"El despertar de la conciencia" obra del pintor ingles William Holman Hunt del año 1835 y con unas dimensiones 76,2 x 55,9 cm. Actualmente se encuentra en el museo Tate Britain, en Londres _ Inglaterra.
El cuadro representa una escena interior con una pareja de jóvenes sobre un diván. La muchacha mira a través de una ventana, (el espectador ve el reflejo de la misma en un espejo situado detrás de la joven) y ve una luz resplandeciente que representa a Cristo, hecho que le hace despertar su conciencia religiosa.
El tema es claramente moralizante: la redención de la mujer caída. Este tipo de representaciones fueron muy populares en la era victoriana, una época de estricta moralidad puritana.
Hunt uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita junto a Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais, que proponían un retorno a la sinceridad en el arte frente a los clichés de la pintura académica. Hunt fue quizás el más espiritual de los tres. su arte destacó sobre todo por sus pinturas religiosas y llegó a viajar a Palestina para documentarse sobre el terreno (y de paso consumir un poco de hachís para inspirarse).
La escena se presenta en un lujoso salón de una típica casa de campo inglesa. En un diván aparece recostado un joven bien vestido, que por su porte y elegancia se denota que es de buena posición social. En su regazo se sienta una joven hermosa a medio vestir, ya que la prenda blanca con encajes que lleva es una enagua.
Lleva anillos en todos los dedos excepto en el que tradicionalmente se colocaba el anillo de casada. Se sobreentiende que la muchacha es su amante y que el joven mantiene esta casa para ella. El sombrero sobre la mesita de la izquierda indica que el caballero está de visita.
La muchacha está en posición de levantarse, representando el momento exacto del despertar de su conciencia. Inicialmente, la expresión de la joven era más pesarosa, lo que no agradó al comitente de la obra, que le pidió al pintor que la cambiase por otra más dichosa.
El mayor simbolismo de la escena se encuentra en la luz que se filtra del jardín. En La luz del mundo Hunt relacionó la imagen con el pasaje bíblico que identifica a Cristo con la luz, mediante la frase «yo soy la luz del mundo, aquel que me siga no andará en las tinieblas, pues tendrá la luz de la vida».
En esta obra el pintor retrató de nuevo la simbólica luz de Jesucristo a través de la luz del jardín que se cuela por la ventana. Por otro lado, las flores del jardín son rosas blancas, símbolo de pureza.
La luz directa incide tan solo en una pequeña porción del cuadro, la esquina inferior derecha, encima de la pata del piano, donde se ven unos hilos de lana deshilachados de la tapicería, con un claro simbolismo: los hilos son el camino de perdición de la joven, y la luz es su salvación.
En la imagen hay otros diversos elementos a destacar, algunos de ellos también cargados de simbolismo: el papel de la pared presenta imágenes de Cupido dormido mientras vigila el maizal y la viña, circunstancia que aprovechan los pájaros para comerse sus frutos; es una metáfora de la castidad de la joven, la cual debe vigilar como un campesino su cosecha.
El piano de la derecha tiene la partitura de la canción inglesa Oft in the Stilly Night, que trata sobre la inocencia de la infancia. Encima del piano hay un reloj esculpido con la imagen de la Castidad atando a Cupido, de nuevo la contención frente al amor.
Bajo la mesita de la izquierda hay un gato que intenta atrapar un pájaro, una prefiguración del caballero que juega con su amante, aunque el vuelo del pájaro simboliza de nuevo la salvación de la joven.
En la esquina inferior izquierda hay una partitura, Tears, Idle Tears, una adaptación de Edward Lear de un poema de Alfred Tennyson que aludía al contraste entre la inocencia pasada y los infortunios presentes. Por último, en la parte inferior central del cuadro hay un guante tirado, que simboliza el destino que aguarda a la joven si continúa la relación con su amante.
Como otros pintores pre-rafaelitas destaca su gusto por el detalle, pero Hunt era mucho más colorista y llevaba al extremo el simbolismo en su obra. Para Hunt, un artista servía para revelar la correspondencia entre signo y realidad.
Además del lienzo, Hunt diseñó el marco, de lujosa decoración, con diversos emblemas alusivos al tema representado, como caléndulas, símbolo de tristeza, y campanas, que señalan el peligro.
Todas sus pinturas concedían una gran atención al detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos bíblicos. Para Hunt, la tarea del artista consistía en revelar la correspondencia entre signo y realidad. De todos los componentes de la Hermandad Prerrafaelita, fue Hunt el que mostró más fidelidad a sus planteamientos a lo largo de toda su vida.
Bibliografía : https://historia-arte.com/
https://es.wikipedia.org/
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