viernes, 12 de abril de 2024

La iglesia de San Miguel, una pequeña iglesia románica situada en Aiguilhe, comuna limítrofe de Le Puy-en-Velay _ Francia

La iglesia de San Miguel es una pequeña iglesia románica situada en Aiguilhe, comuna limítrofe de Le Puy-en-Velay _ Francia. La primera construcción se remontaría a 961, y fue erigida en abadía en el siglo Xll.


La iglesia está situada sobre un cuello volcánico​ al pie del cual se encuentra otro edificio románico destacado: la capilla Saint-Clair d'Aiguilhe. El promontorio tiene 85 metros de altura y se puede acceder a la capilla por 268 escalones tallados en la roca.







En el lugar que ocupa la iglesia actual existió en época prehistórica un asentamiento del que se ha conservado un dolmen, posteriormente durante la dominación romana se levantó un templo dedicado a Mercurio. Después, en torno al año 961, se construiría una iglesia de estilo mozárabe por orden del obispo Gotescalco, conocido por su peregrinación a Santiago de Compostela entre los años 950 y 951.





Al igual que en la cercana catedral de Le-Puy-en-Velay, la decoración de la capilla nos recuerda al arte islámico. La planta del pequeño templo presenta forma irregular para adaptarse a la forma del cono volcánico. Debido a ello, la iglesia queda cubierta mediante un complicado sistema de bóvedas. Llama la atención el ingreso del templo el cual se realiza mediante una bellísima portada que presenta un arco trilobulado que nos evoca al arte hispano-musulmán.





Dicho arco queda coronado por un mosaico de piedras policromadas. En el interior de la capilla absidal se encuentran unas magníficas pinturas murales que datan del S. X. Debido a su interés, la capilla de San Miguel fue declarada Monumento Histórico en el año 1840.






Una historia refuerza la fama de la roca, la del salto de la virgen: una joven acusada de mala conducta es arrojada desde lo alto de la roca como castigo probatorio; ella escapa, demostrando su inocencia; después de haber vuelto a repetir el milagro, enamorada, vuelve a empezar y se suicida.


Desde su fundación, depende del capítulo de la catedral tanto para el material y los ingresos como para el servicio litúrgico; El capítulo permanecerá hasta la revolución del Señor de Aiguilhe .

La peregrinación suele ser una etapa de devoción a la catedral, pero la historia ha conservado la ascensión de algunos peregrinos famosos: Carlos VII, Luis XI y Carlos VIII. Si los ermitaños ocuparon cuevas en el camino a la capilla, no hay constancia de una ocupación permanente de la roca; a falta de documentos escritos, aún no se comprende el significado de las huellas de la construcción fuera de los tres oratorios.



Prosper Mérimée realizó murales de San Miguel y luego los cubrió con un blanqueado de colores aplicado en 1823, bajo un estandarte para la restauración de pinturas medievales de 1838. Mallay, el arquitecto diocesano, fue el encargado de elaborar un presupuesto para las reparaciones a realizar y para levantar la torre campanario de la capilla. Anatole Dauvergne realizó varios dibujos, acuarelas y relevamientos de los restos de pinturas que se conservaban en ese momento; algunos han desaparecido desde entonces y estos registros son el único rastro existente de ellos; después de ser identificados en la lista, se restauran.






Bibliógrafa. https://arteviajero.com

miércoles, 10 de abril de 2024

"Joven mujer en su tocador" es una obra del pintor holandés Gerrit Dou (1613-1675)


"Joven mujer en su tocador" es una obra del pintor holandés Gerrit Dou (1613-1675), realizada en el año 1667 y con unas dimensiones de 580 x 755 cm. . Actualmente se encuentra en el Museo Boijmans Van Beuningen en Róterdam _  Países Bajos.



"Joven mujer en su tocador" es una pintura del artista holandés Gerrit Dou, quien fue un maestro del género de la pintura de género y un destacado representante de la Escuela de Leiden. La obra muestra a una mujer joven, elegantemente vestida, sentada frente a un espejo en su tocador. La atención meticulosa al detalle y el uso de la luz y las sombras son características distintivas de la obra de Dou. Esta pintura en particular refleja su habilidad para capturar la intimidad y la belleza en escenas cotidianas.




