viernes, 14 de junio de 2024

La Casa museo Lodovico Pogliaghi

La Casa museo Lodovico Pogliaghi es una casa museo ubicada en Varese, Italia. Fue diseñada y construida por el propio Pogliaghi y exhibe su colección de obras de arte, que incluyen hallazgos arqueológicos, pinturas y esculturas que datan desde el renacimiento al barroco, además de bocetos, moldes de yeso y dibujos del propio artista.


Lodovico Pogliaghi (1857-1950) fue un destacado escultor, pintor y diseñador italiano, conocido por su versatilidad y su habilidad para trabajar en una variedad de medios y estilos artísticos. Nacido en Milán, Pogliaghi se formó en la Academia de Bellas Artes de Brera, donde estudió bajo la tutela de profesores de renombre. Entre sus obras más célebres se encuentra la puerta central de la Catedral de Milán, una majestuosa pieza de bronce que muestra escenas religiosas y es un ejemplo destacado de su maestría en la escultura.




Además de su trabajo en bronce, Pogliaghi también fue conocido por sus pinturas, diseños arquitectónicos y trabajos en mármol y otros materiales. Pogliaghi fue un artista ecléctico, influenciado por diversos estilos y épocas, lo que se refleja en su obra y en la colección que reunió a lo largo de su vida. Su residencia en el Sacro Monte de Varese, ahora convertida en la Casa Museo Lodovico Pogliaghi, alberga muchas de sus obras y colecciones personales, ofreciendo una visión integral de su legado artístico. Además de su contribución al arte sacro y religioso, Pogliaghi también trabajó en proyectos civiles y decorativos, dejando una marca significativa en el patrimonio cultural italiano.


La villa se construyó a finales del siglo XIX y se convirtió en un museo que alberga una extensa colección de arte. En el museo se pueden encontrar obras del maestro Pogliaghi, así como piezas de arte que él mismo coleccionó a lo largo de su vida, incluyendo esculturas, pinturas, mobiliario y artefactos de diferentes épocas y culturas.



 
Una de las obras más destacadas de Pogliaghi es la puerta central de la Catedral de Milán, una impresionante pieza de bronce que también se puede ver en el museo en una de sus etapas de desarrollo. El museo no solo ofrece una visión de la vida y obra de Pogliaghi, sino que también permite a los visitantes disfrutar de la arquitectura y el diseño de la villa, que refleja el eclecticismo y la creatividad del artista. Además, la casa está ubicada en un entorno natural y culturalmente significativo, lo que añade un atractivo adicional a la visita.




La casa alberga una colección diversa y ecléctica de arte y objetos recogidos por Pogliaghi a lo largo de su vida. Esto incluye esculturas, pinturas, muebles, tapices y artefactos de diferentes épocas y culturas. Esta variedad ofrece una rica experiencia visual y cultural. 

Exhibe también numerosas obras del propio Pogliaghi, incluidas maquetas y bocetos para la puerta central de la Catedral de Milán, una de sus creaciones más famosas. Ver estas obras en el contexto de su hogar y estudio proporciona una perspectiva íntima de su proceso creativo.



La villa en sí es un reflejo del eclecticismo y la creatividad de Pogliaghi. Diseñada por el propio artista, la casa combina elementos arquitectónicos de diferentes estilos y épocas, lo que la convierte en una obra de arte en sí misma. Ubicada en el Sacro Monte de Varese, un sitio de peregrinación y patrimonio de la humanidad de la UNESCO, la casa museo ofrece vistas panorámicas y un entorno natural impresionante. Este contexto añade una dimensión espiritual y contemplativa a la visita.





La casa conserva los estudios y talleres donde Pogliaghi trabajaba, proporcionando una visión auténtica de su vida diaria y su entorno de trabajo. Estos espacios permiten a los visitantes imaginar cómo el artista creaba sus obras. Además de la colección permanente, la Casa Museo Lodovico Pogliaghi organiza exposiciones temporales y eventos culturales, lo que enriquece la oferta museística y atrae a diferentes públicos. En resumen, la Casa Museo Lodovico Pogliaghi no solo destaca por las obras de arte que alberga, sino también por su valor arquitectónico, su entorno histórico y cultural, y la oportunidad de conocer de cerca la vida y el trabajo de un artista multifacético.








