomías distintas. 

El Agua 

El Fuego 

El Aire 

La Tierra