jueves, 19 de diciembre de 2019

"Los cazadores en la nieve" obra de Pieter Brueghel

"Los cazadores en la nieve", obra de Pieter Brueghel el Viejo del año 1565 y con unas dimensiones de 117 x 162 cm. Actualmente se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena _ Austria.


Fundador de una importante familia de pintores, Pieter Bruegel “el Viejo” es uno de los primeros maestros de la pintura flamenca, un talento a menudo comparado con el de El Bosco, aunque la paranoia moralizante de éste último se ve sustituida por una irónica crítica social y un no disimulado amor por la vida campesina.


Al igual que Patinir, no es un paisajista puro, en el sentido que sus paisajes siempre son un fondo para desarrollar una obra de temática popular o religiosa. Sus paisajes más importantes son los que aparecen en una serie de seis pinturas que representan diferentes épocas del año, de la cual “Los cazadores en la nieve” es la obra más conocida.


Esta pintura es uno de los primeros paisajes invernales de la historia de la pintura occidental. La obra capta el momento en el que tres cazadores, acompañados por sus perros, regresan a su pueblo tras una expedición de caza. Bruegel ha situado al observador en una posición muy cercana a la de los agotados cazadores, cuya visión del paisaje sería muy similar a la nuestra.


La composición es un complejo juego de líneas diagonales y horizontales. En primer plano predominan las líneas diagonales, destacando la diagonal principal, marcada por la base de los árboles y las figuras de los expedicionarios, que continúa hasta el fondo de la composición.


El contrapunto lo pone otra diagonal casi perpendicular a ésta, que parte de la esquina inferior derecha hasta las casas del extremo izquierdo de la pintura. Sin embargo, en el fondo de la pintura destacan las líneas horizontales de los canales helados, otorgándole al paisaje una gélida placidez.


El blanco de la nieve domina la escena, sobre el cual las oscuras figuras destacan sobremanera, sensación incrementada por la ausencia total de sombras. “Los cazadores en la nieve” es una obra maestra absoluta que influiría en pintores posteriores como Hendrick Avercamp.


A diferencia de los pintores del Renacimiento, Brueghel no representó el desnudo y se interesó poco por el retrato. Sus personajes están bien alejados de la glorificación de los cuerpos bien proporcionados. En sus cuadros dominados por la vida popular, el pintor muestra los campesinos tal como son, en sus actividades y su ocio. Por vez primera en la historia de la pintura, la clase campesina se humaniza dentro de una visión objetiva. Las cabezas se alinean y se aprecia que el artista es sensible a las emociones y las debilidades.





Bibliografía : http://www.theartwolf.com/

miércoles, 18 de diciembre de 2019

Louis Sussmann-Hellborn

Louis Sussmann-Hellborn(1828 -1908) escultor, pintor y coleccionista de arte de Berlín _ Alemania. Su formación como escultor fue en la Academia de Artes de Berlín. En su primera etapa como escultor viajó mucho para perfeccionar su formación y aprendizaje; en concreto a Francia, Bélgica e Inglaterra. También vivió en Roma desde 1852 hasta 1856. La primera gran exposición de sus obras se organizó en Berlín en 1856. 


"La bella durmiente" es una de las obras más importante de su carrera como escultor. Una imagen pacífica y dulce de la Bella Durmiente, rodeada de delicadas ramas de rosas, permanece en la ostentosa silla de mármol donde el escultor alemán Louis-Sussmann Hellborn la ha colocado, hace más de cien años. A sus pies, se destaca el huso de metal, recordándonos lo que la llevó a este terrible destino.


El nombre de Hellborn parece estar perdido en la historia, pero en 1878, cuando creó esta maravillosa obra, en realidad era un artista reconocido y una figura prominente en Berlín, con suficiente dinero para patrocinar las artes (fue uno de los fundadores del Museo Real de Artes Decorativas) y crea grandes esculturas de mármol como esta.


Mientras Bella dormía, Alemania se despertaba de un acto revolucionario reciente, la unificación alemana después de la Guerra Franco-Prusiana entre los años 1870 a 1871. Los símbolos nacionalistas eran más que bienvenidos y la Bella Durmiente, inmortalizada por las manos de los hermanos alemanes Grimm, era una imagen ideal. La verdad es que los autores de cuentos de hadas lo adaptaron de una historia del escritor francés Charles Perrault, quien también recopiló su historia de otro autor, el italiano Giambattista Basile.



Este memorable cuento de hadas proviene de numerosos cuentos populares, ninguno de ellos alemán, pero la Bella Durmiente sigue siendo el personaje principal de una historia germánica clásica, durmiendo junto a las escaleras de la Galería Nacional de Berlin.