Bibliografía: El Poder del Arte 

miércoles, 12 de junio de 2024

La "Piedad Florentina" es una escultura de Miguel Ángel Buonarroti


La "Piedad Florentina" es una escultura de Miguel Ángel Buonarroti, también conocida como la "Piedad Bandini" o "Piedad de Santa María del Fiore". Es una de las últimas obras de Miguel Ángel y fue realizada entre 1547 y 1555. La escultura representa a Cristo muerto sostenido por la Virgen María, María Magdalena y Nicodemo, cuya cara es un autorretrato de Miguel Ángel. Originalmente estaba destinada a su propia tumba, pero Miguel Ángel nunca la terminó completamente y la dañó en un ataque de furia. Actualmente, la "Piedad Florentina" se encuentra en el Museo dell'Opera del Duomo en Florencia_ Italia.






Miguel Ángel dañó la "Piedad Florentina" en un ataque de furia por varias razones que han sido objeto de debate entre los historiadores del arte. Algunas de las teorías más comunes incluyen: podría haber estado insatisfecho con la calidad del mármol o con su propio trabajo en la escultura. Se dice que el mármol tenía ciertas imperfecciones que dificultaban el trabajo, lo cual pudo haber llevado al artista a la frustración.





En esa etapa de su vida, Miguel Ángel estaba atravesando momentos difíciles tanto emocional como físicamente. Estaba envejeciendo y enfrentando problemas de salud, lo que pudo haber contribuido a su desesperación y frustración.


Miguel Ángel era una persona muy religiosa y, en sus últimos años, experimentó una profunda crisis espiritual. Esta lucha interna pudo haberse reflejado en su trabajo, aumentando su angustia y llevando al ataque de furia.





Después de dañar la escultura, Miguel Ángel la abandonó. Sin embargo, su discípulo, Tiberio Calcagni, intentó restaurarla y completar algunas partes, aunque la escultura quedó sin terminar.

La "Piedad Florentina" es también conocida como la "Piedad Bandini" porque fue adquirida por el banquero Francesco Bandini después de que Miguel Ángel la abandonara. Bandini la trasladó a su villa en Roma, y por esto, la escultura llevó el nombre de su propietario durante muchos años.









Bibliografía : El Poder del arte 

"El Big Ben" obra de Andre Derain (1880-1954)


"El Big Ben" obra de Andre Derain (1880-1954), del año 1907 y con unas dimensiones de 79×98 cm. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno del Centre Pompidou en París, Francia.


André Derain fue un influyente pintor francés y cofundador del movimiento artístico conocido como el Fauvismo, junto con Henri Matisse. Su obra se caracteriza por el uso audaz del color y las formas simplificadas.


En 1898 abandonó sus estudios de ingeniería para dedicarse a pintar. Comenzó a asistir a la Académie Carrière al tiempo que tomaba apuntes en el Musée du Louvre. En un principio, Paul Cézanne ejerció una fuerte influencia sobre su pintura y más tarde se sintió fascinado por la obra de Vincent van Gogh expuesta en la Galerie Bernheim-Jeune.



En esos primeros años compartía estudio con Maurice de Vlaminck en Chatou y mantenía una estrecha relación con Henri Matisse, con el que pasó el verano de 1905 en Collioure, donde comenzó a utilizar la técnica puntillista. Bajo la influencia de la pintura de Paul Signac, Derain aplicaba los colores puros, sin mezclar, sobre un lienzo de preparación blanca, con una pincelada de pequeños toques gruesos y cuadrados que daban a la superficie pictórica un aspecto de mosaico.




El marchante Ambroise Vollard envió a Derain a Londres, desde marzo de 1906 a febrero de 1907, para que repitiera la experiencia llevada a cabo unos años antes por Claude Monet en su serie sobre el río Támesis. En la capital inglesa pintó un conjunto de obras que constituyen el punto álgido de su periodo fauve.




Derain se destacó por sus paisajes vibrantes y sus retratos expresivos. Durante su carrera, exploró una variedad de estilos, aunque su obra evolucionó con el tiempo, siempre mantuvo un interés en la experimentación y la innovación.

En su vida personal, Derain fue conocido por su naturaleza reservada y enigmática. Se casó con Alice Topffer en 1910 y tuvieron dos hijos juntos. Durante la Segunda Guerra Mundial, estuvo involucrado en actividades artísticas apoyadas por el régimen de Vichy en Francia, lo que generó controversia posteriormente.

Derain falleció el 8 de septiembre en Garches, Francia, dejando un legado duradero en la historia del arte del siglo XX. Su trabajo sigue siendo celebrado y estudiado en todo el mundo.









Bibliografá : https://www.museothyssen.org/

lunes, 10 de junio de 2024

Constantin Brâncuși (1876-1957) en el año 1921 con su perro Samoyedo, Polaire


Constantin Brâncuși (1876-1957) en el año 1921 con su perro Samoyedo, Polaire, en París, Francia. Polaire se convirtió en una parte importante de su vida y trabajo. Su nombre, que significa "polar", era un perro de raza Samoyedo, conocida por su pelaje blanco y esponjoso y su carácter amigable y afable.




