jueves, 28 de junio de 2018

"Una jovencita y su perro", obra de Joshua Reynolds

"Una jovencita y su perro", obra de Joshua Reynolds, fue realizada en el año 1780 y con unas dimensiones de  77,5 x 63,5 cm. Actuañmente se encuentra en Fuji Aft Museum  en Tokyo _ Japón.


El pintor inglés Joshuah Reynolds, (1723 _1792), quizá con un punto de exageración, que es el mejor pintor británico de todos los tiempos. Lo que no admite duda es su condición de mejor retratista británico de la historia.

 El estudio de la pintura de los siglos XVI y XVII, y también la de los clásicos que realizó fundamentalmente en Roma, resultó decisivo para su evolución posterior, en particular para la creación y desarrollo de lo que denominó grand style, que no es sino dotar a los modelos de sus retratos de actitudes inspiradas en obras religiosas o mitológicas del pasado y adoptar para sus obras soluciones cromáticas extraídas de los grandes maestros de la pintura. De hecho, el propio Reynolds alcanzó en el año 1768 el cargo de primer presidente de la Royal Academy of Art.



La Revolución industrial inglesa de la segunda mitad del siglo XVIII cambió de una manera significativa el orden social y estableció una nueva relación entre la burguesía y el arte.

La clase media fue la que encargaba ahora los retratos a los artistas y estos vieron abierto un camino para mostrar su estilo de una manera más libre y menos comprometida que los artistas que anteriores.


Quizá, cautivada por el tratamiento que hizo Reynols del retrato infantil, de una forma amable, llena de ternura que puede llevar al espectador a sentir algo especial hacia la infancia, que incluso le llegue a arrancar una sonrisa silenciosa mientras la contempla.


Reynols fue insuperable en las cautivadoras representaciones de niños en sus retratos.
La fantasía, la ligereza del toque,la sabia dosificación de la luz y la risueña frescura en la mirada de la niña son una alternativa en los retratos de los aristrócatas empaquetados en sus ropas rígidas y sin soltura.


Pero no queda todo en la niña, el perro es tan protagonista como ella...quizá está pidiendo una ayuda para salir de esos bracitos que con cariño están dejándole casi sin poder coger aire.
La figura del perro es la mejor iconografía de la fidelidad, del no abandonar corriendo y dejar sola a la persona que le está apretando con la inocencia graciosa
que se delata en el brillo de los ojos y el gesto de la boca.


En este retrato, además se puede apreciar el romanticismo, en un paisaje un tanto fantástico y algo misterioso, que desde luego queda en segundo orden porque la niña y el perro son los auténticos protagonistas.


Son muchos los retratos que en la Historia del Arte ha despertado el interés de los que los han contemplado, pero sentirse cautivado por un retrato no es tan fácil, en realidad es cuestión de encontrar tras ese retrato la mano de limitado para mostrar la dignidad del personaje, como es el caso de esta obra que os he comentado.


En todas estas obras se puede apreciar la extraordinaria habilidad que poseía Reynolds como dibujante, ya que su dibujo es tremendamente seguro y le sirve para plasmar la personalidad de cada uno de los retratados, bien sean niños o cualquiera de los muchos adultos de la refinada alta sociedad inglesa que posaron para él. Así como su portentoso dibujo también se manifiesta en los propios autorretratos que se realizó, como el que se hizo en 1789 cuando ya era un anciano, con poca vista.




Bibliografía : http://pincelyburil.blogspot.com
                     Biografía y obras en ArteHistoria  
               




lunes, 25 de junio de 2018

La Villa Barbaro en Véneto

La Villa Barbaro es una villa palladiana en la región del Véneto _  Italia. Fue diseñada por el arquitecto italiano Andrea Palladio. Andrea di Pietro della Góndola ( 1508 - 1580),  de la República de Venecia, trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza y sus alrededores, y también en la misma Venecia. Se le considera el arquitecto que tal vez «mejor supo actualizar la herencia de las formas clásicas con la realidad del momento central del Cinquecento»


La construcción se erigió sobre un núcleo central de ruinas de un castillo de época medieval. Podemos observar cuatro columnas gigantes jónicas en la fachada a semejanza del templo de la Fortuna Viril en Roma. El pórtico centrado entre dos galerías de arcos de medio punto.