Frente a otras piedras en escultura, el mármol presenta como cualidad destacada una superficie traslúcida en un grado tal que la asemeja en cierta forma al aspecto de la piel humana, dando a las esculturas de mármol una profundidad visual bajo su superficie que permite un notable “realismo” o verosimilitud en las representaciones de figuras humanas.


Otras grandes ventajas son, la mayor finura de la granulometría del mármol y la relativa facilidad en su talla, que permite detalles mínimos (como representar cabellos) y pulimento (hasta las texturas más finas). A medida que transcurre el tiempo, las esculturas en mármol se hacen más sólidas y durables.


Fue uno de los fundadores del Museo Real de Artes Decorativas y también participó en la construcción de una colección de esculturas en el Museo Real de Berlín. De 1882 a 1887, Sussmann-Hellborn fue jefe de la Real Fábrica de Porcelana (KPM) en Berlín. Otto Lessing (1846–1912) y él eran en ese momento los únicos escultores de la Asociación de Arquitectos de Berlín, lo que probablemente tuvo que ver con su trabajo como excelente escultor.






lunes, 16 de diciembre de 2019

La Logia Triangular de Rushton

En los límites del poblado de Rushton Hall _ Reino Unido, en pleno corazón del condado de Northamptonshire se halla un misterioso edificio de piedra, La Logia Triangular. Tres pisos elevados e iluminados por tres ventanas, una a cada lado de cada piso; el edificio forma un perfecto triángulo equilátero (En geometría, un triángulo equilátero, es un polígono regular, es decir, de tres lados iguales y miden 60°).


Cada cara tiene tres hastiales (parte superior del edificio en que descansan las dos vertientes de un tejado) que se levantan hasta tres pináculos construidos desde tres piedras triangulares, y el techo está coronado con una chimenea de tres lados: así que el edificio completo está basado en el número tres.


La logia triangular fue la idea de Sir Thomas Tresham, un católico converso en época de la Reina Elizabeth I. Nació en una familia de terratenientes de Northamptonshire a mediados del siglo XVI y solo tenía quince años cuando en 1559 sucedió a su abuelo en el control de  da la familia.



Construida entre los años 1593 a 1595 permanece como un testimonio de la adhesión obstinada de Tresham a la fe católica y el empleo repetido del número tres enfatiza su devoción a la Trinidad.

Cada cara de la logia mide exactamente treinta y tres pies de largo y justo debajo de los hastiales, un friso lleva una inscripción que consiste de treinta y tres letras.


La entrada a la logia por el sudeste se relaciona al Antiguo Testamento y lleva esta apropiada inscripción: APERIATUR TERRA ET GERMINET SALVATOREM (Permite que se abra la tierra y alumbre un Salvador), Isaias XLV, v8.

Sobre la puerta hay un extraño código 5555 que parecería aludir al cálculo de Bede con la fecha de la Creación, 3692 AC: si a esto se agrega la fecha de inicio de la obra de la logia, 1593, arroja 5555.


Las ventanas contienen triángulos, cruces y tréboles y alrededor del edificio son números, inscripciones y esculturas que representan temas bíblicos, la Biblia los versículos y las familias de Tresham y su esposa, Meriel Throckmorton.

Muchos de los códigos en la Logia Triangular han sido descifrados (algunos tienen más de un significado), pero algunos siguen siendo un misterio y sólo hay especulaciones.


Dentro del edificio hay tres salas hexagonales, cada una con tres habitaciones triangulares. El edificio está gestionado por Patrimonio Inglés y está abierto de abril a octubre. Hay un pequeño descanso enfrente de la casa de campo donde los visitantes pueden estacionar. Miembros del Patrimonio Inglés no tiene que abonar el derecho de entrada. Hay una pequeña tienda en los jardines, pero hay otras instalaciones.


En la alquimia medieval simbolizaba la muerte o inicio de la operación denominada “nigredo”. El alquimista contemporáneo Edgard Nelly (1555-1599) escribió: “El comienzo de la operación es el cuervo negro, con el cual todas las cosas que deben crecer y recibir vida, antes deben putrefactarse”. La referencia aquí es a una muerte espiritual o del ser anterior y al acompañarlo con el símbolo del sacrificio como es el pelícano se tiene un eco de eso.





Bibliografía:  http://masonerialaimprentadebenjamin.blogspot.com

jueves, 12 de diciembre de 2019

"The Problem We All Live With" obra Norman Rockwell

"The Problem We All Live With" "El problema con el que todos vivimos" obra Norman Rockwell, fue realizada en el año 1964 y con unas dimensiones de 91 x 150 cm. Se encuentra en Norman Rockwell Museum, Stockbridge, Massachusetts (Estados Unidos).


Ruby fue la primera niña negra en ingresar en una escuela pública reservada para blancos.
Norman Rockwell hizo esta ilustración para la revista Look del año 1964. Viendo como estaba la situación de su país, decidió dejar de lado su visión amable, cómica y tierna de las cosas y usar sus pinceles como armas.