Gerrit Dou fue un pintor holandés del siglo XVII conocido por su maestría en la pintura detallada y su habilidad para capturar efectos de luz y sombra. Se le considera uno de los maestros de la Escuela de Leiden, junto con Rembrandt. Dou fue un experto en el género de la pintura de género, representando escenas cotidianas y retratos con gran realismo y detalle. 




Su estilo se caracteriza por una meticulosa atención al detalle, una paleta de colores rica y una técnica de pincelada fina. Además, utilizaba la luz de manera magistral para destacar elementos específicos en sus composiciones. Dou también era conocido por su habilidad para representar texturas, como el brillo del metal o la suavidad de la tela, lo que contribuía a la impresión de realismo en sus obras.




Dentro de la Historia del Arte, el s. XVII está marcado por lo fructífero y magnífico de la pintura holandesa. Heredera de un legado sin precedentes como es la renovación flamenca de los ss. XV y XVI, tendencia que permitió recuperar la preponderancia de la pintura sobre las demás artes en la Europa moderna antes incluso que en Italia, los Paises Bajos proponen una estética más alejada de lo mítico y lo místico, propio de la Europa del Sur, donde propone una aproximación a la misma humanidad del hombre: las historias bíblicas, los mitos clásicos y los retablos para iglesias ceden su posición temática privilegiada a los retratos burgueses, los paisajes a campo abierto y las escenas cotidianas.


Gerrit Dou tuvo a su padre como primer maestro y a partir de los 15 años ya era alumno de Rembrandt donde puso especial interés en la técnica del claroscuro. Los interiores íntimos de Vermeer también fueron de gran inspiración y, muchas de sus obras nos recuerdan a él. Como por ejemplo en su obra Una mujer tocando un clavicordio. A partir de aquí, creó su propio estilo. Un estilo muy meticuloso, en formato pequeño con pocos modelos en la escena y el uso de materia muerta como elementos sustanciales y con súmmum de detalles.




Todo ello en una original composición en forma de ventana donde ver esa realidad hogareña donde se apreciaban diferentes actividades triviales. Gerrit Dou se esmeraba tanto en su trabajo que se fabricaba sus propios pinceles y se mostraba obsesionado con la pulcritud del ambiente. Cuando pintaba requería de tiempo para una óptima ejecución, un tiempo que muchos modelos no toleraban. Cuentan que tardó 5 días en pintar una mano. Su reputación y el alto precio que alcanzaron sus obras podía permitirse esas creaciones tan concretas y perfectas. Entre sus clientes se encontraban la reina Cristina de Suecia, el archiduque Leopoldo Guillermo y el rey Carlos II de Inglaterra.




Las características de Gerrit Dou en sus cuadros eran el uso de la luz artificial, la técnica del trampantojo y, la repetición de sus modelos en la escena. Como ocurre en sus obras Anciana desenrollando hilos, Anciana leyendo o La cocinera, que resulta ser la misma modelo de edad avanzada que identificamos como la madre de Rembrandt. Por toda su entrega, se ganó su respeto y el éxito le acompañó a lo largo de toda su vida.













Bibliografía : https://historia-arte.com

lunes, 8 de abril de 2024

Retrato de Mademoiselle Rose Worms obra de un destacado artista francés Louis-Maurice Boutet de Monvel(1851-1913)


Retrato de Mademoiselle Rose Worms obra de un destacado artista francés Louis-Maurice Boutet de Monvel(1851-1913) del año 1900 actualmente se encuentra en Museé de Giverny situado en l’Eure, en Normandía _ Francia.

Conocido principalmente por sus ilustraciones y pinturas, especialmente de temática infantil. Nació en 1851 y falleció en 1913. Fue miembro de una familia de artistas y actores. Su estilo se caracterizaba por ser detallado y delicado, con una influencia notable del arte japonés. Además de su trabajo como pintor, también ilustró numerosos libros infantiles, ganando reconocimiento por su habilidad para capturar la inocencia y la imaginación de los niños en sus obras.

  



El estilo de Louis-Maurice Boutet de Monvel se caracterizaba por ser detallado, refinado y con una marcada influencia del arte japonés, especialmente en el uso de líneas y composiciones elegantes. Sus obras eran conocidas por su cuidado en los detalles, la precisión en la representación de las figuras y la atención a la luz y el color. Boutet de Monvel tenía una habilidad especial para capturar la belleza y la serenidad en sus obras, y a menudo se centraba en temas relacionados con la infancia y la naturaleza. Su estilo único y distintivo lo convirtió en uno de los artistas más reconocidos de su época. Además de su trabajo como pintor, también ilustró numerosos libros infantiles, ganando reconocimiento por su habilidad para capturar la inocencia y la imaginación de los niños en sus obras.