El bloque central está coronado por un gran frontón decorado con relieves, flanqueado por dos alas simétricas de dos plantas, con sendas arcadas abiertas al frente, que acaban en pabellones con grandes relojes de sol colocados en sus frontones Debemos destacar que su interior fue decorado por el pintor El Veronés. Para esta villa, el mismo Palladio diseño un Tempietto o capilla exenta en 1580, inspirada en el Panteón de Roma.


Fue construida entre 1560 y 1570,​ mientras otros afirman que la villa estaba casi acabada en 1558.​ Palladio planeó la villa de líneas bajas extendiéndose hacia un gran parque. El plano de la planta baja es complejo - rectangular con habitaciones perpendiculares a lo largo de un gran eje, el bloque central proyecta y contiene la principal habitación de recepción. 


El interior del bloque central está pintado con frescos del Veronés en el estilo más contemporáneo del artista en ese periodo. Estas pinturas constituyen el más importante ciclo de frescos de este artista e inspiraron muchos de los frescos pintados por otros artistas de villas de la época.


Paolo Veronese (1528 - 1588), pertenecía a Manierismo veneciano, su estilo se caracteriza por el lujo, la arquitectura clásica que enmarca sus escenas y el rico aunque suave colorido.

Paolo Veronese (1528 - 1588)

Amigo de Palladio y otros grandes arquitectos de la época, enmarca sus escenas en amplios escenarios arquitectónicos, rasgo que lo hace precursor de la pintura decorativa barroca


Su tratamiento del color se anticipa a la pintura francesa del siglo XIX, destacando en la reproducción y sugerencia del brillo y textura de las telas. Prefiere los tonos fríos y claros: gris, plata, azules y amarillos.


Los frescos se han datado de comienzos de los años sesenta. Como en las grandes Villas existren diferentes Salas donde Veronés ha dejado su huella en las paredes de la misma. En la Sala del Olimpo, Veronés pintó a Giustiniana, señora de la casa y esposa de Marcantonio Barbaro, con su hijo menor, la nodriza y las mascotas de la familia, un loro y un perro spaniel. 


El perro de la familia aparece también en otra habitación, "La Sala del perrito". La habitación Crociera representa paisajes imaginarios y al personal de la villa asomándose detrás de puertas en trampantojo. 


En la Sala de la Lámpara de aceite tiene imágenes simolizando el comportamiento y la fuerza virtuosos. La Sala de Baco muestra escenas de vendimia y una chimenea tallada con la figura de Abundancia, reflejando los ideales bucólicos y el esplendor de la villa. Dentro del techo abovedado central, hay un fresco de los planetas representados por los antiguas deidades. La diosa de la Tierra, Gaia, está curiosamente representada con un dragó.










Bibliografía: Villa Barbaro : architecture, Knowledge and arcadia.




jueves, 21 de junio de 2018

"La ira de Aquiles" obra de Jacques Louis David

"La ira de Aquiles" obra de Jacques Louis David (1746-1825). Fue realizada en el año 1919, con unas dimensiones de 105 x 145 cm. Actualmente se encuentra en Kimbell Art Museum, en la ciudad de Fort Worth, Texas _ Estados Unidos.


Jacques-Louis David nació en París en 1748 y falleció en 1825 en Bruselas. Conocido como el reformador de la escuela francesa y restaurador de los principios correctos, nunca llegó a alcanzar una coherencia artística total. De niño era un apasionado del dibujo. Su madre viuda le llevó a Boucher y este le recomendó a Vien como un buen profesor.


El episodio que toma David para pintar el cuadro se basa en Ifigenia en Aúlide, de Euípides. En la escena, el rey Agamenón le anuncia a Aquiles que Ifigenia no se convertirá en su esposa porque será sacrificada a la diosa Artemisa.