Escultor, pintor y fotógrafo rumano,​ considerado pionero del arte moderno. Su obra, 1200 fotografías y 215 esculturas, evolucionó desde 1908 hacia un estilo muy personal, geométrico, con una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción, proponiendo una realidad distinta. De esta manera, dejaba de lado el realismo escultórico del siglo xix para dar paso al arte abstracto que se abría camino.



Esta vez, mi objetivo va a ser Polaire, ya que también tengo otro perro de la raza Samoyedo que me tiene cautivado. Brâncuși y Polaire desarrollaron un vínculo muy estrecho. Polaire no solo era un compañero constante en la vida diaria del escultor, sino que también estaba presente en su estudio, acompañándolo mientras trabajaba. Este lazo entre el artista y su perro es evidente en numerosas fotografías de la época, donde se puede ver a Brâncuși con Polaire a su lado, destacando la importancia que el perro tenía en su vida personal y artística.




La relación entre Brâncuși y Polaire también reflejaba el amor del escultor por los animales y la naturaleza, elementos que a menudo inspiraban su obra. El carácter amigable y la apariencia distintiva de Polaire probablemente proporcionaron consuelo y compañía a Brâncuși durante sus años creativos en París.



Aunque es difícil confirmar cuándo, sabemos que Polaire murió repentinamente después de ser atropellada por un automóvil, lo que dejó al artista en la desesperación. El historiador John Golding escribió que “Brâncuși estaba desolado.” La enterró en un cementerio de mascotas en Asnières-sur-Seine, a las afueras de París, y volvió al trabajo. Golding señala que en la última parte de la carrera de Brâncuși, “las representaciones de animales superan con creces a las de personas.”



Brâncuși nunca reemplazó a Polaire con otro compañero, y se volvió cada vez más recluido. Para finales de la década de 1930, “el otrora sociable” se había convertido en “un ermitaño.” Debido a que Brâncuși se volvió tan introspectivo, la razón de este cambio de disposición sigue siendo desconocida. Puede que nunca haya explicado ni compartido su experiencia emocional con nadie.









Bibliografía: El Poder del Arte

miércoles, 5 de junio de 2024

“En una hostería romana” obra del pintor danes Carl Heinrich Bloch (1834- 1890)

“En una hostería romana” obra del pintor danes Carl Heinrich Bloch (1834- 1890) realizada en el año 1866 y con unas dimensiones de 148.5 cm × 177.5 cm. Actualmente se conserva en Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague_ Dinamarca.



Carl Bloch fue un pintor danés del siglo XIX conocido principalmente por sus obras de arte religioso. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca y se destacó por su habilidad para retratar escenas bíblicas con gran realismo y emotividad.

Bloch es considerado uno de los artistas más importantes de Dinamarca en su época y su obra ha tenido un impacto duradero en la representación artística de temas religiosos.




"La Hostelería Romana" es una de las obras más conocidas de Carl Bloch, pintada en 1866. Esta pintura captura una escena de la vida cotidiana en una taberna romana, mostrando su habilidad para representar no solo temas religiosos, sino también escenas más mundanas y realistas.



En esta obra, Bloch presenta a un grupo de personas en una taberna romana, interactuando de manera animada y natural. La composición es rica en detalles y cada personaje parece tener su propia historia, lo que añade profundidad a la escena. Bloch utiliza la luz y la sombra con gran habilidad para crear una atmósfera cálida y envolvente, destacando su dominio técnico y su sensibilidad para captar la esencia de la vida cotidiana.




Carl Bloch incluyó a su mecenas en el fondo de la obra. El mecenas de Bloch, Jacob Heinrich von Taffel, está representado en la pintura, lo cual era un gesto común entre los artistas para mostrar su gratitud y honrar a aquellos que apoyaban su trabajo. Este tipo de inclusión también servía para inmortalizar a los benefactores en la obra de arte.


La inclusión de von Taffel en la escena de la taberna romana no solo añade un elemento personal a la obra, sino que también refleja la costumbre de los artistas de la época de integrar a personas contemporáneas en contextos históricos o cotidianos, mezclando lo real con lo imaginario y creando un vínculo más estrecho entre el artista, su patrocinador y el público.



Carl Bloch es conocido por su estilo realista, detallado y emocional, que se manifiesta en una variedad de temas, desde escenas bíblicas hasta la vida cotidiana. Tenía una habilidad excepcional para capturar detalles minuciosos en sus pinturas, desde las expresiones faciales y la textura de los ropajes hasta la arquitectura y los objetos de la escena. Este enfoque meticuloso añade una profundidad y autenticidad a su obra.



