jueves, 20 de julio de 2017

"Verano" obra de Giuseppe Arcimboldo

"Verano" obra de Giuseppe Arcimboldo, fue realizada en el año 1563 y con unas dimensionares de 503 x 670 cm. Se encuentra en el Kunsthistorisches Museum de Viena _ Austria.

 

Maravilloso y original es este genio del Renacimiento cuyas obras nos sorprenden por su extravagante manera de componer retratos mediante la agrupación de diversos elementos de la naturaleza más dispar.

Autorretrato del año 1570 en la Galería Nacional de Praga  

Nació en Milán en 1527, trabajó con su padre en las vidrieras de la catedral milanesa y se casó con una alemana, pasando a residir, a partir de 1562, en Praga, capital del reino de Bohemia. Entró al servicio del emperador Fernando I y de sus sucesores Maximiliano II y Rodolfo II. Los tres tuvieron en gran estima a Arcimboldo, alcanzando el cargo de pintor de la corte e incluso fue nombrado Conde Palatino.


Con Rodolfo II, personalidad desequilibrada y contradictoria, pero gran mecenas del arte y de los artistas, mantuvo una relación muy fructífera, llegando a retratarlo como la divinidad romana Vertumno. No obstante también tuvo detractores que consideraban sus obras de mal gusto y de temática inapropiada. Al ser un adelantado a su tiempo sufrió la incomprensión, el odio y la envidia de gran parte de sus contemporáneos.


Como buen creador del Renacimiento, Arcimboldo trabajó en infinidad de proyectos como la construcción de autómatas y máquinas hidráulicas o un órgano que fundía sonidos y luces, anticipando efectos que se usan hoy en las discotecas. A la muerte de Rodolfo II, regresó a su Milán natal, donde murió en 1593.


Resulta muy original la obra de Arcimboldo, especialmente sus "cabezas compuestas", rostros humanos elaborados a partir de frutas, verduras, tallos, hojas, flores o animales y que nos muestran un estilo caricaturesco e incluso, a veces, satírico.


La firma del autor junto con la fecha de realización se encuentran en el cuadro...¿las has visto?. En la versión del Louvre también lleva la firma del pintor. A Arcimboldo no le interesa una representación sistemática de la realidad natural de manera científica. El aspecto lúdico de las obras es indudable. Es ahí donde se muestra su auténtica voluntad creadora como pintor manierista, entendiendo este término como artificialidad, lo que el filósofo Tatarkiewicz dio en llamar sutilitas.


Las Estaciones es una serie de cuatro cuadros pintados por entre los años 1563 a 1573. Fueron ofrecidos a Maximiliano II Manuel de Baviera en 1569, acompañados de los Los cuatro elementos (pintados en 1566). Se acompañaron con un poema de Giovanni Battista Fonteo (1546-1580), que explicaba el sentido alegórico.

La primavera del año 1563 en Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid 

Cada cuadro está constituido por un retrato de perfil, compuesto de elementos que recuerdan la estación.

De la versión original, no subsisten más que el Invierno y El Verano, expuestos en el Museo de Historia del Arte de Viena, en Austria. Entre las versiones más conocidas figuran las del Museo del Louvre, copias hechas por el pintor a instancias de Maximiliano II, para hacer un regalo a Augusto de Sajonia. Los cuadros se caracterizan por un encuadramiento floral que no existía en la primera versión.

Las cuatro estaciones en una cabeza , 1590 en National Gallery of Art Washington 

Los Cuatro Elementos que acabo de mencionar es una serie de pinturas del artista. Los retratos representan el perfil de rostros formados por diversos objetos o animales. La Tierra está representada por animales terrestres; el Aire, por pájaros;, e Agua, por criaturas marinas;el Fuego, por cañones y maderas en llamas. Esta serie intenta expresar la armonía del caos, con animales salvajes que forman caras distintas. También ensalza a Maximiliano, sugiriendo que es un gobernante que controla incluso a los cuatro elementos primarios.

Retrato de Rodolfo II en traje de Vertumno, hacia 1590, Castillo Skokloster, _ Suecia.

El extraño y original arte de Arcimboldo, especialmente sus imágenes múltiples, fue redescubierto a principios del siglo XX por artistas surrealistas, entre ellos Salvador Dalí, como se aprecia en algunas de las obras de estos. 

