Helen Day Hale (1855 – 1940)

La pintora y grabadora estadounidense Helen Day Hale (1855 – 1940), estudió arte en París y pasó su vida artística entre París, Londres y Boston. Expuso en el Salón de París y en la Real Academia de las Artes.

Una pintora influenciada por la escuela de Barbizón, que más tarde derivó hacia el impresionismo. Se dedicó, sobre todo, a los retratos, escenas de género y paisajes. También, fue una de las primeras mujeres en trabajar como grabadora en su país.

Autorretrato del año 1885 

Hale comenzó a pintar su autorretrato en 1884, trabajando en la casa de su familia en Roxbury, Massachusetts, y en su casa de verano en Matunuck, Rhode Island. La pintura, muestra a Hale mirando con confianza al espectador con la mano derecha colgando ligeramente sobre la silla. Vestida de negro, usa un vestido con botones y un cuello de piel, cubierto por una chaqueta suelta.

Helen Day Hale 2, 1900 

Cuando Hale mostró la pintura por primera vez a sus instructores en 1885, la artista Bouguereau criticó significativamente el tamaño y la posición de la mano y alentó a Hale a hacerla más "bonita". Sin embargo, Hale no hizo ninguno de los cambios sugeridos en la mano, negándose a ajustar su trabajo a las nociones idealizadas y académicas de la belleza. El peso de la composición de su mano también es notable porque era extremadamente raro que artistas de cualquier género se retrataran a sí mismos mirando directamente a la vista.

La tranquilidad 1900,

Hale consiguió como la mayoría de los pintores impresionistas una pureza y saturación del color, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos.

Morning News, 1905

La luz era la palabra clave en sus composiciones. Lo exacto de las formas pasó a un segundo lugar, dejando que tomaran protagonismo las impresiones que la luz reflejaban. 

La iglesia de la Madeleine en París

La iglesia de la Madeleine es un templo de estilo neoclásico, cerca de la plaza de la Concordia, situado en París_ Francia. Llama la atención por su arquitectura en forma de templo romano, inspirado en la Maison Carrée de Nimes.

La Maison Carrée de Nimes.

Los primeros intentos de construcción de la iglesia tuvieron lugar en el año 1764 pero, tras la muerte del arquitecto del rey, Pierre Contant d'Ivry en 1777,será reconstruida con planos de Guillaume Couture . Tras el estallido de la Revolución las obras volvieron a suspenderse mientras se debatía el futuro uso del edificio.

El edificio está formado por 52 columnas corintias de 20 metros de altura que le otorgan un aspecto imponente. En la fachada principal se sitúa un extenso frontón en el que se representa un altorrelieve de El Juicio Final.

Las esculturas del El juicio final en el frontón es obra del escultor francés Henri Lemaire (1798 -1880). Sus numerosos bustos de retrato y estatuas forman parte de la mejor escultura francesa.

La columnata de orden corintio que rodea el edificio forma un peristilo que define la imagen general del edificio. El basamento eleva el conjunto y los separa del nivel de la calle dándole una posición predominante en el espacio de la plaza desde la que se tiene una magnífica vista de la Rue Royale y el obelisco de Luxor. Dos puertas monumentales de bronce forman la entrada.

Tras ver el exterior neoclásico del edificio, relativamente austero, el interior se presenta mucho más exuberante. De estilo barroco, el interior destaca por el gran número de esculturas, pinturas y mosaicos que contiene. El espacio interior está iluminado por tres óculos situados en el centro de las cúpulas del techo. Desde el exterior éstas no se perciben al estar cubiertas por el tejado a dos aguas del templo.

Éste es el único fresco en todo París en el que aparece la figura de Napoleón Bonaparte con su traje de coronación junto a Cristo, María Magdalena, los apóstoles y los personajes que más marcaron la historia del cristianismo: Constantino, Clovis, Godofredo de Bouillon, Frédéric Barberousse, Juana de Arco, Dante, Raphaël y Pío VII. Los mosaicos de estilo neo bizantino son obra de Charles-Joseph Lameire, Las pinturas son obra de Paul Delaroche, 

El escultor italiano afincado en París, Carlo Marochetti, talla la gran estatua de María Magdalena para el altar. nombrado barón por el rey de Cerdeña, Carlos Alberto de Cerdeñay fue nombrado Caballero de la Legión de Honor.

La estructura de La Madeleine es de piedra y su cubierta, de bronce. En el exterior el edificio tiene una estructura trilítica, compuesta por columnas y dinteles. En el interior el edificio adopta un sistema de cúpulas y paredes de carga. Los materiales utilizados son, en el exterior principalmente piedra, y en el interior mármoles de diferentes colores para el recubrimiento de las paredes; dorados para los frisos, capiteles y demás detalles.

Juana de Arco patrona de Francia 

Para terminar, muchas artistas se inspiraron en este templo, como el pintor Eugène Galien-Laloue (1854-1941). Muy conocido en Francia, sus pinturas de los años 1900 representan con exactitud la época en que vivió: una vida feliz, animado de París, la Belle Époque, con carruajes tirados por caballos, los tranvías y sus primeros ómnibus. Obras Galien-Laloue se valoran no sólo por su contribución al arte del siglo 20, pero para la historia real, que el documento.

Bibliografia : https://es.wikiarquitectura.com

"La dama de blanco" obra de Marie Bracquemond

"La dama de blanco" obra de Marie Bracquemond (1840-1916), del año 1885 y con unas dimensiones de 180,5 x 105 cm. Actualmente se encuentra en Museo de Orsay en París _Francia.