Norman Percevel Rockwell (1894–1978) ilustrador, fotógrafo y pintor estadounidense, es a mediados los 60 y a principios de los 70, cuando recuperó su punto mordaz y crítico con la sociedad: los cambios políticos que entonces sufrió Norteamérica, entre ellos los de la integración de los negros, la lacra del racismo y la investidura del presidente Kennedy, fueron tomados e interpretados por Rockwell, quien siempre abogó por la multiculturalidad. 


Los Estados Unidos en los 60 estaban al borde de la revolución. El cuadro narra un hecho real: la niña Ruby Bridges, entrando en el colegio en su primer día de escolarización. El hecho de que esté flanqueada por cuatro oficiales es porque la gente le tira cosas y la abuchea, probablemente usando la palabra "nigger" que está escrita en el muro.


La integración y sobre todo, la defensa del débil y el apoyo a las minorías perseguidas e insultadas: de este período destacan obras impactantes como "El problema con el que convivimos todos", donde representa con delicada intensidad a una niña negra que tiene que ir escoltada a la escuela, víctima de los insultos y agresiones de otros ciudadanos; o el magnífico lienzo "La regla de oro", de 1961, donde queda patente su pasión por la defensa de los derechos humanos, su religiosidad y su respeto a todas las razas.


Ruby fue la primera niña negra en ingresar en una escuela pública reservada para blancos y pese a los insultos y las amenazas camina con la cabeza erguida y la mirada al frente. Muy dignamente con su ropa blanca inmaculada (inocencia) y sus cosas del colegio (sabiduría), convirtiéndose en el centro de la composición.


Por la formación clásica de Rockwell, éste sabía perfectamente la importancia de la perspectiva áurea y donde colocar el número Φ (Fi), que está justo sobre la protagonista y no en el centro justo. Un poco desplazada a la izquierda, Ruby está a la vanguardia, demostrando su valentía y determinación frente a la injusticia. Además todos caminan hacia la izquierda (y en occidente, que leemos de izquierda a derecha, eso es ir a la inversa), en el sentido es de oposición y resistencia.


Por supuesto, esta obra magna de Rockwell no fue apreciada por la snob élite cultural de la época. Rockwell era muy popular y no muy críptico, demasiado realista y figurativo, cristalino en el qué y el cómo, por lo que nunca llegó a sentirse integrado en el mundo del Gran Arte.


Han pasado cincuenta  y cinco años desde que Norman Rockwell la inmortalizó en un lienzo. Una vez más el artista plasmó con su acostumbrada carga de realidad lo que acontecía en la sociedad norteamericana de la época.


Bridges recuerda que de todos los ataques que recibió, el que más la asustó fue el de una mujer que se presentó en la escuela con un ataúd: el ataúd llevaba una muñeca negra.

En la actualidad Bridges es madre de cuatro hijos y vive en Nueva Orleans. La que fuera una “niña problema”, hoy es una mujer que busca soluciones. Ruby Bridges Foundation trabaja para promover la igualdad y la justicia social, centrando sus esfuerzos en el desarrollo de la comunidad y en la mejoría de las escuelas locales y nacionales.






Bibliografía : https://historia-arte.com
                     https://www.yorokobu.es

miércoles, 11 de diciembre de 2019

Jun Leng

Se dice que la cámara cambió para siempre la necesidad de los pintores de captar imágenes de forma realista, pero cuando vemos el trabajo artístico del pintor chino, Jun Leng, nos dimos cuenta de que el hombre también puede imitar la naturaleza más allá de lo que la vista puede ver. Sólo basta con mirar estas fotografías para imaginar la destreza del tacto y la increíble habilidad que debe tener este artista para producir un resultado así.


Jun, nació en Sichuan, China, en 1963, y es un es un moderno maestro en la técnica del sombreado, y es evidente la razón ya que puede pasar de la oscuridad a la luz por medio de su pincel.


Observar los retratos del artista chino Leng Jun es observar fotografías de contornos e iluminación suaves que parecen capturas oníricas a juzgar por el increíble nivel de detalles que hay en los cabellos, los rostros y las texturas de las ropas que pueden olerse, pueden tocarse.


¿Dónde reside el mérito de un pintor para que logre capturar en un lienzo algo con absoluta veracidad? Nosotros creemos que está en el talento innato pero, también, en la manera de percibir el color, la luz, los volúmenes y los matices.


Y es que pocos son los pintores privilegiados que saben trabajar con el óleo de la manera que lo hace Leng Jun; si no fuera por la modernidad que destilan sus retratos de mujeres de hoy, podría ser perfectamente de la escuela de Miguel Ángel o Caravaggio.