No se sabe a ciencia cierta como tuvo lugar el súbito cambio en su pintura, aunque, sin duda, la idea tuvo que venirle de la confluencia de varios factores como:
La contemplación en la corte de Viena de obras de pintores como El Bosco, Brueghel, Cranach, Grien yAltdorfer que ya habían creado en décadas pasadas fantasías de monstruos y seres imposibles.








lunes, 17 de julio de 2017

La antigua villa de estilo imperial romano, que se yergue en un terreno con exuberantes jardines muy cerca del mar en South Beach en Miami _ Estados Unidos, es donde residió y fue asesinado en 15 de Julio del año 1997 el diseñador italiano Gianni Versace. 


No suelo publicar mansiones del Siglo XX en El Poder del Arte, pero no se que tiene esta villa que me atrae en particular, y precisamente no es la lujosa villa de 1.767 metros cuadrados ni sus 10 habitaciones, 11 baños, la espectacular piscina de mosaicos con incrustaciones en oro, pisos de madera, esculturas o frescos mitológicos, si no el gusto que ha tenido el diseñador de moda por el conocimiento de la historia del arte.


Diseñador italiano y fundador de Versace. Creó vestidos para obras de teatro y películas, y fue uno de los primeros diseñadores capaces de relacionar la moda con la industria musical al ser amigo de celebridades como Eric Clapton, Diana de Gales, Elton John, Sting y entre muchas otras. Era abiertamente homosexual y era una figura permanente en la escena internacional de la moda junto con su pareja Antonio D'Amico.


Versace comenzó su aprendizaje a temprana edad, ayudando a su madre a encontrar piedras preciosas e hilos de oro para bordar vestidos. Estudió arquitectura antes de mudarse a Milán a los 25 años para trabajar en el diseño de moda.


A mediados de la década de 1970, sus montajes llamaron la atención de las marcas Genny y Callaghan. Lo contrataron para diseñar sus colecciones y unos pocos años más tarde, animado por su éxito, presentó su primera firma de colección para mujer en el museo de arte, Palazzo della Permanente, de Milán. Su primera colección para hombre llegó en septiembre de ese mismo año. Después de presentar su colección de hombre, se unió con Jorge Saud, quien más tarde se volvería compañero de Giorgio Armani.


El jardín existe una estatura de la voluptuosa diosa Afrodita, toda una declaración de principios hedonistas sin límites que siempre cultivó Versace, antes de morir tiroteado en la entrada del palacete.


Rodeada de jardines, esculturas de bronce y cabezas de Medusa, el sello más personal de Versace, que adornan la cerca que la circunda, la antigua mansión. Después, la construcción pasó por diferentes manos: durante la década de los 80, fue conocida por el nombre de Apartamentos Cristopher Colombus, en honor al explorador. 


Pero el paso del tiempo quiso que la mansión se fuese degradando más y más. Para alivio de todos, el diseñador Gianni Versace salió a su rescate en 1992. La descubrió por casualidad, en una parada que hizo en la ciudad para visitar a su hermana Donatella Versace, antes de llegar a su destino final, Cuba.


Se enamoró de ella nada más verla, sobre todo cuando vio a la estatua de Afrodita arrodillada, que era muy del gusto del diseñador que adoraba la mitología griega y romana. Pero el diseñador tenía otros planes: convertir la Villa en una mansión exuberante de estilo neoclásico.


Después del fatal incidente, la sobrina del diseñador Allegra Beck, heredó la propiedad cuando fue mayor de edad y su hermano, Daniel Beck, se quedó con la colección de arte que estaba dentro de la propiedad.


Versace fue sepultado en la localidad de Como, en Italia. La hermana de Gianni, Donatella Versace, era la nueva líder del departamento de diseño y Elton John dedicó su álbum de 1997, The Big Picture a Versace.


Solo el tiempo dirá si la mansión casi centenaria sobrevive como un hotel de lujo o vuelve a cambiar de manos (y de funciones). Lo que es evidente es que el espíritu de Versace siempre estará presente en la construcción, a pesar del paso del tiempo y de su muerte.


