lunes, 14 de septiembre de 2020

La ópera real de Versalles


La ópera real de Versalles es el teatro y ópera principal del Palacio de Versalles_ Francia. Diseñado por Ange-Jacques Gabriel y con una decoración de interiores de Augustin Pajou, la ópera fue construida totalmente de madera y pintada para parecer mármol con una técnica conocida como falso mármol.



El edificio está ubicado en el extremo norte del ala de los nobles. El acceso del público general al teatro es a través del vestíbulo de dos pisos. Algunas partes de la ópera, tales como los aposentos del rey, representan una de las primeras expresiones de lo que se convertiría en el «estilo Luis XV.




La ópera real puede servir tanto como un teatro para ópera, piezas teatrales o orquesta (con una capacidad para 712 personas), así como una salle des festins, cuando el piso del nivel de la orquesta del auditorio puede ser alzado al nivel del escenario. En estas ocasiones, la ópera tiene una capacidad para 1.200 personas.




La nobleza tuvo mucho que ver con la promoción del teatro durante esta época. Luis XIV, conocido como El Rey Sol por desempeñar el carácter alegórico del sol en El ballet de la noche en 1653,​ trasladó su corte de la capital, París, a Versalles, aspirando a tener más control del gobierno.




No obstante, la ópera no fue construida hasta después, por Luis XV. Su amante, Madame de Pompadour, patrocinó a artistas, actores y músicos a costa del erario francés. Mientras tanto, la aristocracia y la Iglesia no pagaban impuesto alguno y la burguesía pagaba las cuentas por los gustos y diversión de la monarquía; sin embargo, no fue sino hasta después de la muerte de la amante de Luis XV que la construcción de la ópera comenzó.




El interior del teatro (conocido como la salle de la Comédie) contenía un semicírculo de filas de asientos con palcos en las paredes laterales. En la pared sur del teatro, que colindaba con la pared de la Escalier des Princes, estaba la tribunal real que contenía un palco central de forma octogonal y dos palcos más pequeños a cada lado.​ La salle de la Comédie funcionaba como un teatro permanente de facto hasta 1769, cuando fue destruido para construir un acceso directo a los jardines desde la corte real.





El diseño de Ange-Jacques Gabriel para la ópera fue excepcional para su época, dado que contaba con un plano oval. Como una medida económica, el piso del nivel de la orquesta podía ser elevado al mismo nivel del escenario, de forma que era posible duplicar el espacio del piso. La transición del auditorio al escenario es manejada con la introducción de un orden de columnas corintias.




El proscenio está formado por dos pares de columnas, unidas en profundidad, con su entablamento.​ La ópera rompió con los teatros tradicionales de estilo italiano. La ópera fue proyectada para servir no solo como un teatro, sino también como un salón de bailes o de banquetes.








La ópera fue inaugurada el 16 de mayo de 1770, en este banquete, Luis XVI, María Antonieta y el delfín recibieron el juramento de lealtad de estos guardias. El periodista Jean-Paul Marat describió el banquete como una orgía contrarrevolucionaria, con los soldados arrancando las escarapelas azul, blanco y rojas que habían usado y la remplazaban con unas blancas, el color que simbolizaba a la monarquía borbónica. 




En realidad, no existe evidencia de este actual y los testigos reales y asistentes, tales como la dama de compañía de la reina Madame Campan, no registraron tal destrucción de escarapelas. Este fue el último evento celebrado en la ópera durante el Antiguo Régimen.












jueves, 10 de septiembre de 2020

"Retrato de una mujer joven llamada Antea" obra de Francesco Mazzola o, más comúnmente, como Parmigianino. Fue realizada entre los años 1524 a 1527 y con unas dimensiones de 136 cm x 86 cm. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Capodimonte en Nápoles _ Italia.


Girolamo Francesco Maria Mazzola, más conocido como Parmigianino por su lugar de nacimiento (1503 - 1540), además de por su reducida estatura y aspecto grácil. Fue un pintor italiano, considerado uno de los máximos exponentes del manierismo.



Parmigianino fue uno de los pintores más admirados del Manierismo italiano como acabo de mencionar. Trabajó también como impresor y alquimista. Nacido Girolamo Francesco Maria Mazzola, él tomó su nombre artístico de su ciudad natal, Parma. Creció bajo el cuidado de sus tíos Pier Ilario y Michele, con quien aprendió a pintar cuando era un niño. Colaboró con ellos, a veces terminado las obras dejadas incompletas por sus tíos.



