lunes, 18 de febrero de 2019

Pha That Luang _ Vientián

Pha That Luang es una estupa budista recubierta con oro situada en el centro de Vientián _Laos. Se trata de una enorme estupa dorada construida en el año 1566. Su color dorado no es pintura sino que está literalmente cubierta de oro. Es considerada el monumento más importante de Laos y un símbolo nacional.

Parque Saysettha - Pha That Luang _Vientian 

Pha That Luang es una gigantesca estupa budista de 45 metros de altura y 69 de anchura construida en forma piramidal y rodeada a su vez por 30 pequeñas estupas. 
El complejo donde se levanta el templo Pha That Luang está rodeado por un claustro de 85 metros de largo, claustro que alberga distintas estátuas de Buda y pinturas.


Un estupa es un tipo de arquitectura budista y yaina hecha para contener reliquias, que deriva probablemente de los antiguos túmulos funerarios. Se encuentra extendida por todo el sudeste asiático. 

Esculturas en Pha That Luang

El Templo Pha That Luang, cuya traducción literal significa Gran estupa dorada es un monumento construido en el año 1566, como acabo de mencionar, por mandato del Rey Setthathirat, sobre los restos de un antiguo templo hinduista del siglo III. Dicho templo hinduista fue construido por la civilización Jemer ( Khmer). 


La capital de Laos antiguamente era la ciudad de Luang Prabang (Xiengthong), tras la victoria sobre los ejércitos Birmanos, el Rey Setthathirat ordenó trasladar la capital desde Luang Prabang hasta Vientiane por razones puramente estratégicas. Al llegar a Vientiane el rey ordenó la construcción de palacios, templos y monumentos, entre ellos el templo Pha That Luang cuya finalidad era hacer sombra a la Gran Estupa de Chiang Mai. La gran estupa dorada Pha That Luang de Vientián tardó 6 años en construirse.


El orgullo de la ciudad de Vientiane y el símbolo nacional, la estupa Pha That Luang, ha sido saqueada y destruida en varias ocasiones, es más, cada vez que la ciudad de Vientian era invadida la estupa Pha That Luang siempre era el objetivo principal de los ataques y también uno de los lugares donde más se sufría el pillaje.


En el año 1828, durante la invasión del reino de Siam, el templo Pha That Luang fue prácticamente reducido a cenizas (la misma suerte corrieron otros templos de la ciudad como por ejemplo el Templo Haw Pha Kaeo) pero antes de destruir la estupa, el reino de Siam (actualmente Tailandia) se encargó de saquear todo el oro que cubría Pha That Luang, exactamente lo mismo ocurrió con la denominada estupa negra That Dam.


Asolada la zona, robado el oro y prácticamente destruida en su totalidad la ciudad de Vientiane, la estupa Pha That Luang fue abandonada. En el año 1900 los franceses decidieron restaurar la gran estupa dorada basándonse en los dibujos y diseños del arquitecto frances Louis Delaporte, los trabajos no tuvieron éxito y tuvo que reconstruirse y rediseñarse por segunda vez en el año 1930.


Todo el recinto el exterior de Pha That Luang está conformado por unos jardines, templos / Wat, monumentos, estátuas y un palacio. La zona exterior del recinto es de acceso libre y gratuito. El palacio Wat Thatluang Neua tiene una impresionante fachada, pero en su interior apenas hay nada destacado. Lo más llamativo son los pequeños templos en los alrededores de Pha That Luang.


La arquitectura del edificio tiene muchas referencias a la cultura e identidad de Laos, y por tanto se ha convertido en un símbolo del país. La estupa actual tiene tres niveles, cada uno de los cuales transmite parte de la doctrina budista. El primer nivel mide 67 por 68 metros, el segundo mide 47 por 47 metros, y el tercero 29 por 29 metros. Pha That Luang tiene una altura total de 44 metros.







Bibliografía : http://www.vietnamitasenmadrid.com

jueves, 14 de febrero de 2019

"Encuentro en la torre" obra de Sir Frederic William Burton

Hellelil y Hildebrand en la "Encuentro en la torre" obra de Sir Frederic William Burton del año 1864 y con unas dimensiones de 95.5 x 60.8 cm. Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Irlanda en Dublín.