Gianni Versace fue todo un derroche de elegancia y opulencia: suelos de mármol, deslumbrantes mosaicos, elegantes jardines, una espectacular piscina con incrustaciones de oro y diez deslumbrantes suites para soñar. Así era él, así era su casa y así sigue siendo el hotel en el que se ha convertido su palacio italiano de Souh Beach tras una glamourosa restauración.








jueves, 13 de julio de 2017

"Tribuna de los Uffizi" obra de Johan Zoffany

"Tribuna de los Uffizi" obra de Johan Zoffany fue realizada entre los años 1772 a 1778 y con unas dimensiones de 123.5 x 155 Se encuentra en Royal collectionTrust en 
en el Castillo de Windsor, Berkshire _ Inglaterra


La Tribuna de los Uffizi es una estancia octagonal que forma parte de la florentina galería de los Uffizi. Fue diseñada por Bernardo Buontalenti para el duque Francesco I de' Medici en el último tercio del siglo XVI.

Venus de Urbino obra de Tiziano

La obra fue un encargo de la reina Carlota, esposa de Jorge III. Ni ella ni su esposo visitaron nunca Italia, de ahí que tuvieron que recurrir a cuadros para conocer las maravillas del Gran Tour. Como en otras obras suyas, Zoffany se tomó bastante libertades, como el representar la Madonna della Sedia de Rafael, cuando se encontraba en el palacio Pitti. 

Ancient Roman art, Dancing Faun

Johann Zoffany (1733-1810) fue un pintor neoclásico alemán, que estuvo activo principalmente en Inglaterra. Sus obras están expuestas en varias galerías nacionales inglesas como la National Gallery y Tate Gallery de Londres.


      El primero cuadro a la izquierda, obara de Annibale Carracci 


En el verano de 1772 Zoffany dejó Londres para ir a Florencia con un encargo de la reina Charlota para pintar como acabo de mensionar. El encargo fue realizado por Zoffany dado que sabía pintar las pequeñas escenas en las que un grupo de personajes conversan entre ellos, por las que fue tan famoso.  


La Venus de los Medici


Durante los años siguientes trabajó principalmente para el actor David Garrick, para él que, además de un buen número de «piezas de conversación », realizó una serie de grabados en mezzotinta con escenas de representaciones teatrales, que se expuso en la Sociedad de Actores en 1762, siendo muy aclamada por crítica y público, y que contribuyó significativamente a que su trabajo fuera conocido por toda Gran Bretaña.

Ancient Roman art, The Two Wrestlers

El rey Jorege lll fue miembro de la Real Academia en el año 1772 y concretamente es en este año cuando se nacionalizó británico Zoffany, decidió partir nuevamente hacia Italia, donde realizó sus obras más notables.. A su regresó a Inglaterra, sus famosas piezas habían pasado de moda, por lo que vuelve a marcharse en en el año 1783.

Ancient Roman art, Arrotino,
 Etruscan (with 17th-century implements), Chimera of Arezzo

A los ojos de los turistas británicos, Florencia carecía de ese pasado abrumador del que podía presumir Roma, Nápoles o de Venecia, pero poseía algo que la convertía en uno de los hitos del recorrido. Una colección de antigüedades que los Medici habían ido reuniendo durante siglos y que se había convertido en la más importante, fuera de Roma.

      Ancient Roman art, Cupid and Psyche

Esta nueva sala, de forma octogonal, fue conocida con el nombre de La Tribuna y, desde su conclusión, en 1584, se convirtió en uno de los lugares más visitados por artistas y conossieurs. Fue, sin ningún género de dudas, la parada obligatoria en Florencia para todos aquellos que se embarcaban en la aventura del Grand Tour.


Su decoración aludía a conceptos filosóficos relacionados con los cuatro elementos naturales. En sus paredes se colgaron algunas de las pinturas más valiosas de la colección, acompañadas de joyas, bronces de pequeño tamaño, cristales y medallas. Pero, lo más destacado del conjunto, aquello por lo que los turistas del arte se desplazaban hasta La Tribuna fueron las estatuas. Y, entre todas ellas, una brillaba con luz propia: la Venus de’ Medici.


Raphael, Portrait of Perugino,
Ancient Roman art, Baby Hercules strangling two serpents

Instalada como pieza central de la Tribuna, la Venus cobró fama universal. Hubo quien la dibujo “cientos de veces”, desde todos los ángulos posibles; hubo quien no le quitó la vista de encima durante diez horas; y quien la visitó más de cien veces.