En el cuadro, la cólera de Aquiles se manifiesta en el modo en que va a tomar la espada. Agamenón, mirándolo fijo y en forma penetrante, hace valer su autoridad y su decisión inapelable.


Hablamos del héroe Aquiles, el verdadero protagonista de 'La Ilíada' de Homero. Un héroe con muchas dobleces, tan eterno como caprichoso. Existe la idea equivocada de considerar 'La Ilíada' de Homero como una epopeya que tiene como tema central la guerra de Troya. Sin embargo, el verdadero motivo de 'La Ilíada' es un difícil momento personal de uno de los héroes griegos más venerados. Aquiles y su cólera.


¿Por qué se encoleriza Aquiles? Hay infinitas formas de contestar a esta pregunta, así como infinitas interpretaciones. Según nos los cuenta Homero, Aquiles se enfada con Agamenón y, por extensión, con el mundo porque se ve obligado a ceder a su cautiva/esclava/botín de guerra/amada Briseida al jefe del ejército aqueo tras una agria disputa pública. 


David inauguró una nueva forma de pintar y representó históricamente la figura de un artista comprometido. La figura de David no puede ser entendida sin Roma, usó Roma para ser más francés. Su clasicismo por tanto no es mimético y abstracto, sino histórico y nacional. 


La vida de David estuvo vinculada a los avatares políticos de la época. Participó activamente en la Revolución Francesa, pero su relación con Robespierre le condujo a la cárcel. Al salir de ella se convirtió en el retratista oficial de Napoleón y tras su caída fue desterrado a Bruselas.

Jacques Louis David ejerció con su obra una magna influencia en la pintura europea de la época. Su escuela fue afamada y recibió pintores de todas las naciones entre los que hay que reseñar los españoles José de Madrazo y Juan Antonio Ribera.






lunes, 18 de junio de 2018

La Catedral de Westminster

La Catedral de Westminster es el principal templo católico de Inglaterra y Gales, la iglesia metropolitana y la sede de la Archidiócesis de Westminster en Londres _ Inglaterra.

La historia de la Catedral puede tener un semblante con la Sagrada Familia de Barcelona; el trabajo se empezó en el año 1895 y en 1903 se detuvo por la falta de dinero, pero al menos la estructura estaba completa, aún queda a día de hoy, la decoración interior.


El encargado del proyecto fue John Bentley en el año 1894, éste quería una gran catedral, con una amplia nave, para mucha gente, pero que no se pareciera a la próxima Abadía de Westminster. Así que Bentley mezcló los estilos románico y bizantino utilizando ladrillo rojo y piedras blancas Pórtland.


Destaca la torre del campanario, Torre de San Eduardo, con casi 87 metros de altura. La cruz del campanario contiene una reliquia de la Vera Cruz y si se sube se obtienen magníficas vistas de Londres.


Posee once capillas laterales, destacándose la Capilla del Santo Sacramento donde hay un monumento en mármol blanco al cardenal Vaughan. Prácticamente desde cualquier lugar del templo donde nos encontremos se puede observar el Santuario, porque está casi un metro y medio por encima del nivel de la nave.


La arquitectura neo-bizantina de John Francis Bentley hace de la catedral de Westminster un edificio fácilmente reconocible. Los hermosos pilares de mármol de Carrara están elaboradamente tallados. 

Son especialmente bellas las imágenes y puertas de esta capilla, surmontada por un pelícano de oro. Justo en frente está la capilla de Nuestra Señora. La capilla de los santos Gregorio y Agustín (el primero del lado de las Epístolas) y la capilla de las ánimas (la primera del lado del Evangelio según uno entra en el Templo), están también completas.


La Catedral de Westminster no solo es uno de los secretos mejores escondidos de Londres, sino que es un sitio perfecto para la reflección, los pensamientos y para sentirse refugiado. De una arquitectura contrastante con el típico paisaje de la zona, es una construcción de magnífica belleza y buena mística, ideal para aquellos que amen la arquitectura o las iglesias y catedrales.