En la descripción de la Galería Farnese Ducal (1725) que está catalogado como Retrato de Antea o el Amado de Parmigianino, refiriéndose a algunos famosos cortesanos de Roma y mencionado tanto por Benvenuto Cellini y Pietro Aretino. Esta atribución ha sido posteriormente impugnada, así como la fecha tradicional de la obra para el período en el que Parmigianino estaba en Roma (1524-1527).



Estudios de prendas de vestir de la mujer, una mezcla de lujo y elementos populares, llevaron a la hipótesis de que podía ser una hija, un amante o un sirviente de Parmigianino, si no Pellegrina Rossi di San Secondo u otro noble desconocido de Parma.

Sus primeras obras muestran los signos de su estilo elegante y expresivo, que en muchos aspectos era la personificación del Manierismo. Un pintor cuyas formas exageradas y características poco naturales fueron conocidas como anticlásicas.


Su obra y su personalidad se afirman en contacto con el primer manierismo toscano y, a través de las obras de los grandes maestros Rafael y Miguel Ángel, consiguiendo traducir en términos originales los modelos del Renacimiento con una orientación ya plenamente manierista. Para él la función del arte era transmitir sensaciones exquisitas y excitantes, para lo cual tuvo que crear una necesaria artificiosidad. De Correggio asimilará el clasicismo, convirtiéndolo en manierismo, manteniendo el ilusionismo del primero pero traduciéndolo a modelos más decorativos y una mayor vitalidad de las formas.


Parmigianino trabajó también en Bolonia y Roma. Realizó muchas pinturas religiosas, que tenían fondos inusuales, pero hermosos. Pintó también algunas escenas eróticas, como el Cupido haciendo su arco, y fue un retratista popular. Sus grabados y tallados fueron considerados entre los mejores de Italia. 



En sus últimos años, se dedicó al estudio de la alquimia, pero por romper un acuerdo de una comisión, terminó en la cárcel. Algunos de sus alumnos afirman que él fue distraído por la alquimia mientras que él estaba buscando nuevas vías para sus grabados.








Bibliografía : https://www.virtualuffizi.com

miércoles, 9 de septiembre de 2020

Brad Reuben Kunkle

Brad Reuben Kunkle nació en 1978 en Lehighton, Pennsylvania, obtuvo su BFA (su objetivo  es formar a los estudiantes en el cine, en los medios de comunicación y artes) en la Universidad de Kutztown en 2001. Vive y trabaja en Brooklyn, en Nueva York_ Estados Unidos.

Brad es un pintor al que sigo desde hace mucho tiempo, el último de sus trabajos es para una serie de Netflix con mucha audiencia, Anne with an E. es una serie de televisión canadiense basada en la serie de novelas Ana la de Tejas Verdes escritas por Lucy Maud Montgomery, y adaptada por la escritora y productora ganadora del premioEmmy, Moira Walley-Beckett.


Pintor figurativo, Brad Kunkle fusiona el realismo, la fantasía y la profundidad psicológica en sus composiciones brillantes de la mujer en la naturaleza. Después de trabajar exclusivamente en óleo a principios de su carrera, se sintió interesado en las posibilidades de la adición de oro y pan de plata a sus pinturas, tomando la inspiración de Gustav Klimt.


Esto dio lugar a obras cuyas superficies brillan y cambian con la luz y parecen emitir su propio resplandor. Las mujeres en sus obras son más que una figura en la naturaleza, son la naturaleza misma. Ave del paraíso (2011), por ejemplo, se centra en una figura femenina cuya mitad inferior es más que humana, pavo real, con una cola de muchos ojos tendido detrás de ella. En otras composiciones, mariposas, pájaros y hojas rodean a una mujer de otro mundo en remolinos energéticos, como si sus cuerpos estuviesen en el proceso de desmaterialización.



Con una magnífica técnica, una gran sensibilidad en sus trabajos y mucha originalidad, las obras de este pintor nos muestran un mundo onírico, en el que las mujeres se encuentran envueltas pon un manto de naturaleza dorado. 