Uno de los rasgos distintivos de Bloch es su capacidad para capturar la humanidad y las emociones de sus personajes. Ya sea en escenas religiosas o de la vida cotidiana, sus figuras suelen mostrar una gama rica de emociones que conectan con el espectador a un nivel profundo.

Utilizaba la luz y la sombra con gran habilidad para crear atmósferas dramáticas y realistas. Este uso del claroscuro ayudaba a enfatizar la emotividad de sus escenas y a dirigir la atención del espectador hacia puntos focales específicos.



Durante su estancia en Italia, Bloch fue influenciado por los maestros del Renacimiento, lo que se refleja en su uso del color, la composición y la técnica. Esta influencia enriqueció su estilo y le permitió crear obras de gran belleza y complejidad.

Aunque es más conocido por sus obras religiosas, Bloch también pintó retratos, paisajes y escenas de género. Esta versatilidad demuestra su amplio rango de habilidades y su interés en diferentes aspectos de la vida y el arte.




Una parte significativa de su obra está dedicada a temas religiosos, especialmente escenas del Nuevo Testamento. Sus pinturas bíblicas son conocidas por su capacidad de transmitir profundas emociones y espiritualidad. La serie de pinturas para la Capilla del Palacio de Frederiksborg es especialmente notable en este contexto.

En resumen, el estilo de Carl Bloch se caracteriza por un realismo detallado, un uso magistral de la luz y la sombra, una profunda emotividad y una composición dinámica, todo ello influenciado por su estudio de los grandes maestros del pasad.









Bibliografía: El Poder del Arte


lunes, 3 de junio de 2024

El arquitrabede de la Basílica de Santa Catalina de Alejandría, u , fue construido entre 1369 y 1391 por Raimondello del Balzo( 1350-1406)



Detalle del arquitrabe (parte inferior del entablamento que se apoya directamente sobre las columnas), fue construido entre 1369 y 1391 por Raimondello del Balzo( 1350-1406) Orsini. Se encuentra en la fachada de la Basílica de Santa Catalina de Alejandría, uno de los más destacados monumentos de arte románico y gótico en la región de Puglia, y está ubicada en el centro histórico de Galatina, Italia.




En uno de sus numerosos viajes de las cruzadas, Raimondello fue hasta la parte superior del Monte Sinaí para rendir respeto al cuerpo de Santa Catalina. Según la leyenda, al besar la mano de la Santa, desgarró con sus dientes un dedo, llevándolo de regreso a Italia como reliquia en un relicario plateado, que aún se conserva en el tesoro de la Iglesia. Tras la muerte de Raimondello en 1405, el edificio fue completado por su esposa, la princesa Marie de Enghien, y luego por su hijo, Giovanni Antonio del Balzo Orsini.




Sí, la Basílica de Santa Catalina de Alejandría en Galatina, Italia, es una iglesia histórica conocida por su impresionante arquitectura y su valor artístico. Construida entre los siglos XIV y XV, combina elementos del arte románico y gótico. Es famosa por sus frescos que decoran el interior, atribuidos a varios artistas, y por su rica historia vinculada a la familia del Balzo Orsini.





Esta basílica también es notable por albergar reliquias de Santa Catalina de Alejandría, como se menciona en la leyenda relacionada con Raimondello del Balzo Orsini. La iglesia es uno de los monumentos más importantes de la región de Puglia y atrae a numerosos visitantes por su belleza y significado histórico.

El pintor de Tomelloso de Ciudad Real, España, Antonio López pintando en Gran Vía

El pintor de Tomelloso de Ciudad Real, España, Antonio López pintando en Gran Vía de Madrid su obra hiperrealista, realizada entre 1974 y 1981con unas dimensiones de 93,5 x 90,5 cm. Actualmente forma parte de una colección privada.



Nació el Día de Reyes del año 1936, la posguerra le vio llegar a Madrid en el año 1949. A la capital se trasladó para iniciar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Como todos los grandes, Antonio López dio sus primeros pasos en esta importante cantera de genios.



Una de las obras más importantes para Antonio López y para Madrid, sin duda alguna, es su eterna "Gran Vía". El pintor inmortalizó a la Gran Vía desde la calle Alcalá, como si el tiempo se pudiera parar y guardarlo para siempre sobre un lienzo.