Si a la decoración se refiere, no pueden dejar de visitar la capilla del Santísimo, obra de Boris Anrep, decorada íntegramente con frescos de colores vivos. El altar mayor se encuentra coronado por un baldaquino de mármol italiano y un inmenso crucifijo de 10 metros de alto, y otra de las cosas recomendables es el púlpito de mármol blanco con mosaicos y las 14 estaciones del camino del Calvario de Eric Gill, se los recomiendo, es verdaderamente impresionante.






Bibliografía : http://www.viajaralondres.com






jueves, 7 de junio de 2018

"Apariecia, ¿Que noticias?" obra de Paul Gauguin, fue realizada en el año 1892 y con unas dimensiones de 920 x 670 cm. Se encuentra actualmente en Galerie Neue Meister en Dresden _ Alemania.


Gauguin, quien muy a su pesar era en el fondo un místico, encontró en Tahití el entorno adecuado para expandir su espíritu hacia el infinito. Cansado, decepcionado del mundo, pudo constatar que la naturaleza salvaje y primitiva se encontraba más cerca del ideal de vida que siempre había querido alcanzar, sin importar el costo que había que pagar por ello.


Ese ideal pasaba por un encuentro con los aspectos más esenciales de la condición humana, con la autenticidad del ser que afronta la existencia desde una perspectiva desde la cual se sabe parte de algo que es más grande que él mismo. Consciencia de la finitud ante lo inconmensurable sin agregados de una civilización que sabe superflua e inconsistente. Armonía con la creación, sin más pretensión que la de expresar las ideas como lo haría un niño.


Por supuesto, la cultura tahitiana que Gauguin pudo observar ya había perdido gran parte de su originalidad desde que se inició la colonización francesa a principios del siglo XIX. Se impuso la religión cristiana y se obligó a abandonar los antiguos cultos animistas. Hombres y mujeres debieron tapar su desnudez y no mostrar las partes sexuales de su anatomía. Sus danzas, de fuerte contenido erótico, fueron prohibidas por los misioneros.


Su organización social también se vio desmoronada ante la imposición de un gobierno foráneo. Sin embargo, Gauguin se interesó por rescatar aquellos elementos más originales de la cultura polinesia que todavía podían rescatarse Esta búsqueda de las raíces culturales de los tahitianos hizo que Gauguin realizara diversas esculturas y relieves alusivos a los dioses tradicionales y que a su segundo regreso a las islas desde Francia, emigrara a un entorno más primitivo, en las islas Marquesas, donde murió.


En 1891 se trasladó por primera vez a Tahití, tras un regreso a Francia, donde estuvo poco menos de dos años, retornó a Tahití y luego se marchó a las islas Marquesas, viviendo en la mayor pobreza, con grandes carencias y enfrentado con las autoridades coloniales.


Murió en este lugar en 8 de mayo del año 1903 y fue enterrado en una sencilla tumba. Sus pinturas, dibujos y los libros que había escrito fueron trasladadas a Francia, donde el galerista y crítico Vollard las empezó a exhibir, obteniendo un gran éxito económico y también sentando las bases para la expresión de un nuevo arte que emergería bajo su influencia de la mano de artistas como Picasso y Matisse.


Exsiste otro cuadro con la mismas carasteristicas "Mujeres de Tahití" (En la playa). Fue pintado en 1891. Se encuentra en el Museo de Orsay en París. Este cuadro fue realizado por Gauguin durante su segunda estancia en la isla de Tahití, como acabo de mencionar. Allí descubrió un tipo femenino distinto al de las mujeres europeas, que reflejó en numerosos cuadros, como este en el que unas mujeres tahitianas se encuentran en la playa.


