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Grupo Surrealista en su apogeo en 1925, de izquierda a derecha (arriba): Paul Éluard, Hans Arp, Yves Tanguy, André Breton. Y de izquierda a derecha (abajo): René Crevel, Tristan Tzara, Salvador Dalí, Max Ernst, René Crevel y Man Ray.
El surrealismo fue un movimiento artístico y literario que utilizó la fantasía, los mitos y las imágenes oníricas para crear arte. El movimiento surrealista comenzó en Europa en la década de 1920 como reacción a las atrocidades de la Primera Guerra Mundial y a los valores culturales y políticos de la época.
Las características de las obras de arte surrealistas incluyen: El uso del elemento de la fantasía, una atmósfera metafísica e imágenes oníricas que representan entornos y paisajes misteriosos, entre otros. Las técnicas surrealistas incluyen: Collage, garabatos, frottage, y más.
Entre los artistas visuales más importantes del movimiento surrealista se encuentran André Breton, Salvador Dalí y René Magritte. Entre las obras de arte surrealistas más importantes se encuentran: «La persistencia de la memoria» de Salvador Dalí, «La batalla de los peces» de André Masson y «Le Dejeuner en Fourrure» de Meret Oppenheim.
Ser surrealista significa excluir de tu mente todo recuerdo de lo que has visto, y estar siempre a la búsqueda de lo que nunca ha sido. André Breton fundó y dirigió el movimiento surrealista, que atrajo a numerosos jóvenes escritores y artistas franceses deseosos de explorar el potencial creativo de la mente inconsciente. Breton y los artistas surrealistas utilizaron diversos medios y fueron pioneros en el uso de la asociación fortuita entre texto e imagen.
Salvador Dalí inventó el Método Crítico Paranoico, mediante el cual inducía un estado mental de alucinaciones sin el uso de productos químicos, que le permitía escapar de la realidad y experimentar visiones que luego plasmaba en el arte.
Los surrealistas experimentaron con diversos medios, como la escritura, la pintura, las técnicas experimentales, los objetos y las esculturas, la fotografía y el cine. Sin embargo, la imaginería de los cuadros surrealistas es posiblemente el elemento más distintivo del movimiento. Las obras surrealistas poseen un elemento de sorpresa con yuxtaposiciones inesperadas y extrañas, y temas absurdos. Los surrealistas se interesaban por la interpretación de los sueños y los consideraban expresiones de emociones y deseos reprimidos. Cada artista utilizó temas y motivos recurrentes de los sueños y la mente inconsciente.
Christophe Charbonnel nació en Nantes en el año 1967 y lleva 17 años dedicándose a la escultura. En 2002 abandonó su empleo como dibujante en los estudios Walt Disney en Montreuil para mudarse con su familia a los Yvelines. Desde entonces, se ha dedicado a tiempo completo a su práctica escultórica.
Pronto se percató de que formaba parte de una tradición de escultores cuya técnica, adquirida en 1995 en la Escuela Duperré bajo la tutela de Philippe Seené, se basaba en trabajar con perfiles. Sus obras han sido adquiridas por numerosas colecciones públicas y privadas, y su presencia en exposiciones ha ido en aumento.
Charbonnel ha expandido su repertorio hacia esculturas monumentales, ya sea en tamaño, como en el caso del "Coloso" y el "Guerrero", o en cantidad, como en el "Grupo de Guerreros". Además, ha captado el interés del sector público, obteniendo comisiones para la creación de fuentes y figuras religiosas, como el Cristo.
Aunque el sector público ha mostrado interés en su trabajo, son las empresas las que se han convertido en sus principales clientes, especialmente debido a su enfoque en obras monumentales y espectaculares. Las adquisiciones realizadas por palacios tanto extranjeros como franceses, como el Ritz en París y el Four Seasons en Cannes, han contribuido significativamente a la creciente demanda de las obras de Christophe Charbonnel.
Christophe puede ser clasificado como un escultor figurativo, ya que en todas sus obras practica la mímesis, utilizando el bronce como su material principal y empleando texturas y rugosidades como recursos comunes.