El cuadro esta realizado en acuarela y gouache sobre papel representa con una extraña intensidad y gusto prerrafaelita (Burton fue un admirador del movimiento y amigo de Burne-Jones y Millais) una escena de una vieja balada medieval danesa, una historia triste de amor imposible y trágico. La joven Hellelil, hija de un poderoso noble se enamora de uno de sus doce guardias personales, Hildebrand, príncipe de Inglaterra, lo que por lo visto en esa época no era pedigrí suficiente pues el padre de ella se opone radicalmente al romance con el guardaespaldas.


Frederic William Burton (1816 -1900) fue uno de los pintores y miniaturistas irlandeses más destacados de la Época victoriana. Dedicó su obra principalmente a la acuarela y fue influenciado en gran medida por el prerrafaelismo. En el año 1874 Burton fue nombrado tercer director de la National Gallery en Londres, cargo que ocupó durante dos décadas.


Siguiendo la historia del cuadro, el padre de Hellelil, ordena a sus siete hijos varones matar al caballero. Éste, crecido en la dificultad, mata en duelo al padre y a seis de los hermanos de Hellelil, perdonando la vida al más joven, por intercesión de la chica. No obstante, Hildebrand muere a causa de las heridas recibidas y poco después lo hace, de pena, Hellelil. Un completo desastre.


Burton, que accedió al poema a través de una traducción hecha por su amigo Whitley Stokes, el gran especialista en estudios celtas, no escogió para plasmar la leyenda sus obvios momentos dramáticos sino que imaginó una escena íntima en el espacio cerrado y estrecho de las escaleras de la torre de un castillo.


Ahí los amantes se despiden por última vez de una manera tan conmovedora que encoge el corazón. No se miran. Ella gira la cabeza compungida y él, envuelto en cota de malla, espada al cinto, se aferra a su mano mientras, con los ojos cerrados, deposita un beso en el cálido interior de su antebrazo, que ya es zona.

 "El rostro del caballero", dijo al respecto George Eliot (cuyo retrato hizo el propio Burton) es el de un hombre para el que el beso es un sacramento". Hermosas cosas eminentes, apostillaría Yeats. 


Frederic William Burton fue uno de los fundadores de la Sociedad Arqueológica Irlandesa y apoyó las exploraciones egiptológicas. Cuando lo nombraron director de la National Gallery de Londres (cargo que ocupó durante veinte años, durante los cuales no pintó) adquirió para la entidad, además de numerosas obras maestras.


Denominada la pintura favorita del pueblo irlandés en 2010, la obra maestra de Frederic William Burton, uno de los pintores más influyentes del prerrafaelismo en Europa (el cual rechazaba las técnicas académicas inglesas) retrata un momento definitivo que puede destrozar a cualquier amante llevándolo hacia la muerte: la última despedida del ser que anhela con todo su corazón. Llamada "El encuentro en la torre", presenta el último adiós entre dos amantes, pero no de una manera tradicional, la pintura es tan dulce en presentación que es imposible sentir un salto al corazón al mirar la desesperación que viven sus personajes.







Bibliografía : https://elpais.com/ cultural

lunes, 11 de febrero de 2019

El Teatro Nacional Iván Vazov de Sofía _ Bulgaria


El Teatro Nacional Iván Vazov de Sofía es uno de los principales centros culturales de la capital de Bulgaria. El nombre del teatro es un homenaje al poeta, novelista y dramaturgo búlgaro Iván Vazov, considerado como uno de los mejores escritores en lengua búlgara.


Modelo del arte neoclásico, este singular edificio presenta una columnata cuyos capiteles soportan un friso con motivos mitológicos. Es el más antiguo e importante teatro del país y una de las instituciones principales de Sofía. Está situado en el centro de la ciudad con la fachada principal orientada a los jardines de la ciudad.


Diseñado por los arquitectos vieneses Hermann Helmer y Ferdinand Fellner,​ siendo finalizado en 1906 e inaugurado el 3 de enero de 1907. Los dos arquitectos estaban especializado en la construcción de teatros, llegando a construir hasta 48 en toda Europa. En esta época hubo un boom en la construcción de teatros, ya que todas las ciudades deseaban tener un escenario propio. Además, las nuevas medidas de seguridad, más estrictas en lo referente a la protección contra incendios, hacían que las reformas fuesen también necesarias.


La diosa Nike doblemente presente en las esculturas que rematan los laterales y las dos torres que coronan el edificio son algunos de los rasgos distintivos del Teatro Nacional Iván Vazov, una de las joyas del arte búlgaro.