Se trata de un retrato de Mademoiselle Rose Worms, hija de dos socios de la Comédie-Française, pintado por Louis-Maurice Boutet de Monvel, quien proviene de una dinastía de actores. Uno de sus antepasados, conocido como "el gran Monvel", era actor y dramaturgo, también socio de la Comédie-Française antes de partir a Suecia para dirigir el teatro francés de Estocolmo y luego regresar a Francia en 1888.. Esta obra fue adquirida por el Musée des Impressionnismes de Giverny a través de la galería Matthieu Néouze.


Jacques-Marie Boutet, conocido como "Le Grand Monvel", fue un destacado actor y dramaturgo francés del siglo XVIII. Fue uno de los antepasados de Louis-Maurice Boutet de Monvel, el artista del que estábamos hablando anteriormente. Jacques-Marie Boutet fue también socio de la Comédie-Française y tuvo una carrera teatral notable. Además, se le conoce por haber dirigido el teatro francés de Estocolmo en Suecia en un momento de su carrera.




viernes, 5 de abril de 2024

Marc Chagall (1887-1985)

Marc Chagall (1887-1985), cuya vida atravesó dos guerras mundiales y un exilio, dejó una obra profundamente anclada en la historia del siglo XX. Encarnación del desarraigo y de la migración, como tantas figuras de su obra, el artista transitó por el mundo al albur de las convulsiones de su siglo, desde su infancia en la Rusia blanca hasta Francia, de Alemania a Palestina y de Estados Unidos a México, hasta instalarse finalmente junto al Mediterráneo.




Esta exposición, fruto de la colaboración entre La Piscine – Musée d’Art et d’Industrie André Diligent (Roubaix), Fundación MAPFRE y el Musée national Marc Chagall de Niza, plantea un amplio recorrido por su obra a la luz de los acontecimientos históricos que Chagall tuvo que enfrentar y las tomas de postura que adoptó ante ellos, en una propuesta que representa la primera lectura completa de su obra desde esta perspectiva: la de su idealismo sin condiciones, su inamovible creencia en la paz universal y el firme compromiso sociopolítico que de ella se deriva.





Ya no puedo soñar al leerlo como en otros tiempos. Tenemos ante nuestros ojos su tumba derruida, sin césped ni inscripción. No podemos quedarnos callados; no podemos hablar sobre su mundo cuando el mundo entero fue testigo de cómo arrojaron al abismo al propio artista. Este país, este pueblo.

Ha llevado a la tumba a nuestros artistas y ha profanado sus sepulcros. Maldecir el país de Nietzsche y Wagner sería quedarse muy cortos. 

¿Qué judíos nos interesamos hoy por las maneras de pensar de Peretz? A veces tengo la impresión de que no somos nosotros, los vivos, quienes seguimos su camino, sino los muertos, los mártires difuntos y esos miles de héroes que luchan en tal o cual lugar [quienes han seguido sus ideas]. Sin embargo, estoy convencido de que nuestro pueblo de desarrapados volverá a salir con paso alerta y las manos cubiertas de barro de su gueto-cueva e inscribirá en los corazones de nuestros nietos una nueva Biblia patrimonial.





Y tal vez yo mismo tenga fuerzas para pintar nuestro exilio en color sangre al lado del furgón mortuorio. Nuestra creación fraternal, unida y vengadora será lo inicio que nos permita resucitar la tumba de Peretz, como los antiguos y nuevos creadores. Se la llevaremos a Peretz para su nuevo jubileo. Los que hemos quedado con vida en la Tierra lo conduciremos otra vez con mucha pompa a su cementerio y volveremos a depositarlo en su mausoleo reconstruido. Pero mientras hablaba me he puesto muy triste. No puedo remediarlo. Estoy rojo de vergüenza.