Considerada por el crítico de arte Gustave Geffroy, como una de los tres grandes damas del Impresionismo, Marie Bracquemond cuyo verdadero nombre era Marie Anne Caroline Quivoron, estuvo relegada durante largo tiempo a la sombra de su marido, el también pintor Félix Bracquemond. En sus obras, la artista se centra principalmente en escenas domésticas con un estilo sencillo y espontáneo, que no carece de encanto. Expuso por primera vez en el Salón de París de 1859 y desde entonces comienza a tener un merecido reconocimiento, participando en otras tres exposiciones de los impresionistas, la cuarta, la quinta y la octava.

Nació Argenton-en-Landunvez, una pequeña localidad francesa cercana a Brest. De niña vivió una existencia nómada, en la que su familia se desplazaba una y otra vez al ritmo de los cambios de destino laboral de su padrastro, pero eso no evitó que en 1849 comenzara a recibir clases de pintura junto con su hermana. 

Pronto demostró suficiente talento como para que, en 1857, un retrato en el que tomó como modelos a su madre, a su hermana y a su profesor fuera aceptado en el Salón de París, la gran exposición organizada por la Academia de Bellas Artes que marcaba las tendencias y los nombres que verdaderamente importaban en el mundo artístico.

Allí, la obra de Marie llamó la atención del pintor Ingres, quien la tomó como discípula. Pronto se convirtió en una de las alumnas más destacadas del famoso artista, quien le consiguió un empleo para hacer copias de las obras maestras del Museo del Louvre. Fue precisamente en una de esas sesiones cuando el pintor y autor de aguafuertes Félix Bracquemond la descubrió. El enamoramiento fue inmediato; en 1869 se casaron, y un año después la pareja tuvo a su primer y único hijo, Pierre.

Bracquemond admiraba el talento de su esposa. En un principio, la apoyó para que perseverara, e incluso la introdujo en el círculo de sus amistades artísticas, que incluían al núcleo duro de los pintores impresionistas, no era nada habitual, ni era bien visto, que una mujer pintara al aire libre. 

Sin embargo, algo se rompió. Probablemente la admiración de Félix hacia la obra de su mujer derivase en envidia, pues su propia carrera artística estaba en ascenso y consideraba que el éxito de ella le restaba brillo. Sea como fuere, comenzó a ser tremendamente crítico con ella, y las discusiones se convirtieron en algo cada vez más frecuente. 

Finalmente, en aras a la paz familiar, y dado que al salirse del circuito artístico ya prácticamente nadie la tenía en cuenta, en 1890 optó por una solución drástica: dejó de lado definitivamente los pinceles. Ya sólo haría algunas escasas obras, nunca exhibidas públicamente, hasta su muerte en 1916.

Sólo el testimonio posterior de Pierre, el hijo de Marie y Félix, pervivió para recordar el talento desperdiciado de su madre, y cómo su carrera había sido cercenada por su marido. Hoy, apenas es posible encontrar cuadros de ella en las colecciones públicas, lo que dificulta su reconocimiento y su inserción en el panteón oficial del impresionismo. Las obras mayoritariamente repartidas por colecciones privadas permiten apreciar el camino sesgado que la habría reivindicado como una integrante más de la nómina reconocida.

Bibliografía : https://www.elespanol.com/

"El murmuro del Ángel" obra de Benjamin Spence

El escultor inglés Benjamin Spence nació en Liverpool (1822 - 1866), de una saga de familias de escultores, logró cierto reconocimiento en su época. Viajó a Roma a la edad de veinticuatro años. En 1854, el príncipe Alberto encargó "Highland Mary" para el cumpleaños de la reina Victoria. 

Años después, la reina encargó otra obra de Spence, "La dama del lago", como compañera de la "Highland Mary". Ambas obras están, hasta donde sé, en Balmoral. Finalmente como reconocimiento consiguió comisiones del Palacio de Buckingham. Se convirtió en un protegido de John Gibson. Gibson había sido colega de William Spence, el padre de Benjamin, y en la cima de su carrera fue considerado el mejor escultor vivo.

Él murmuro del Ángel del año 1875 en el Museé d Orsay  

Benjamin Spence se inspiraba en fuentes literarias para muchos de sus temas. Las obras de Spence muestran en general un alto nivel de equilibrio formal, con una expresión cautelosa y raros momentos de dramatismo, de una amplia gama de sentimientos y formas dinámicas, desde la suave ingenuidad juvenil. 

Admirador del neoclasicismo, vivió en Roma y trabajó con uno de los mejores escultores ingleses de la época, John Gibson (1790 - 1866). De su maestro hereda la utilización del mármol blanco. Su textura y color simboliza la pureza y belleza más clásica. Mirando su obra en Museé de Orsay, uno se da cuenta de que William Spence siente realmente lo que hace. 

El murmuro del Ángel fue esculpido a partir de un poema Samuel Lover, que cuenta esta creencia irlandesa: cuando un bebé sonríe durmiendo, es que está hablando con un ángel. 

El escultor Spence es un émulo del neo-clasicismo. Utiliza su tratamiento de los cuerpos y de los volúmenes definidos con precisión, que la luz envuelve sin encontrar asperidades. Pero matiza los aspectos rígidos de su maestro, con un afán por una cierta sentimentalidad, y extrae fácilmente sus temas, no de la mitología griega, sino de Shakespeare, de la literatura romántica inglesa, como aquí, o de la Biblia.

El grupo hace de hincapié los juegos de curvas y de contra curvas: el ángel se inclina con un movimiento muy flexible. La serie de pliegues, el suave arrugado de la cama del niño, subrayan delicadamente las carnes modeladas con matices. El conjunto está marcado con discreción en algunos puntos, como el cabello del ángel, cuyas mechas y corona de flores, están particularmente trabajadas.

Fue en Italia que un importante mercante de Liverpool encargó la obra, que mostrará, entre otras esculturas, en una galería construida para esta ocasión.