Mujer lavándose los pies en un arroyo obra Camille Pissarro del  año 1894 y con unas dimensiones de 44x 35,8 cm. Actualmente se encuentra en Indianapolis Museum of Art at Newfields _ Estados Unidos.

Camille Pissarro nació en las Antillas el 10 de Julio de 1830 .De familia judía sus padres eran navieros holandeses. Abandonó su hogar por la oposición de sus padres a que se dedicase a la pintura, regresó a Paris y estudió en la Escuela de Bellas Artes.

Fue junto con Monet uno de los fundadores del movimiento impresionista fomentando la pintura al aire libre y de la vida rural de la campiña francesa.

El artista fue testigo de todos los momentos estelares de la revolución pictórica en la Francia del XIX. Tuvo oportunidad de visitar en París la Exposición Universal de 1855, primera en incluir un pabellón de las Bellas Artes. Allí pudo ver lienzos de los aún vivos Ingres, Delacroix o Corot. Este último, el padre de la pintura al aire libre, llegó a dar clases al joven Pissarro.

Esta obra fue realizada en su estudio, debido a la salud del artista. En 1889 a los 59 años, comenzó a sufrir episodios repetidos de dacriotistis aguda en el ojo derecho.

Se sometió a tratamientos homeopáticos y al no experimentar ninguna mejoría se le ofreció el tratamiento quirúrgico ( dacriocistectomía ) que rechazó .

Como tratamiento alternativo intermedio entre estas dos opciones, su oftalmólogo el Dr Parenteau le realizó infiltraciones sucesivas del conducto lagrimal derecho con nitrato de plata para evitar las infecciones de repetición, aunque podemos pensar que esto desde luego esto no evitaría la epifora.

A partir de los 50 años o un poco más adelante comienza esta enfermedad ocular que le acompañará ya hasta el final de su vida veinticinco años después. Además el hecho de que pintase siempre al aire libre, sobre el motivo, acentuaba el problema.

La evolución de su enfermedad puede seguirse muy bien por su correspondencia, en ella Pissarro habla mucho de su dacriocistitis llegando a veces a obsesionarse realmente por ella , ya que impedía sobre todo su trabajo al aire libre.

Desde 1888 que comienza con los síntomas hasta 1903 año de su muerte se pueden contar más de una decena de episodios de dacriocistitis aguda.

Es importante tener en cuenta la evolución recidivante de la enfermedad, ya que en esta época no existían todavía tratamientos satisfactorios para la misma, solamente se podían hacer sondajes repetidos del conducto lagrimal, o la ablación quirúrgica del saco.

Para salir debía llevar siempre una especie de apósito sobre su ojo derecho como le había recomendado su oftalmólogo.El doctor Parenteau le prohíbe salir durante los episodios inflamatorios, que de otra parte eran cada vez más frecuentes.

Y Pissarro que había pintado siempre en el campo y al aire libre en la primera etapa de su carrera, se ve forzado a trabajar en interiores sobre todo en invierno, pudiendo solo trabajar sobre el motivo en verano.

Bibliografía : https://sociedadoftalmologicademadrid.com/

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Nacido en la isla antilla

Bernard Boutet de Monvel

El pintor francés Bernard Boutet de Monvel (1881-1949), su obra abarca la pintura, la escultura, el grabado, llegando a convertirse en un ilustrador de moda, e igualmente, diseñador.

Su padre, Louis-Maurice fue también pintor e ilustrador, por lo que el joven Bernard estaba avocado a saborear los beneficios de tal herencia genética. 

Autorretrato del Bernard Boutet de Monvel

Si bien sus comienzos lo fueron con el grabado, con el tiempo empezó a trabajar la pintura al óleo, decantándose por exponer en la Sociedad Nacional de Bellas Artes, en 1903. Su talento es reconocido prontamente, desde el momento en que sus obras son conocidas en el Salón de los Independientes y el Salón de Otoño, en París.

Su estilo es del todo reconocible, pues se caracteriza por líneas rectas, detallista, que se anuncia como hiperrealista, y que comparte proyectos decorativos e ilustraciones en revistas francesas y americanas. También son frecuentes las pinturas de temática orientalista y, por supuesto, los retratos. 

Quizá la palabra que mejor defina tanto al artista como a su obra, sea "sofisticación" y, por supuesto, modernidad, del mismo modo que nos demuestran lo que podríamos considerar la calidad fotográfica de la obra artística. Revistas como "Vogue" o "Harpers Bazaar" publicaron ilustraciones, de singular belleza y que le definieron como maestro del "Art Deco".

Sin lugar a dudas, Bernard Boutet de Monvel se convirtió en uno de los retratistas mas famosos de la alta sociedad. Es la suya la elegancia francesa, ese especial encanto que entusiasmó a los estadounidenses, que le llegarían a calificar como "el hombre mas guapo de Europa".

Desgraciadamente, la vida y la genial obra de este artista polifacético se vio interrumpida bruscamente, como consecuencia de un accidente de aviación. Bernard había tomado ese avión el 27 de octubre de 1949, despegando del aeropuerto parisino de Orly, cuyo destino era Nueva York. Sobre las tres de la madrugada del día 28, el avión, pese a que el cielo estaba despejado y después de que los controladores transmitieran las consiguientes instrucciones a la tripulación, desapareció. Se había estrellado en la isla de San Miguel, y entre las víctimas estaba nuestro singular artista.