A veces tengo ganas de acostarme donde descansa él. Tengo ganas de pedirle a quien sea: no me agobies con un sentimiento de ostracismo respecto a mis hermanos, que bastante separados y reñidos están ya. Siento que al punto me rodea un sudario de luz y me hundo en un pozo de sueño. ¿Qué veo? Un reloj de pared roto y a un judío viejo que recoge leña y se sienta a recitar salmos. El cielo ha juntado sus escasas nubes. Se extiende por la oscuridad, negro como las filacterias. No sé qué hacer con mi cuerpo. De pronto ha pasado por los aires un chal blanco, como un humo fino, y se ha posado sobre mí como un dosel nupcial sobre mi cama. Prorrumpo en gritos y me aferro: es mi imagen, dándome fuerzas. Escucho atentamente: está hablando. Desprende un olor asfixiante a gas. La abrazo y ella flota. De sus húmedas mejillas de muchacha caen lágrimas.




Durante el verano de 1914, a su vuelta a Vitebsk, donde permanece a causa del estallido de la Primera Guerra Mundial, Chagall abordó una serie de pinturas con el motivo de su ciudad natal y en torno a las costumbres de su comunidad. Ambos aspectos le servían como anclaje y con ellos mantenía sentimentos contrapuestos, felices en ocasiones, otras veces nostálgicos y apocalípticos.




La Casa gris ofrece una visión naturalista, mezclada con elementos del cubismo que había trabajado el artista en la capital francesa, tal y como se puede ver por el modo de representar la casa, una tipica construcción campesina de las que se encontraban a orillas del río Dviná, a partir de planos y con una perspectiva irreal. Por su parte, la pequeña figura que aparece a la izquierda, posiblemente un autorretrato del propio artista, introduce al espectador en un mundo fantástico y onírico. Se trata de una forma de elaborar las representaciones característica de estos años, en los que el artista trata de conciliar la «efervescencia» cultural vivida durante los años parisinos, y su conocimiento de los movimientos de vanguardia, con la serenidad propia de su ciudad natal. During the summer of 1914





La obra del gran artista ruso se nos presenta que como pensaba y así en una lectura nueva, una sorprendente revelación de la forma en que su pintura, que nos resulta tan reconocible como fascinante, encierra también un conmovedor testimonio de nuestro tiempo.





Bibliografía : https://www.fundacionmapfre.org


miércoles, 3 de abril de 2024

La liebre obra de Alberto Durero


La liebre es una obra del pintor alemán Alberto Durero, realizada en el año 1502. Fue pintada con acuarela y gouache sobre papel, con unas dimensiones de 25,1 cm x 22,6 cm. Actualmente se conserva en el Museo Albertina de Viena _  Austria.



El arte de Durero ha ejercido una influencia intensa y duradera en el arte occidental, fundamentalmente gracias a la masiva circulación de sus grabados, tanto originales como copias. Durero es, al igual que Rembrandt y Francisco de Goya, uno de los escasísimos genios del arte europeo que crearon con igual dedicación pinturas y grabados. De ellas, 350 son xilografías y 105 son grabados sobre matrices de metal (cobre, hierro), en su gran mayoría trabajados a buril (Durero produjo solamente tres grabados a punta seca y seis aguafuertes)


Pintada en su taller, La Liebre está considerada como una obra maestra de arte observacional junto con su otra gran acuarela Gran mata de hierba pintada al año siguiente. El motivo ha sido dibujado con una calidad casi fotográfica y a pesar de que la pieza es tradicionalmente conocida como Liebre joven, el retrato del animal es lo suficientemente detallado como para identificarlo como un espécimen adulto.




La liebre tiene un significado simbólico muy importante en la obra de Durero. Durante el Renacimiento, la liebre era un animal muy apreciado por su rapidez y ligereza, así como por su carácter grácil y elegante. La liebre a menudo se representaba en el arte de la época, ya sea en pinturas, grabados o tapices.

En la obra de Durero, la liebre es un motivo recurrente, lo que demuestra el interés del artista por este animal. La liebre a menudo se representa de una manera muy realista y naturalista, con gran atención al detalle en su pelaje y ojos. La liebre también se representa a menudo en posiciones graciosas y elegantes, lo que refuerza la impresión de ligereza y delicadeza.




Sobre este reflejo hay un debate abierto. Según unos sería la prueba de que Durero utilizó una liebre que mantuvo en cautividad para usarla de modelo. El reflejo que se ve en el ojo sería la ventana de su taller. Otros, sin embargo, creen que el maestro simplemente utilizó una liebre muerta para copiar los detalles y por eso el reflejo del ojo no sería más que un recurso habitual, usado por Durero en otras obras, que servía para dar más vivacidad a los ojos de los personajes.



