La Casa Batlló, obra del arquitecto Antoni Gaudí

La Casa Batlló es obra del arquitecto Antoni Gaudí, máximo representante del modernismo catalán. Se trata de una remodelación integral de un edificio previamente existente en el solar, obra de Emilio Sala Cortés. Está situado en el número 43 del paseo de Gracia, Barcelona _ España.

La Casa Batlló es un reflejo de la plenitud artística de Gaudí: pertenece a su etapa naturalista (primera década del siglo XX), periodo en que el arquitecto perfecciona su estilo personal, inspirándose en las formas orgánicas de la naturaleza,

Antoni Gaudí i Cornet o Antonio Gaudí (1852-1926), fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que debían hacer.

El interior de Casa Batlló es un prodigio del diseño. Gaudí colaboró con los mejores artesanos de la época trabajando hierro forjado, madera, vidrieras, azulejos de cerámica, ornamentos de piedra.

Recorriendo la casa, los detalles no dejan de sorprender. Las puertas de los pisos se identifican con letras de rasgos modernistas. Los vidrios de cada rellano distorsionan los azulejos del patio de luces transformándolos en bellas ondas de agua. Los pomos y pasamanos tienen formas ergonómicas… Es una obra de arte total, donde el artista lo interviene todo: diseño, color, forma, espacio y luz.

Toda esta exuberancia te desborda, pero lo más sorprendente es que siempre está supeditada a la funcionalidad. Belleza y función se unen en cada zona del edificio, desde el vestíbulo a la azotea.

Desde el vestíbulo comunitario de la planta baja, y a través de una imponente reja modernista, se accede al vestíbulo privado de la familia Batlló, primera parada de la visita. Este espacio evoca un ambiente submarino que transporta al mundo fantástico de Julio Verne, con lucernarios que parecen caparazones de tortuga, paredes abovedadas de formas sinuosas y una espectacular escalera de madera. Su pasamanos, tallado en madera noble, representa el espinazo de un gran animal que se eleva por huecos imposibles.

La Planta Noble es el corazón de la Casa, un salón único que representa la máxima expresión del modernismo y que nos explica cómo vivía la burguesía de la época.

En esta planta encontramos, primero, el despacho del sr. Batlló y una curiosa chimenea en forma de seta. Después se accede al salón principal de la Casa donde el protagonista es un ventanal de grandes dimensiones que conforma una tribuna a Paseo de Gracia ideal para ver y ser visto. Entre otros elementos, destacan las grandes puertas de roble con formas orgánicas en las que Gaudí integró vidrios de colores, así como un techo totalmente ondulado, que hace alusión a la fuerza del mar.

El patio de luces es una parte fundamental de la Casa, ya que a través de él se distribuye el aire y la luz que entran por la claraboya principal. Gaudí amplió el patio (había uno e hizo dos) con el objetivo de que la luz natural llegara a todas las habitaciones de la Casa. Además, lo revistió con azulejos de distintos tonos de azules (más intensos en la parte superior y más claros en la inferior) con el fin de

 lograr una distribución uniforme de la luz.

Siguiendo la misma lógica, las ventanas superiores son más pequeñas y conforme descendemos se van haciendo más grandes (para que entre más luz). La parte inferior de las ventanas incorpora unas rendijas de madera que pueden abrirse o cerrarse para graduar la ventilación.

En la parte central del patio de luces, Gaudí instaló el ascensor, cuya hermosa cabina original de madera continúa en funcionamiento.

Desde el comedor privado de la familia Batlló situado en la parte interior de Planta Noble, se accede a un exclusivo patio trasero, un pequeño oasis en medio de la ciudad pensado para disfrutarlo por la tarde. Este espacio destaca por su pavimento y por las jardineras recubiertas de cerámica y vidrio como gran elemento decorativo.

En la azotea, destaca lo que popularmente se conoce como el lomo del dragón, que caracteriza la fachada y que Gaudí representa con tejas de diversos colores.

Sin embargo, los auténticos protagonistas de la azotea son los cuatro conjuntos de chimeneas de formas sinuosas y policromadas, diseñadas para impedir que el aire resople de vuelta hacia adentro.

Nuevamente, belleza y funcionalidad se unen en la Casa más bella y representativa del modernismo catalán.

Bibliografía : https://www.casabatllo.es

Serpent d’Ocean

Esta escultura gigante que recibe el nombre de Serpent d’Ocean es obra del artista franco-chino Huan Yong Ping y esconde un significado relacionado con el medio ambiente. El esqueleto de la serpiente, hecho íntegramente de aluminio, mide 130 metros de largo y refleja la imagen de los dragones mitológicos de China. 

La variación del nivel del mar hace que la serpiente se pueda ver de diferentes maneras a lo largo del día, y está colocada de forma que parezca que está emergiendo de las profundidades

La serpiente que denuncia la crisis medioambiental y la intención del autor es reflejar las consecuencias que pueden darse si persiste el maltrato humano a los océanos. La obra forma parte de la exposición Estuaire, ubicada entre Nantes y Saint-Nazaire _ Francia.

Huang Yong Ping fue una figura prominente en la vanguardia china de la década de 1980, y muchas de sus obras fueron prohibidas por el gobierno chino. En 1989, el artista se mudó a Francia y desde entonces se ha convertido en un ciudadano naturalizado de ese país. A menudo, Yong Ping aborda la identidad y la mezcla de diferentes culturas en su trabajo, por lo que no es de extrañar que el artista presente a un animal relacionado con la mitología china en suelo europeo..