En las obras de arte figurativas se reconoce por su apariencia externa el modelo representado. El artista puede tener el modelo delante, lo que le permite comprobar su aspecto a medida que va realizando su tarea, o bien lo tiene en su memoria. Puede realizar parte de su tarea frente al modelo (apunte "del natural") y luego terminarla en su taller (la mayor parte del trabajo de pintores y escultores); o realizarla toda en el entorno donde se encuentra su modelo, o donde va a permanecer la obra sobre la que se trabaja
La palabra "mímesis" proviene del griego y se refiere a la imitación o representación de la realidad en el arte. En el contexto artístico y literario, la mímesis implica la reproducción de la naturaleza y la vida real en una obra, buscando capturar la esencia y la apariencia de la realidad. En la escultura, como se menciona en el texto corregido, un escultor que practica la mímesis se enfocaría en crear representaciones figurativas y realistas de objetos, personas o situaciones
Autorretrato en estudio de Karl Laresson (1853-1919) de año 1912 y con unas dimensiones de75x 54,3 cm. Actualmente se encuentra en el museo de Malmö Konsthall en Suecia.
Carl Larsson fue uno de los artistas más queridos y conocidos de Suecia, recordado y admirado por las alegres acuarelas que representan la vida de su familia.
Reconocido por sus brillantes acuarelas de la vida familiar, Carl representó el movimiento Arts and Crafts que dio forma a Europa a finales del siglo XIX.
A pesar de un comienzo tumultuoso, Larsson pudo pintar como un medio de escape, inscribiéndose en la Real Academia Sueca de las Artes desde los trece años y eventualmente trabajando como ilustrador desde los dieciocho años, proporcionando al artista una forma de empleo para los próximos veinte años.
Después de la escuela de arte, Larsson pasó muchos años como ilustrador de revistas y libros hasta que embarcó a una serie de viajes a París, donde continuó pintando dentro de la tradición académica.
En ese tiempo, Larsson experimentó una serie de rechazos del establecimiento artístico parisino, incluida la negativa del jurado del Salón de París a mostrar su gran obra, donde no tuvo gran éxito. Larsson, frustrado pero aún decidido, cortó la obra en pedazos, los distribuyó entre sus amigos, y se mudó 40 millas al sur de París al pueblo de Grez-sur-Loing.
Grez resultó ser un punto de inflexión crucial para Larsson, ya que la colonia de artistas defendía el realismo al aire libre entre los artistas internacionales que estudiaban en Francia.
Si bien estas obras representan una vida familiar feliz, Larsson luchó en la misma época en una amarga campaña para que las autoridades artísticas aceptaran su controvertido mural Midvinterblot (Sacrificio de pleno invierno), con el que el artista buscaba completar su esquema decorativo en el Museo Nacional de Estocolmo.
Larsson tuvo la suerte de encontrar a dos mujeres en su vida, su madre y su esposa, que fueron un raro ejemplo para él de lo fuertes que pueden ser las mujeres.Esto, a su vez, le dio fuerza a Larsson como pintor y alimentó su mente creativa.
Algunas de las pinturas e ilustraciones de Larsson establecieron una tendencia para que numerosas parejas suecas se embarcaran en el viaje artístico. Incluso hoy día, sus magníficas ilustraciones se citan a menudo cuando se trata del diseño de interiores de galerías, museos e incluso casas.
El encanto y el poder de la inventiva de Larsson son simplemente maravillosos. Carl forjó una exitosa carrera como artista e ilustrador, proporcionando una existencia cómoda para su familia. Sus obras fueron aceptadas en el Salón de París y también completó varios grandes frescos, sobre todo para el vestíbulo de la Ópera de Estocolmo.
La fotografía de La Gran Esfinge de Guiza en el año 1861, se encuentra en la ribera occidental del río Nilo, en la meseta de Guiza, aproximadamente a veinte kilómetros al suroeste del centro de El Cairo,_ Egipto. Tiene una altura de unos 20 metros y una longitud de 73 metros. La cabeza posiblemente representa al faraón Kefrén, mientras que el cuerpo tiene la forma de un león.
En épocas antiguas, la Esfinge estaba pintada con colores vivos: el cuerpo y la cara eran de color rojo, el nemes que cubría la cabeza tenía rayas amarillas y azules. Fue asociada con el dios extranjero Horum y con el dios egipcio Horus, conocido como "Horus en el horizonte". En árabe, se le llamó Abu el-Hol, que significa "Padre del Terror".
Los dibujos de la Esfinge realizados por Frederic Louis Norden en 1737 muestran la ausencia de la nariz. A lo largo del tiempo, se han propuesto diversas explicaciones sobre la pérdida de la nariz. Una historia errónea la atribuye a las balas de cañón disparadas por el ejército de Napoleón Bonaparte. Sin embargo, esta versión fue desmentida al encontrarse dibujos de la Esfinge anteriores al nacimiento de Napoleón, donde ya aparece sin nariz.