La idea de que Durero pintó la liebre en un estudio / taller también se cuestiona porque el artista a menudo pintaba efectos como la luz reflejada para agregar más vitalidad al tema para que parezca más real. Por lo tanto, la reflexión podría ser simplemente un efecto para dar a la liebre más realismo. En la parte inferior de la página o composición está el monograma de Alberto Durero, que aparece casi como una firma de logotipo, que representa las iniciales del artista «A» y «M», así como la fecha, «1502», sobre ella.



La liebre joven aparece en varios tonos de Marrones, desde tonos más claros hasta tonos más oscuros. También hay áreas de color blanco mezclado con marrón donde su pelaje es más suave y esponjoso cerca de su área del estómago, así como cerca del lado derecho (nuestro izquierdo) de su cara.

También aplicó lo que se conoce como un «lavado» y luego más variaciones de colores utilizando la pintura de la carrocería y la acuarela para rellenar el pelaje, así como otros detalles como los ojos. Aplicó capas de pintura para crear varios efectos de color y textura.




También hay una fuente de luz, que parece originarse a la izquierda de la composición y proyecta la sombra de la liebre a la derecha de la composición. Si el reflejo en el ojo de la liebre es de hecho la ventana del estudio / taller de Durero, la fuente de luz podría originarse en ella.

Durero representó a la liebre frente a nosotros, los espectadores, pero desde un ángulo; principalmente vemos el lado derecho del cuerpo de la liebre. Además, el ángulo también es ligeramente desde arriba, como si estuviéramos mirando hacia abajo a la liebre. Esto crea más dinamismo en la pintura y proporciona contraste.


Según los informes, se hicieron alrededor de 13 copias del conejo de Durero, un término más entrañable ya que nos hemos encariñado con este pequeño mamífero a lo largo de los siglos. Sin embargo, la liebre joven también fue copiada por Hans Hoffmann, otro artista alemán, que también produjo muchas otras pinturas de estudios de la naturaleza.










Bibliografía : https://mundoarte.net

                    https://www.artmajeur.com

lunes, 1 de abril de 2024

Itchan Kala en Jiva _ Uzbekistán.


Itchan Kala es la villa amurallada ubicada en el interior de la ciudad de Jiva, en Uzbekistán. Se encuentra al sur del río Amu Darya y está protegida por grandes muros de piedra de 10 metros de altura. Este lugar era el último punto de abastecimiento de las caravanas que cruzaban el desierto persa (Irán). Aunque no se han conservado en su totalidad, los monumentos que aún persisten aquí son grandes ejemplos de la mejor arquitectura propia del centro de Asia.


La historia nos cuenta que esta ciudad fue el corazón del antiguo reino de Khorezm durante el siglo IV, famoso en la antigüedad por su habilidad en las técnicas de regadío y transporte de agua, que convirtieron esta parte del desierto en una próspera tierra de pastos y cultivos.


La ciudad cayó bajo el dominio árabe en el año 712, luego pasó a manos mongoles desde el año 1221 y finalmente fue conquistada por los uzbekos en 1512, convirtiéndose en un kanato un siglo después. Durante el siglo XIX, esta ciudad disfrutó de un periodo de independencia hasta la llegada de los rusos en 1873, pasando a formar parte del protectorado de Rusia.


La ciudad tiene un diseño rectangular, dividido en dos zonas principales: el exterior, conocido como Dichan Kala, que en tiempos pasados también contaba con murallas y fortificaciones, y la zona interior o Itchan Kala. Desafortunadamente, son pocas las construcciones anteriores al siglo XVII que han permanecido intactas; aquellas de mayor importancia cultural han sido reconstruidas, como es el caso de la Mezquita Djuma, restaurada en 1789.


Los edificios de carácter público se encuentran ubicados en torno al eje Este-Oeste de la ciudad, mientras que la antigua fortificación se sitúa al norte de la misma; con el tiempo, este edificio se convirtió en el palacio del Kan Alla-Ulli.






Bibliografía : https://patrimoniosdelahumanidad.com



La soledad Obra de Marc Chegall.