En la mitología griega, Nike es la diosa de la victoria. Se la representaba a menudo como una pequeña escultura alada en la mano de otro dios más importante, como Zeus o Atenea, su aliada. Presidía las competiciones atléticas y las disputas militares.



Su estilo arquitectónico introdujo una nueva época en la arquitectura del siglo XX. A través de su estilo se abrieron nuevos caminos en la construcción de edificios, con un redescubrimiento del barroco y con la llegada al Jugendstil o modernismo en las últimas construcciones que realizaron. En este estilo construyeron no sólo teatros, sino también, palacios y hoteles.


La posición casi monopolística de estos arquitectos en el Imperio austrohúngaro, se debía a la alta calidad de sus trabajos unida a reducidos costes, y a una rápida ejecución de las obras, así como a una gran seguridad y profesionalidad en las mismas.


En 1925 se estableció una escuela de teatro como parte del Teatro Nacional. Durante el bombardeo de Sofía en la Segunda Guerra Mundial el edificio sufrió grandes daños siendo reconstruido en 1945. En 2006 el edificio sufrió un proceso de restauración. El teatro tiene un aforo de 750 butacas en el patio, una planta con 120 y 70 más en la cuarta planta.






jueves, 7 de febrero de 2019

"The Loge", obra de Mary Cassatt

"The Loge", obra de Mary Cassatt (1878-1880), fue realizada en el año 1866, con unas dimensiones de 134.4 x 97.6 cm. Actualmente se encuentra en National Gallery of Art, Washington DC _ Estados Unidos.


En 1869 Paris abrió el teatro a las mujeres en una función dominical a la hora de la matinée, con lo que se les permitió -manteniendo su honor a resguardo- compartir con los hombres un lugar público que era de dominio masculino, introduciéndose en este ámbito y en cierta medida usurpando la prerrogativa de los hombres a mirar a las mujeres en público.

Mary Cassatt vivía en París cuando se permitió el ingreso de las mujeres en el teatro, casi diez años después se atrevió a hacer su primera obra relativa al tema. En la época en que comenzó a pintar estos espacios públicos femeninos, conocía la obra de Degas y al igual que éste utilizó el espacio del teatro como ejercicio para trabajar los distintos ángulos de visión, la profundidad, las escalas, etc.


El óleo fue el medio elegido por Cassatt para representar a estas modelos, conocidas y estimadas por la artista: Mary Ellison que había retratado en 1880 y la joven hija de Stéphane Mallarmé. Sus ojos no miran al espectador y una de ellas cubre su rostro con un abanico, evocando la taza que oculta el rostro. 


En la composición hay un interesante juego de líneas verticales dada por la posición de las figuras, con la curvatura de los balcones que se estabilizan a la altura de sus cabezas y que a la vez se equilibran con la curvatura del abanico abierto, cuyo efecto se amplifica al considerar la existencia de este espejo que refleja los balcones y que lleva al espectador a cuestionarse la imagen que se le presenta. En cuanto al carácter de las modelos, Mary Cassatt es capaz de reflejar la tensión, la rigidez y la emoción contenida de estas jóvenes que probablemente asistían por primera vez a la ópera, lo que le permite a su vez explorar uno de sus temas favoritos: la intimidad entre mujeres.


Cassatt utiliza en esta obra una paleta clara y contrastante, el blanco para los vestidos, sus accesorios y la lámpara, el blanco y amarillo en los balcones y tonalidades oscuras para insinuar profundidades y vacíos. 


Mary Cassatt, la pintora estadounidense que vivió 60 años en Francia como una mujer soltera, sin descendencia y plenamente independiente, y los temas que solía escoger para sus cuadros, delicadas odas al amor materno-filial que, desde el punto de vista actual, pueden parecer excesivamente remilgadas e incluso algo conservadoras. 


Hija de un banquero que se enriqueció con el comercio de algodón, Cassatt creció en una familia de origen francés, que idolatraba la patria de sus ancestros. Por eso, tras estudiar en la Academia de Bellas Artes de Filadelfia, se marchó a París. Dejó de lado los temas habituales del movimiento y optó por reflejar la vida cotidiana de las mujeres corrientes a finales del siglo XIX. 


Bibliografía: https://perspectivadegeneroderechosfundamentalesycomunicacion.