Otros relatos sugieren que la destrucción de la nariz fue obra de los mamelucos o resultado de ataques iconoclastas desde el siglo X, refiriéndose al rechazo de imágenes religiosas como pinturas, iconos o estatuas.
Además de la nariz perdida, a la Esfinge se le añadió una barba faraónica ceremonial después de la construcción original, durante el Imperio Nuevo, cuando se reactivó el culto en la necrópolis y la estatua fue despejada de arena. El egiptólogo Vassil Dobrev sugiere que si la barba hubiera sido parte original de la Esfinge, habría causado daño a la barbilla de la estatua al caer, y la falta de daños visibles respalda la idea de que la barba fue un añadido posterior.
Una fisura natural importante en la roca madre atraviesa la cintura de la Esfinge, descubierta por Auguste Mariette en 1853. Baraize, en 1926, selló los lados y la techó con barras de hierro, piedra caliza y cemento, e instaló una trampilla de hierro en la parte superior. Aunque los lados de la fisura podrían haber sido escuadrados artificialmente, el fondo es de roca madre irregular, a 1 metro por encima del suelo exterior, y una grieta estrecha continúa a mayor profundidad.
Si bien la mayoría de las obras maestras del arquitecto Antoni Gaudí se encuentran en Cataluña, una de ellas está escondida en Comillas, un hermoso municipio y una villa de la comunidad autónoma de Cantabria_ España.
El Capricho fue construido entre 1883 y 1885 como residencia de verano para Máximo Díaz de Quijano. Es conocido por su estilo modernista, que exhibe elementos arquitectónicos característicos de Gaudí, como la combinación de formas orgánicas, colores vivos y decoraciones detalladas.
Máximo Díaz de Quijano y Fernández de San Juan (1838-1885) era abogado de profesión y aficionado a la música y la botánica. Era concuñado de Antonio López y López, marqués de Comillas. Díaz de Quijano era un músico amateur, y por esta razón pensamos que el nombre de El Capricho responde, trasladado a la arquitectura, a cómo se utiliza en la música para designar piezas que no siguen las reglas y con variaciones de ritmo según un capricho personal. Gaudí se inspiró claramente en el proyecto de Embarcador (1876) que había realizado en la Escuela, con la diferencia de que en El Capricho hay una sola torre en lugar de dos.
El salón es la pieza principal. Tiene toda la altura del edificio y ventanas de guillotina. Al practicarlas, suena una agradable música producida por campanas tubulares, cada una con un tono diferente, que funcionan como contrapesos. Todo es obra del caprichoso poeta Gaudí, como los techos y artesonados de inspiración mudéjar, las aplicaciones de cerámica o las pequeñas chimeneas.
El juego de escaleras que conducen al semisótano y la escalera de caracol que lleva a la torre están muy bien resueltos, mostrando la gran habilidad de Gaudí con los desniveles, aprendida estudiando el diccionario de arquitectura gótica de Viollet-le-Duc. En el exterior, Gaudí mezcla la piedra, el ladrillo y la cerámica vidriada, cuyo motivo es la flor y las hojas de girasol, produciendo una agradable combinación con el verde intenso del paisaje de Comillas.
El Capricho se adapta al desnivel del terreno, con un semisótano, la planta noble y un desván. Tenía forma de U, que resguardaba del viento del norte, orientado al sur, un gran invernadero donde Máximo Díaz de Quijano aclimataba las plantas que le traían de ultramar.
El invernadero era la pieza central de la casa, a la cual se adosaban el resto de las habitaciones. Una solución de patio central que da luz desde dentro a un interior de entrada intencionadamente oscura, cogida de la arquitectura árabe y mudéjar, tan valorada por Gaudí y por los arquitectos modernistas de su generación.
Las rejas de hierro forjado en el Capricho son ejemplos destacados de la habilidad de Gaudí con este material. Algunas de estas rejas contienen elementos decorativos que pueden tener significados simbólicos. Los motivos naturales, como flores y hojas, están presentes en toda la fachada del Capricho. Estos elementos pueden tener significados simbólicos relacionados con la naturaleza, la renovación y la vida.
En el exterior, Gaudí mezcla la piedra, el ladrillo y la cerámica vidriada, cuyo motivo es la flor y las hojas de girasol, produciendo una agradable combinación con el verde intenso del paisaje de Comillas. Los tejados originales, hoy desaparecidos y desfigurados, eran de cerámica vidriada.
Las chimeneas que rematan las cubiertas son también profundamente originales. El elemento más destacado de El Capricho es la torre, toda ella revestida de azulejos con el girasol, los mismos que Gaudí utilizó en la terraza de la casa Vicens. Termina en una terraza similar a la de la bodega del Garraf y un templete sostenido por cuatro columnas de hierro fundido, con una graciosa barandilla.