 Artistas, poetas y todo tipo de visitantes se deshicieron en halagos hacia la figura y Lord Byron llegó a decir de ella que era imposible “describir lo indescriptible”. Tal fue el fervor que se llegó a sentir por la dama que, cuando Napoleón se la llevó a París (después de muchas peripecias), los florentinos solicitaron el escultor vivo más famoso del momento, Antonio Canova, una sustituta para su adorada Venus. De allí la importancia del cuadro y el pintor.  

Si es de interés, el nombre del autores así como los títulos de las obras los podéis encontrar pinchando aquí.



lunes, 10 de julio de 2017

El palacio Medici Riccardi

El palacio Medici Riccardi se encuentra en Florencia_ Italia. Realizado por Michelozzo di Bartolomeo en el año 1444, por encargo de Cosme de Médici «El viejo». Planta renacentista, inspirándose en Leon Battista Alberti, hizo un edificio austero y sobrio. 


La imponente mole cúbica y la elegante fachada, con su almohadillado gradual, para dar esbeltez, y las ventanas ojivales con arcos se convirtieron en el prototipo oficial de la arquitectura civil renacentista y el símbolo de la potencia política de los Médicis. 


El edificio fue la residencia de esta familia durante unos cien años, hasta que, en 1659, pasó a ser propiedad de la familia Riccardi, que le hizo reformas barrocas. n 1814, los Riccardi vendieron el palacio al Estado y, desde 1874, es propiedad de la provincia. 


Actualmente, es la sede del consejo provincial, de la residencia del prefecto y del importante Museo de Palacio Medici-Riccardi. Dentro del palacio-museo, hay que visitar, además de los dos patios, la Capilla de los Reyes Magos y la Galería. 


A Michelozzo le unía una íntima amistad, y además era una persona extraordinariamente capacitada para dirigir el proyecto, ya que su formación había sido con uno de los escultores más grandes de Florencia: Donatello. Por ello, él fue finalmente el elegido para construir este palacio de planta cuadrada, y que como es habitual tiene un patio interno para la distribución y comunicación de las distintas estancias.


El resultado fue una obra que iba a servir de modelo para otros palacios posteriores. Porque el Palacio Medici – Riccardi posee un esquema que se repitió hasta la saciedad. Se trata de una fachada en tres alturas, de las cuales la inferior se realiza a partir de grandes bloques de piedra de apariencia rústica que dan la sensación de fortaleza. 


Mientras que en la planta intermedia la piedra tiene un tallado o almohadillado mucho más fino, transmitiendo la idea de elegancia. Y por fin el conjunto se remata con una cornisa clásica, la primera que se hizo así en Florencia, y que le proporciona el tono distinguido y culto al conjunto.


A mediados del siglo XV, Piero de Medici, hijo de Cosme el Viejo, encargó a Michelozzo la construcción de una capillaen el primer piso. La capilla está separada en dos patios interiores, un amplio hall y un ábside rectangular con su altar y dos pequeños sacristerios situados a ambos lados del mismo. El diseño que Michelozzo pensó para el cielo es simplemente maravilloso. Es de madera cubierta en oro, y realizada por Pagno di Lapo Il Portigiani.


Los Medici comenzaron a vivir en el palazzo en el año 1460, cuando las obras habían finalizado. El palacio sufrió su primera modificación en el siglo XVI. Las arcadas se transformaron en una logia, y Michelangelo Buonarrotti agregó dos ventanas más. Además, Orpheo, la estatua realizada por Baccio Bandinelli, fue colocada en el patio.


El palacio fue la residencia de Medici Cosme el Viejo, Piero ll Gotoso, Lorenzo el Magnífico y Cosme I, hasta que la familia de Cosme I se mudó al Palazzo Vecchio, donde se encontraba el gobierno.



Luca Giordano también debió encargarse de la biblioteca del Palazzo Medici-Riccardi, que se encuentra justo a la salida de la Galería de Luca Giordano. Por más de tres siglos, esta biblioteca ha sido considerada la más encantadora, completa y mejor conservada del país. 

La creciente colección de Riccardo Riccardi en el siglo XVI se volvió aún más extensa gracias al marqués Francesco Riccardi, ya que su esposa tenía en su posesión una vasta colección de libros de ciencia, filosofía y literatura que habían pertenecido a Vincenzo Capponi. Vincenzo Capponi fue un erudito que perteneció al grupo que el mismo Galileo Galilei solía frecuentar.



En las últimas décadas del siglo XVII, los Riccardi contrataron al arquitecto y escultor Giovanni Battista Foggini para que construyera las escaleras de la entrada al palacio. Foggini se convirtió entonces en el escultor del duque y fue declarado arquitecto de la corte.