Una de las mujeres, la que queda a la izquierda del cuadro, viste a la manera tradicional, con ornamentación esquemática y plana que recuerda las estampas japonesas. Sin embargo, la de la derecha viste un vestido rosa típico de las misioneras. En una versión posterior del mismo tema sustituyó este vestido por un pareo.




lunes, 4 de junio de 2018

La Villa Pisani en Stra

Villa Pisani también conocida como la Nazionale, representa ciertamente uno de los mas celebres ejemplos de Villa Veneta de la ribera del Brenta; surge en Stra, en provincia de Venecia _ Italia.


Ocupa una entera ensenada del canal del Brenta, se extiende en una superficie de 11 hectáreas y un perímetro externo de aproximadamente 1.500 metros. Fue construida a partir del 1721 con un proyecto de Gerolamo Frigimelica e Francesco Maria Preti para la familia de la nobleza veneciana, Pisani de Santo Stefano.


En la época de su construcción la Villa Pisani tenia 114 habitaciones (hoy son 168), en honor al 114° Doge de Venecia, Alvise Pisani. La villa haya sido escogida muchas veces como residencia para encuentros entre monarcas, jefes de estado y de gobierno. Villa Pisani ha hospedado a Napoleón Bonaparte en 1807.


En 1866, año de la incorporación del Veneto al Reino de Italia, Villa Pisani paso a ser propiedad del Estado, perdiendo la función de representación y convirtiéndose en el 1884 en un Museo.


La amplia fachada está rematada con estatuas, y presenta una entrada central exuberantemente decorada con columnas monumentales al hombro de cariátides. Giovanni Battista Tiepolo decoró el enorme techo con frescos que representan la "Gloria de la familia Pisani" (pintados entre 1760 y 1762).​ 


Algunos atros frescos y pinturas son de su hijo Giovanni Domenico Tiepolo, Crostato, Jacopo Guarana, Jacopo Amigoni, P.A. Novelli y Gaspare Diziani. Las alusiones ampulosas del techo resuenan en el cascarón ahora deshabitado del palacio. El resto de sus casi 168 habitaciones están ahora vacías; la primera planta dispone de varias habitaciones con muebles de los siglos XVIII y XIX.


El parque de Villa Pisani ha sido reconocido con el premio del “ Parque mas bello de Italia 2008” . Caminando por el parque es fácil encantarse con la maravillosa escenografía, la arquitectura original, los viveros y el famoso laberinto. 

Obra de Giovanni Battista Tiepolo

Fue realizado anteriormente a la Villa, con el proyecto del arquitecto padovano Girolamo Frigimelica de’ Roberti, autor del famoso laberinto del parque ademas de algunos de los originales pabellones como la Esedra ,con dos galerías de apios americana a los lados, la torre al centro del laberinto y el establo al fondo del gran salón central. 


La estructura del parque de Villa Pisani resalta los modelos franceses aplicados por Andrè Le Nôtre al palacio de Versailles y se cruza con la tradición veneta del jardín cercado . En la época napoleónica fue añadido un bosque ingles en la parte oeste del parque. 




Conocido como el “laberinto del amor”, uno de los mas grandes de Europa, esta formado de nueve cercas de barreras de boj , a trayecto libre. Aun cuando ha sido renovado muchas veces, mantiene toda su estructura original: resalta la idea de los laberintos del 500 inaugurados por Gonzaga en Mantova.




La larga piscina en el centro del parque de Villa Pisani fue construida en 1911 pera estudios hidráulicos del Instituto hidrográfico de la Universidad de Padua. El Museo Nacional de Villa Pisani se realiza a través de las 30 salas del piso noble, donde se pueden admirar frescos, pinturas y decoraciones originales.

De particular interés y sugestión, el apartamento Napoleónico, rico de tesoros: la grandiosa cama con techo resaltada con las iniciales del emperador, las gavetas labradas por Giuseppe Maggiolini, los monocromos de Giovanni Carlo Bevilacqua, que narran el mito de Eros y Psique , y los espectaculares muebles en estilo imperial realizados específicamente para Villa Pisani.



Bibliografía : www.rivieradelbrenta.biz