Todo ello viene a mostrarnos la importancia y la validez y calidad artística de la producción de Bernard Boutet de Monvel, un pintor/grabador/ilustrador que supo ganarse la condición de "dandy", gracias a su estilo y elegancia en el vestir, calificativos que trasladó a toda su obra.

Y lo significativo es que cuatro obras de este artista, que han estado durante mas de cuatro décadas en manos exclusivas de sus herederos, se las han adjudicado museos: el Museo d´Orsay, el Musée de Poitiers y el Museo franco-américain du Château Blérancout.

Bibliografía : https://purakastiga.blogspot.com/

El baptisterio neoniano _ Rávena

El baptisterio neoniano se encuentra en el centro de Rávena _ Italia. Una fascinante pieza arquitectónica con una historia aún más interesante. Esta estructura octogonal data del siglo V y alberga una colección de asombrosos mosaicos bizantinos. Muchos de ellos están situados en el centro de su gran cúpula.

El diseño octogonal del edificio, empleado prácticamente en todos los baptisterios del primer cristianismo, simboliza los siete días de la semana más el Día de la Resurrección y la Vida Eterna. El ocho se relacionaba así con la resurrección, siendo la suma de siete, el tiempo, más uno, Dios. Esta forma octogonal se encuentra en los monumentos bizantinos o de inspiración bizantina.

En sus orígenes en torno al año 400 d. C., el Baptisterio Neoniano fue una casa de baños romana, pero más tarde se transformó para unirse a la catedral ortodoxa de Rávena. Aunque la catedral ha desaparecido, el baptisterio se ha conservado durante siglos como un importante lugar religioso y cultural. Contempla el baptisterio desde el exterior para apreciar su curioso aspecto a pie de calle. Aunque parezca que la estructura se ha hundido, son las calles las que se han elevado casi tres metros desde que se construyó.

Su impresionante interior sin duda es el centro de la cúpula cubierta de mosaicos, con su representación del bautismo de Cristo. Este inmenso mosaico se extiende hacia fuera en forma de anillos. El anillo interno es el principal y en él figuran los doce apóstoles. Presta atención a las ocho secciones del anillo externo, con una serie de tronos vacíos y jardines. Fotografía los vivos colores empleados en el mosaico, desde un azul intenso hasta un dorado reluciente.

Está decorado en el exterior con arquería ciega y bandas que buscan efectos de luces y sombras, característica ornamental ravenesa. En el interior hay una alternancia de muros rectos y muros con nichos pequeños, y en la cabecera el nicho se hace un poco mayor. La falsa cúpula sostenida sobre 8 columnas internas.

El Baptisterio Neoniano de Ravenna es la construcción más antigua de esta ciudad nombrada Patrimonio de la Humanidad. Según el ICOMOS (Comité Internaiconal de Monumentos y Sitios) es el mejor y más completo ejemplo superviviente de un baptisterio de los primeros tiempos del Cristianismo que retiene la fluidez en la representación de la figura humana derivada del arte greco-romano.

En el año 394 Teodosio I reunificó el Imperio Romano y se convirtió en último emperador que lo gobernó en su totalidad. Anticipando su muerte repartió el imperio entre sus hijos Arcadio y Honorio, lo que representó la división definitiva del Imperio. Honorio escogió la ciudad de Ravenna como capital del Imperio de Occidente y la convirtió en el foco más representativo de la evolución del arte cristiano del siglo V.

Tras su muerte, Valentiniano III se convirtió en el nuevo emperador, pero debido a su corta edad, su madre Gala Placidia ejerció de regente y tutora durante muchos años, en los que se dedicó a embellecer la ciudad. De esta época data el Baptisterio Neoniano.

Bibliografía : https://sobreitalia.com

                     

Autorretrato en el taller fue realizado entre loa años 1793 a 1795, obra de Francisco de Goya y con unas dimensiones de 42 x 28 cm. Actualmente se encuentra en Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid _ España.

Uno de los autorretratos goyescos más enigmáticos, esta pequeña tela muestra al pintor trabajando, vestido con gran elegancia y un punto de excentricidad, como por lo demás era prerrogativa de la categoría desde las indicaciones de Leonardo. Goya lleva calzón de color marrón con rayas azules horizontales, chaqueta de terciopelo con vueltas rojas, chaleco rayado y los cabellos sueltos sobre la espalda, al uso francés postrevolucionario.

El retrato, está ejecutado al contraluz, teniendo como fondo un vitral que permite al pintor disponer de toda la luz necesaria para su trabajo, aunque sabemos que pintaba también de noche ayudándose de aquel extraño sombrero con que se nos presenta. Se trata en realidad de un soporte en el que Goya colocaba las velas porque, como sabemos por un escrito de su hijo Javier, "los últimos toques para el mejor efecto de un cuadro los daba de noche, con luz artificial".

Y aquí está quizá el secreto de esos fragmentos impalpables, llenos de sombra, en los cuales los pliegues y reflejos de los ropajes de sus retratos parecen desaparecer y reaparecer continuamente, como bajo el efecto de un resplandor cambiante y movible.

Se puede estudiar la evolución del aspecto físico e incluso aspectos de la condición humana de Goya haciendo un recorrido por las numerosas obras en que reflejó su autorretrato, tanto en óleos como en dibujos; unas veces con su efigie, otras de cuerpo entero y en numerosas ocasiones incluido en el conjunto de un cuadro de grupo.

Bibliografía : https://www.slobidka.com/goya