Se incorporaron detalles de estilo barroco dentro de la biblioteca y en otras secciones del palacio. En las primeras décadas del siglo XVIII, el frente del palacio que daba a la Via Cavour (luego Via Larga) se amplió y se incorporaron ventanas en el primer y segundo piso. Esta renovación estuvo cuidadosamente planificada, para no dañar ni alterar nada de lo hecho por Michelozzo.



Hoy en día, el patio, la capilla con los frescos de Benozzo Gozzoli y la Galería de Luca Giordano se encuentran abiertos al público. También hay un ala nueva donde se exhiben estatuas y objetos antiguos. En el palacio también suelen realizarse exhibiciones de arte temporales.













jueves, 6 de julio de 2017

"Dama con velo", obra de Alexander Roslin

"Dama con velo", obra de Alexander Roslin, fue realizada en el año 1768 y con unas dimensiones de 65 x 45 cm. Actualmente pertenece de la colección de Nationalmuseum en Estocolmo _Suecia.


Dama con velo, es con diferencia, el más conocido de los cuadros de Alexander Roslin. Está firmado por él en 1768. La modelo es su mujer. Ella pintaba al pastel, y se llamaba Marie-Suzanne Giroust. Vestía a la boloñesa, es decir a la manera que vestían las mujeres de Bolonia, en Italia. Parte de la fascinación de este retrato es la mirada de la modelo, en parte escondida y secreta detrás del velo.



Roslin, retratista sueco, realiza esta encantadora variante de la pintura rococó francesa. Luego de estar unos años en Alemania e Italia, pero finalmente se estableció en París. Y pese a ser protestante Roslin fue recibido como miembro de la Real Academia, institución patrocinada por el rey de Francia, lo cual muestra lo apreciado que era.

En este retrato, mezcla la seriedad burguesa del norte y la gracia de una pequeña coquetería, la melancolía y un esbozo en la sonrisa. En la perfección del brillo y los tonos cambiantes de los tejidos percibimos la maestría adquirida por su contacto con Watteau y con los pintores venecianos.


La dama del velo es uno de los más queridos de la Nationalmuseum. La mujer en el retrato está parcialmente oculto por un velo de seda negro. Bajo el velo está vestida para una ocasión especial en encaje blanco y seda rosa. Durante el siglo XVIII, el teatro era una parte importante de la vida de las clases altas. Vestirse, disfrazarse y jugar papeles dramáticos era un pasatiempo común. La dama del velo muestra cómo se puede vestir a la bolonaise - al estilo de Bolonia.


Alexander Roslin hace valer su nombre en las obras expuestas. Destaco dos por la perfección y el mensaje que transmiten. La dama con el velo, con el que causó sensación e hizo callar las críticas de sus adversarios. Un cuadro que es toda una lección de seducción y que el filósofo francés Diderot consideró como muy picante. Marie Suzanne juega con el abanico cerrado que deja ver parte de la piel del escote, y el velo cubre la mitad de su rostro mientras la otra mitad queda iluminado con una pequeña e insinuante sonrisa.


Cuando Roslin llegó a París al principio de la segunda mitad del siglo XVIII, no tenía ni un céntimo en el bolsillo y tuvo que buscar influencias para abrirse camino en el mundo del arte. Antes de diez años había conseguido ser admitido en la Real Academia de París, requisito imprescindible en el mundo artístico del país, se había casado con Marie Suzanne Giroust, miembro de una adinerada familia francesa, y contaba entre sus clientes con el príncipe heredero de Suecia, Gustavo III. 
   

Esto le abrió las puertas a nuevos y variados encargos entre personajes de la sociedad parisina. En el siglo XVIII todo aquel que se consideraba importante se dejaba pintar por Alexander Roslin. Los retratos eran como tarjetas de visita y por tanto debían reflejar estatus, erudición, elegancia y, por supuesto, belleza. Roslin era un verdadero maestro en plasmar todas estas exigencias, aún en el caso de que en ocasiones todo esto solo fuera realizable poniendo mucha imaginación. Todos los personajes retratados deslumbran con el resplandor de las joyas, la textura y brillo de las telas, sedas, satén, terciopelos, la abundancia de los encajes y un sinfín de complementos como guantes, abanicos y pelucas empolvadas.