Interesado en la pintura desde una edad temprana, experimentó con pintura al óleo mientras realizaba sus estudios de secundaria; aunque en ese momento no había pinturas al óleo disponibles en China, un amigo le dio algunos colores para que empezara a practicar con ellos.


Estos primeros experimentos calaron hondo en su manera de crear, por lo que continuó sus estudios con un flujo constante de información de Occidente que lo ayudó a moldearlo como persona y a moldearlo como pintor.


Leng explica como influyó la occidentalización en su proceso creativo, “Las personas como yo que nacimos en la década de 1960, fuimos adolescentes en el momento en el que formamos nuestra visión del mundo; esa fue una gran oportunidad ya que, si miramos hacia atrás, la reforma y la apertura de miras salvaron el alma de nuestra generación".


“En ese momento, la información proveniente de Occidente contribuyó enormemente a la iluminación de nuestra gente y sentó una base muy sólida para mis creaciones posteriores".


Aunque ya era muy respetado como artista, fue su pintura al óleo de 2004 titulada "Mona Lisa" la que hizo que su trabajo fuera reconocido a nivel mundial.

Este retrato fotorrealista de una mujer, se basó en los principios de la pintura icónica de Leonardo da Vinci, pero representa a una mujer moderna; esta obra abrió las puertas de una serie de retratos fotorrealistas de mujeres, cada uno mejor que el anterior.




Nosotros hemos quedado realmente impresionados por la verdad que hay en su técnica y la verdad que hay en lo que cuenta, el artista que pinta los retratos más realistas del mundo.






Bibliografía : https://culturainquieta.com/
                     https://www.todo-mail.com/

lunes, 9 de diciembre de 2019

Cocina Valenciana del siglo XVlll


Esta cocina valenciana perteneció a una casa-palacio de Valencia de finales del siglo XVIII y fue elaborada en alguna de las fábricas de azulejos de la ciudad. Está instalada en la ultima planta del Museo Nacional de Artes decorativos de Madrid _ España.

Además de su valor estético, los paramentos de azulejos como éste, que cubrían las cocinas de algunos palacios, se han convertido en una valiosa fuente para conocer la moda, usos y costumbres de las clases acomodadas levantinas.


La cocina, que perteneció a una casa palacio de Valencia de finales del siglo XVlll situasa en la calle del Mar n 1, fue realizada en alguna de las fábricas de azulejos de la ciudad. Derribada tras la Guerra Civil, fue adquirida en 1941 por el Estado e instalada en el Museo.


Las 1604 piezas de azulejos se trajeron al museo y hoy en día podemos ver su distribución fiel a la primitiva representación. En el paramento de azulejos ubicado en el lateral izquierdo según se accede al conjunto. En ella se puede ver a la señora de la casa acompañada de su perro supervisando el refresco que han preparado dos mujeres que aparecen en el extremo derecho del panel. 


El conjunto se cierra con un paramento que muestra en sus azulejos una escena narrativa vinculada al ya descrito servicio de refresco. En el siglo XVlll los alfares valencianos fabricaron azulejos, placas y panales con decoraciones seriadas de temas religiosos, domésticos, animales reales, marinos, domésticos, de oficios y animentos.


En el siglo XlX se añadieron escenas de costumbres, de tipos populares con trajes típicos, y representaciones evocadoras de temas reales y literarios como figuras alegóricas de personajes caracterizados según la moda de épocas pasadas. 


Los principales centros de producción azulejara en España fueron Cataluña, Valencia, Sevilla, Talavera y Teruel. Su éxito y difusión radicaba en su función arquitectónica y aislante. Sus variados repertorios pictóricos que facilitan un amplio mercado, usándose para pavimentos, zócalos, pasos de escalera, balcones, cocinas, retablos, o vía crucis privados o callejeros.  



Todas estas escenas decorativas descritas se completan en los cuatro paramentos con otros motivos en trampantojo: colgados de clavos y ganchos aparecen todo tipo objetos (cazos, sartenes, calderos, cucharas, almireces, aceiteras, anafres, parrillas, trébedes, etc) y alimentos como aves (gallos, pavos, patos, perdices, codornices y becadas), mamíferos (conejos y corderos, vivos y muertos), pescados (frescos y en salazón), frutas, hortalizas y embutidos (jamones morcones, salchichones, butifarras, etc).


Por último, es preciso remarcar que este conjunto decorativo se completa con añadidos que pretenden recrear el aspecto original de la cocina tales como una boca de pozo, un fogón y una encimera y una campana de extracción.


En definitiva, un amplio repertorio decorativo plasmado sobre cuatro paneles de azulejos de un palacio valenciano del siglo XVIII gracias al cual podemos conocer “de primera mano” qué es lo que sucedía dentro de estancias como ésta.




Bibliografía : www.culturaydeporte.gob.es