Bibliografía : https://viajes.nationalgeographic.com

Alexander Roslin (1718- 1793)

La condesa de Egmont Pignatelli en traje español, obra de Alexander Roslin (1718- 1793), del año 1763 y con unas dimensiones de 136×103 cm. Actualmente se encuentra en el  Instituto de Arte de Minneapolis en Estados Unidos.

Alexander Roslin se formó como artista en Suecia, comenzando a pintar pequeñas miniaturas desde su juventud. A la edad de dieciséis años se convirtió en alumno del pintor de la corte Georg Engelhard Schröder en Estocolmo, con quien permaneció afiliado hasta 1741 y a través del cual aprendió la técnica de la pintura al óleo practicando en grandes lienzos encargados por la corte. Separado del maestro, en 1741 Roslin se estableció en Gotemburgo, donde permaneció hasta 1745. Mas tarde se quedó en Alemania, donde había sido invitado por el Margrave de Bayreuth.

En 1747 emprendió un viaje a Italia para estudiar a los antiguos maestros de la pintura, visitando Venecia, Bolonia, Ferrara, Roma, Nápoles y Parma con cuya familia Ducal estaba al servicio. Gracias a una carta de recomendación de La Duquesa de Parma, Luisa Isabel, hija de Luis XV, fue enviado a Francia permaneciendo en París. En la capital francesa, Roslin fue recibido con los más altos honores y fue admitido en la Real Academia de pintura: sus obras se exhibieron en el Salón de 1753 y decidió mudarse permanentemente a París. El 8 de enero de 1759, se casó con Marie - Suzanne Giroust (1734-1772) y la pareja tuvo un total de seis hijos, tres niños y tres niñas. En Francia, Roslin hizo algunos de sus retratos privados más bellos y para la familia real francesa, desarrollando cada vez más sus talentos artísticos, especialmente en la ejecución de detalles.

La condesa de Egmont Pignatelli  (1740-1773) fue una de las mujeres intelectualmente más inteligente  y glamorosas de la alta sociedad parisina en la década de 1760. Su padre fue el duque de Richelieu (1696-1788), consejero de confianza del rey Luis XV. A los quince años se casó con Casimir Pignatelli , conde de Egmont (1727-1801), descendiente de dos antiquísimas casas de la nobleza europea, los Egmont de los Países Bajos y los Pignatelli de Nápoles y Aragón.

La condesa patrocinó a muchas de las principales figuras artísticas, incluidos Jean-Jacques Rousseau y Wolfgang Amadeus Mozart. Fue incluida en los más altos círculos de la corte de Versalles, contando entre sus amigos más cercanos al duque de Choiseul , ministro de Asuntos Exteriores.

La condesa probablemente seleccionó a Alexandre Roslin en 1763 como su retratista por sugerencia del barón Scheffer, el embajador sueco en Francia . Se la representa con un vestido de moda al estilo español, una referencia a la ascendencia de su esposo. Enfatizando aún más el tema español está la guitarra a su lado, tenía un talento especial en tocar la guitarra. El marco original tallado a mano es un ejemplo excepcional de los primeros muebles franceses neoclásicos. La emblemática corona incluye la antorcha de Himen y el arco y carcaj de Cupido, ambos alusiones a la dicha matrimonial y confirmación de que el cuadro fue encargado por su marido como regalo.

La fuerza principal de la pintura de Roslin consiste esencialmente en el uso abrumador y expresivo del color incluso más que muchos de sus contemporáneos. Roslin se especializó en el estudio de los detalles y la forma de hacer diferentes materiales, en particular oro, bordados, seda o decoraciones de terciopelo, todo acompañado de un profundo realismo y expresionismo que brilla a través de las caras de sus retratos.

La popularidad de Roslin con su público extranjero y sueco durante su vida es indiscutible. Fue uno de los retratistas más destacados de su tiempo, ampliamente conocido por su habilidad magistral para reproducir las prendas de moda de sus modelos con sus sedas, encajes, perlas y filamentos de oro. La capacidad de Roslin para capturar la personalidad de las personas que representaba lo hizo popular entre sus clientes y nos permite, incluso hoy, unos cientos de años después, seguir sintiéndonos cercanos a las personas que pintó.

Halagó y embelleció a sus súbditos según el ideal rococó. Roslin representó su modelo en una escala de colores fría; en verde, blanco y azul, con los atributos de paleta y pinceles del artista, una forma común en que los artistas se representan a sí mismos.

                                                                                                                                                           

Bibliografía : https://kripkit.com

Abu Simbel, del año 1850

Detalle de la fotografía de una de las colosales estatuas de Abu Simbel, tomada en Nubia del  año 1850, obra del fotógrafo francés Maxime Du Camp. Ubicado en Nubia, al sur de Egipto. La fotografía fue tomada antes de que se llevaran acabo las excavaciones.

Los templos fueron excavados en la roca (speos) durante el reinado del faraón Ramsés II en el siglo XIII a. C., como un monumento dedicado a dicho faraón y a su esposa Nefertari, para conmemorar su supuesta victoria en la batalla de Kadesh y mostrar su poder a sus vecinos nubios.

La fachada del templo tiene 33 metros de altura por 38 metros de ancho y está custodiado por cuatro estatuas sedentes. Todas las estatuas representan a Ramsés II, sentado en un trono con la doble corona del Alto y Bajo Egipto. Cada una de ellas mide unos veinte metros de altura y están encabezadas por un friso de 22 babuinos, adoradores del sol y que flanquean la entrada. Las estatuas y el templo fueron esculpidos en una colina rocosa. La estatua situada a la izquierda de la entrada se partió durante un terremoto y solo quedó intacta su parte inferior.

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