En el cuadro, esta bulliciosa avenida aparece desierta, vacía. Tras estos duros meses de confinamiento parece que Antonio López no hacía otra cosa que pintar una premonición del futuro. Hasta este año, solo fue posible ver desierta la Gran Vía en la obra del pintor de Tomelloso.




Antonio López ha vuelto a revolucionar Madrid. Hace unas semanas, la noticia de que había vuelto a sacar sus pinceles y lienzos a las calles de la capital colmaba todos los medios de comunicación.

El caballete de López ha vuelto a echar raíces en Madrid, esta vez en otro lugar mítico: la Puerta del Sol. Para el pintor, este es mucho más que un símbolo de la capital, para él es toda una obsesión.



Con estas palabras Antonio López resume su particular modo de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una realización lenta y meditada, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo.

El pintor busca entre la realidad que lo rodea aquellos aspectos cotidianos que él recoge con un tratamiento pleno de detalle, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos. Utiliza el escáner y la impresión en 3D para las esculturas de gran volumen.



A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado sobre el informalismo y la abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano, corriente de la que no se considera cercano.​

En julio de 2021 continúa pintando unas vistas parciales de la céntrica plaza Puerta del Sol, de Madrid
















Bibliografía: https://www.que.madrid

                    https://arejulahistoriadelarte.blogspot.com/

viernes, 24 de mayo de 2024

La Iglesia de San Marcos en Mayfair en Londres


La Iglesia de San Marcos en Mayfair, Londres, donde ahora se encuentra Mercato Mayfair, tiene una historia rica. La iglesia fue construida en 1822 y diseñada en estilo neoclásico griego, luego ampliada y remodelada por el renombrado arquitecto Sir Arthur Blomfield en la era victoriana.




Fue construida entre 1825 y 1828 como respuesta a la escasez de iglesias en la zona. La población en Mayfair había crecido debido a la demanda de casas de la aristocracia y los ricos, que se mudaban desde el campo.






En 1878, el arquitecto Arthur Blomfield hizo cambios sustanciales en el interior de la iglesia, introduciendo una estructura de techo abierto románica, decoración mural y detalles arquitectónicos. La fachada de 10 metros, junto con el elegante pórtico, es conocida como una de las mejores de Londres.




Durante la Segunda Guerra Mundial, St Mark's se conoció informalmente como La Iglesia Americana en Londres debido a su proximidad a la embajada de Estados Unidos y como un centro para los fieles estadounidenses. Fue visitada por el presidente Dwight Eisenhower y por la figura política, diplomática y activista Eleanor Roosevelt cuando era Primera Dama de los Estados Unidos.



Edward Thomas Daniell, conocido por sus pinturas del Cercano Oriente y sus grabados de Norfolk, fue nombrado coadjutor de la iglesia en 1834. El 29 de septiembre de 1949, St. Mark's fue el lugar de la boda de George Lascelles, VII conde de Harewood, y la pianista Marion Stein, a la que asistieron el rey Jorge VI y otros miembros de la familia real. Durante la ceremonia se interpretó un himno nupcial especialmente compuesto y dirigido por Benjamin Britten.









La congregación disminuyó durante las décadas de 1950 y 1960, hasta que la iglesia fue declarada redundante en 1974. Permaneció vacía desde 1975 hasta 1994. Ese año, la Diócesis de Londres permitió el uso de la iglesia por parte de The Commonwealth Christian Fellowship, liderada por Rod y Julie Anderson, quienes se reunían allí con una congregación de alrededor de 120 personas y ofrecían un programa de alcance para la formación en prevención de delitos con arma blanca para adolescentes, visitas a domicilio para personas mayores y ayuda para los sin techo. La iglesia se utilizó de esta manera hasta 2008.









Desgraciadamente hoy en día es un mercado de Mayfair, conocido como Mayfair Market, era un mercado tradicional ubicado en el elegante barrio de Mayfair en Londres. Sin embargo, el mercado en sí ya no existe en su forma original. Mayfair es ahora más conocido por sus tiendas de lujo, restaurantes de alta gama, y su ambiente exclusivo.



Combina un impresionante entorno histórico con una variedad de opciones gastronómicas de todo el mundo. La iglesia ha sido restaurada y convertida en un espacio vibrante donde se pueden disfrutar comidas y bebidas en un ambiente único y arquitectónicamente impresionante.




Entre ruido y jolgorio de la gente descansa Harriet Isabella Murchison, me llamo mucho mi atención y buscando datos encontré quien falleció en 1902 y está enterrada dentro de la iglesia, no tiene mucha información pública detallada disponible sobre su vida. Sin embargo, su presencia en la iglesia indica su importancia durante los años activos de la iglesia. San Marcos 








Bibliografía : El Poder del Arte