Marc Chagall (1887-1985), junto a su esposa Bella Rosenfeld (1895–1944), quien fue su compañera hasta su fallecimiento en 1944, disfrutaron de 29 años juntos. A lo largo de su vida, Chagall se refería a Bella como su "nishoma" (su alma)

Su obra titulada "Soledad" en 1933, ejemplifica un tratamiento cultural de la alienación, más que de la soledad en el sentido convencional.La intención de Chagall era representar la cultura judía en un momento crucial de Europa. Utilizó elementos como el buey de sacrificio, el rollo de escrituras y la imagen de un rabino histórico o anciano para personificar el judaísmo. Esta obra se encuentra actualmente en exhibición en el Tel Aviv Museum of Art en Tel Aviv, Israel, y también fue vista en la Fundación Mapfre en Madrid, España.


Es una pintura delicada repleta de simbolismos: un rabino abatido, con una espesa barba, vestido con el manto de la oración, sostiene con su mano izquierda, cerca del corazón, una Torá enrollada. Está sentado en el césped y a su lado hay un violín y una vaca blanca de mirada triste. En el horizonte, un ángel sobrevuela un pueblo cercano, pero unas nubes oscuras amenazan con atraparlo.


Sin duda se trata de una alegoría de Ahasverus, el judío errante, que resume, en su tristeza, la persecución milenaria de su pueblo, alentado por la esperanza que el ángel representa pero perseguido por una temible tormenta; el violín, la metáfora de los judíos del este, que recuerda el dolor del profeta Jeremías por la destrucción de Jerusalén; y la vaca, la bíblica profecía de Oseas, “como una vaca indómita, es indómito Israel”. Lo más fascinante del cuadro es la tristeza con la que nos envuelve la mirada, hasta el punto de que, siendo una pintura repleta de elementos, consigue ser el retrato de un hombre eternamente solo, abandonado a su destino trágico. Personalmente, sentí una enorme soledad al contemplarlo.



Marc Chagall nos cuenta: "He encontrado esta noticia en Beaux-Arts y no puedo evitar hablarles de ella. Es una idea hitleriana. Los conservadores de los museos alemanes han recibido la orden de reunir en una sala de las infamias las obras de arte 'demasiado' modernas adquiridas en los últimos años bajo el régimen democrático. ¡Guerra al 'Kulturbolchevismus'! Contrariamente a lo que se podría creer, el criterio elegido no es de tipo confesional, sino puramente estético.

En la picota ya están Beckmann, Paul Klee, Chagall y Munch, y al pie de cada una de sus obras se lee: 'Este cuadro costó tantos miles de marcos y se pagó con dinero alemán'. Resulta muy halagador -prosigue Chagall- ser despreciado por los alemanes de Hitler, pero ¿qué harán con mis cuadros esos brutos? En lo tocante a su dinero alemán, nunca he cobrado un solo pfennig. Mis pinturas fueron confiscadas durante la guerra y son los alemanes quienes han ganado dinero entre ellos con mis cuadros. ¿No se me podría, al menos, informar sobre este punto?"




Marc Chagall se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.

La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fovismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani.







Fotografía por gentiliza de El Poder del Arte




































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viernes, 22 de marzo de 2024

Los vitrales más espectaculares del mundo Obras de arte en La Santa Capilla en París _ Francia

La Santa Capilla, también denominada Capilla Real de la Île de la Cité, es un templo gótico situado en la Isla de la Cité, en el centro de la ciudad de París_ Francia. Conocidos por los vitrales más espectaculares del mundo que parecen caleidoscopios gigantes.

Se construyó a petición de Luis IX, quien deseaba construir en su propia residencia, el palacio de la Cité, un templo destinado a adorar las reliquias que había ido adquiriendo.
La tradición oral atribuye su autoría al arquitecto Pierre de Montreuil (1200-1266), que construyó en realidad dos capillas: la capilla baja, dedicada a la virgen y destinada al pueblo, y la capilla alta, que atrajo todas las miradas desde 1248.



Para llamarse “Santa”, ésta debía estar construida para albergar una reliquia. Tal es el caso de la sorprendente Sainte-Chapelle, mandada a edificar por el Rey Luis IX para alojar la Santa Corona de Espinas de Cristo, pero también otras 21 reliquias que el monarca fue adquiriendo. El objetivo diplomático de San Luis, que valga decirlo fue un rey muy piadoso, era convertir a París en una nueva capital cristiana, entrando en competencia con ciudades como Roma. Hoy no hay ninguna reliquia en este lugar.