Díaz de Quijano y Gaudí no llegaron a conocerse personalmente. Gaudí no visitó nunca Comillas. De la ejecución de las obras se encargó su amigo y compañero de promoción Cristòfor Cascante i Colom. Ambos eran ayudantes de Joan Martorell; y a partir de 1882 Cascante se había instalado en Comillas para dirigir las obras del palacio de Sobrellano y del Seminario, proyectados por Martorell. Cascante dispuso de una maqueta y de planos muy detallados de Gaudí, a quien consultaba todas las dudas por carta.
En la parte superior de la torre mirador del Capricho, hay una bola metálica que representa el sol. Este detalle simboliza la relación de Gaudí con la naturaleza y su fascinación por los elementos naturales. La arquitectura de Gaudí a menudo incorpora formas geométricas y figuras místicas. Al observar detenidamente las esculturas y detalles arquitectónicos, es posible descubrir símbolos y formas que representan conceptos filosóficos o religiosos.
Si bien, podemos circundar el edificio atravesando el jardín tanto por el lateral izquierdo como por el derecho, lo lógico es que avancemos por el segundo (orientación Norte), pues es el recorrido natural hacia la entrada de la residencia que, a su vez, conduce al encantador patio del fondo en forma de herradura. Dejemos el lateral izquierdo (Sur) para el final de la visita. Explorar el Capricho con una mirada más atenta y aprender sobre la filosofía y el estilo de Gaudí puede revelar detalles fascinantes y simbolismos que podrían considerarse "secretos" dentro de la estructura del edificio.
"Vendedora de flores en Londres", obra del pintor francés Gustave Doré (1832-1883), data aproximadamente de 1875 y tiene unas dimensiones de 134,6 x 2210 cm. Actualmente se encuentra resguardada en la Walker Art Gallery de Liverpool, Inglaterra.
Gustave Doré fue un ilustrador, grabador, pintor y escultor francés del siglo XIX, nacido en París. Es reconocido por sus ilustraciones en una amplia variedad de obras literarias, desde cuentos de hadas hasta obras maestras literarias clásicas.
Algunas de sus obras más destacadas incluyen las ilustraciones para "La Divina Comedia" de Dante Alighieri, "Don Quijote" de Miguel de Cervantes, "Los Cuentos de Perrault" y la Biblia. Doré también creó numerosas obras originales, caracterizadas por paisajes detallados y escenas imaginativas.
Figura prominente en la escena artística de su tiempo, Doré dejó un legado perdurable a través de sus contribuciones a la ilustración y el grabado.
Gustave Doré residió en Londres entre 1868 y 1873, durante los cuales produjo 180 grabados que exploran las entrañas de la ciudad en esa época, revelando abismales divisiones entre las clases sociales y destacando la pobreza y el sufrimiento.
Su fascinación por la ciudad no se limitaba a retratar sus aspectos amables; más bien, resaltaba la decadencia, las ruinas y la podredumbre. Al llegar a Londres, Doré ya era un artista consagrado; sus grabados dramáticos ilustrando la Biblia habían llevado esas historias más allá de la narración de pastores iletrados, creando en la mente de los lectores un submundo omnipresente de infierno y castigo divino.
Fue Blanchard Jerrold quien le propuso la idea de crear una guía o un libro de viaje que ilustrara el Londres victoriano. Doré vivió temporadas en la ciudad para conocer en detalle cada sitio que Jerrold describiría.
Doré era conocido por la minuciosidad de sus obras, llenas de detalles finos, desde pequeños elementos en los fondos hasta las expresiones faciales de los personajes. Su técnica de grabado implicaba un control preciso de las líneas, y esto se reflejaba en sus ilustraciones.
Utilizaba líneas finas y entrecruzadas para crear sombras, texturas y detalles. Doré tenía la capacidad de transmitir emociones intensas a través de sus ilustraciones. Sus escenas a menudo evocaban un sentido de drama, ya sea en las representaciones de paisajes infernales en "La Divina Comedia" o en las escenas de acción de otras obras.
Hábil para crear una sensación de profundidad y atmósfera en sus obras. Sus paisajes a menudo presentaban una perspectiva amplia y elementos atmosféricos, lo que contribuía a la atmósfera general de la escena. Aunque es conocido por sus ilustraciones literarias, Doré también abordó una variedad de temas en sus obras, desde escenas religiosas hasta paisajes urbanos y rurales, así como obras con temáticas históricas.
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