Maestro del gótico radiante y principal arquitecto del reinado de san Luis. En París construyó ademas de La Santa Capilla, el refectorio y la capilla de la abadía de Saint-Germain-des-Près. Desde 1265 dirigió las obras de la catedral de Notre-Dame, terminando la fachada S y construyendo las capillas inmediatas y la Puerta Roja.






Gracias a las innovaciones del sistema constructivo gótico, prácticamente carece de soportes murales (paredes) existiendo en su lugar multitud de vanos que filtran la luz a través de las vidrieras policromadas.



Se superponen en ella dos capillas, la inferior para la gente común, y la superior para la corte del Rey, como era costumbre en las construcciones de los palacios reales de la Edad Media. En principio, no se podía acceder a la capilla alta más que por medio de las galerías superiores del palacio ya que no se contempló la construcción de una escalera exterior.



El techo, sostenido por infinidad de columnas soporta el peso de todo el edificio; la capilla baja se construyó por su utilidad funcional y arquitectónica ya que permitió aliviar al máximo la construcción de la capilla alta y soportar todo el peso de la misma.







Esta parte tiene planta de salón con tres naves; la del centro más grande; de detallada decoración policromada. La superior tiene una nave de 20 m de altura. Sobre cada pilastra se levanta la estatua de un apóstol. La esbeltez de las cortas columnas hace que la bóveda parezca más ligera.


Desde el punto de vista decorativo, se distinguen dos tipos de columnas en la Capilla Baja: las columnas azules decoradas con flores de lis, símbolo de la realeza francesa, y las columnas rojas decoradas con castillos de oro, símbolo de Castilla, por ser Luis IX hijo de Blanca de Castilla.


La superposición era de las dos capillas: una para la gente común en el nivel inferior como acabo de mencionar, y otra capilla superior en la que se guardaban las reliquias. A ella sólo tenían acceso el Rey y sus personas de confianza, y también el Colegio de Canónigos, responsable de los oficios; todos ellos podían entrar a través de un paso exterior unido al antiguo palacio; siendo la capilla del nivel inferior la usada como lugar de culto del resto del personal.


                                                        Detalle del pórtico superior


El rosetón trasero de la Sainte-Chapelle representa el Apocalipsis y fue renovado en 1490. En esa época, renovación quería decir moda, por tanto no se restauraba realmente lo que se había construido y en ese momento, la tendencia era el estilo gótico flamígero (es decir con forma de flamas o llamas de fuego) y no gótico radiante (por la forma de las líneas que salían desde el centro, formando rayos de luz) que seguramente vio o verá en la Catedral de Notre Dame.





Esta iglesia fue concebida como un enorme relicario de piedra y vidrio, que al mismo tiempo ejercería la función de capilla palaciega, ya que fue erigida en el interior del Palacio Real medieval. De este palacio el único resto todavía existente es la muy cercana Conserjería, que en siglos posteriores recibiría otros usos, entre ellos el de prisión real (de hecho fue la última morada de la reina María Antonieta antes de ser decapitada en 1793).


Sucesivamente los reyes de Francia se trasladarían al Louvre y posteriormente a Versalles, por lo que casi todo el complejo palaciego sería destruido y acabaría siendo sustituido por el Palacio de Justicia, que hoy rodea completamente la Santa Capilla.



Aunque el estilo arquitectónico es claramente diferente, la coincidencia de materiales confiere al conjunto la suficiente armonía, lo cual es una constante en la capital gala.

Mi admiración se acentúa al contemplar el grandioso trabajo realizado en vidrio, que cubre la mayor parte de la superficie construida en la capilla superior. Así, prácticamente los altísimos muros dan la impresión de haberse volatilizado. Por su parte, el visitante se siente como si estuviera en el interior de un gigantesco caleidoscopio.



Las vidrieras son la gran maravilla de este edificio. Recorren los muros de la capilla superior en todo su perímetro. Son 15 vidrieras originales del siglo XIII, perfectamente conservadas a pesar de haber pasado por numerosas revoluciones y guerras. Precisamente sobrevivieron a las dos guerras mundiales porque fueron desmontadas cuidadosamente y almacenadas en un lugar seguro tanto en 1914 como en 1939. En todo caso, debemos recordar que la capital francesa acabó saliendo incólume de ambas conflagraciones porque no fue bombardeada en ninguna de las dos. Pero eso no lo podían saber entonces.

Detalle del suelo de la capilla 









Bibliografía : https://lagartorojo.es
                     https://www.descubreparis.com
Fotografías:© El Poder del Arte.