 Bibliografía : http://bradkunkle.com/
                     https://www.facebook.com/brad.kunkle
                     http://beinart.org/interview-brad-kunkle/
                     https://americangallery21st.wordpress.com/2016/07/21/brad-kunkle-1978-2/
                     https://www.artsy.net/artist/brad-reuben-kunkle
                     http://www.thisiscolossal.com/2012/07/leaf-paintings-by-brad-kunkle/
                     https://es.pinterest.com/kandahar/art-by-brad-kunkle/

lunes, 7 de septiembre de 2020

Fundación Rodríguez-Acosta

Situado, en las inmediaciones de Torres Bermejas y próximo al conjunto monumental de la Alhambra en Granada _ España, el edificio sede de la Fundación Rodríguez-Acosta es uno de los más bellos empeños arquitectónicos de su tiempo. Construido entre los años 1916 a 1930, su apuesta por lo moderno y la excelencia de las ideas, diseños y materiales empleados en su concepción y edificación le otorgan una vigencia duradera, reconocida en su declaración como monumento nacional en 1982.



Sucesivamente los arquitectos Modesto Cendoya, Teodoro Anasagasti, Ricardo Santacruz y José Felipe Jiménez Lacal, así como el escultor Pablo Loyzaga, el carmen lleva, tanto en su configuración general como en cada uno de sus pormenores, el sello personal de José María Rodríguez-Acosta, casí diría que es su biografía, conocimiento y el gusto del personal del pintor. Este edificio tan singular era su estudio y donde se inspiraba si no estaba en el extranjero.



El pronunciado desnivel del terreno en que se asienta dio origen a las terrazas y miradores que configuran sus jardines. Éstos, muy singulares en el contexto de los cármenes granadinos por su carácter monumental, despliegan un interesantísimo programa iconográfico en torno a los grandes temas del simbolismo: el amor, la muerte, la ruina, la locura, la vida contemplativa, etc.

 

El edificio principal fue concebido como un estudio de pintura y es resumen de los estilos europeos de entre guerras. El modernismo y el germen del racionalismo que nutren su sobriedad formal –e incluso cierta severidad–, entroncan con los presupuestos más avanzados de la Sezession vienesa. A la vez, en él se reinterpretan elegantemente los estilos del pasado con la incorporación de múltiples elementos de piedra y madera de diversa procedencia y antigüedad: columnas y capiteles hispanomusulmanes, portadas y fuentes renacentistas, fragmentos de construcciones barrocas, etc.


El pronunciado desnivel del terreno en que se asienta el Carmen de la Fundación, dio origen al conjunto de terrazas y miradores que jalonan en distintos niveles su jardín. En él se conjugan cierto romanticismo de tradición decimonónica con un interesante discurso iconográfico propio del simbolismo de principios del siglo XX. El Patio del Teatro o Teatrillo toma ese nombre del espacio escénico decorado con un juego de volúmenes art déco que ocupa uno de sus frentes. Según nos han explicado el teatro tiene diferentes aspectos y cambia constantemente con la luz solar.


Presidiendo este espacio se halla una escultura romana, la más antigua del jardín, que probablemente representa al dios Baco. Tras ella, una exedra de columnas parece estar inspirada en las de la Villa Adriana de Tívoli (Italia). Ese mismo aire clásico tienen las fuentes y los volúmenes de ciprés recortados con un sentido plenamente arquitectónico. Entre los cipreses del lado Sur encontramos una pila bautismal renacentista reutilizada como fuente.


Aunque situado en las inmediaciones de Torres Bermejas y muy próximo a la Alhambra, el Carmen no repite modelos de la arquitectura nazarí. Tan sólo algunos elementos decorativos, como las celosías de la terraza o patio central, recuerdan vagamente tipos hispanomusulmanes. La mayor parte del adorno está confiado a ejemplares históricos, de todas las épocas y estilos, recuperados de antiguos edificios demolidos y engastados en la nueva fábrica con libertad, en contraste con grandes paños de muro blancos y lisos.

Desde esta terraza es posible contemplar buena parte del jardín, así como una amplia panorámica de la ciudad de Granada y su Vega. Desde este patio se accede también, a través de un elegante arco de medio punto y la escalera de doble derrame, al interior del edificio.



Continuando con el lenguaje clasicista del jardín, en el lado Oeste se abre un gran arco de piedra que da entrada a un curioso espacio cubierto llamado Criptopórtico (Un criptopórtico, en la arquitectura de la antigua Roma, era una galería o corredor cubierto semisubterráneo destinado a la circulación o al almacenamiento que estaba integrado en un complejo construido más grande), circular y porticado, con fuente central, abierto por lado opuesto a un gran patio. Se genera así una curiosa perspectiva que revela el diseño rigurosamente axial con que está trazado el carmen.


La constante presencia del agua en el jardín tiene su máxima expresión en la alberca que centra este patio. Cuatro surtidores agitan sus aguas, de las que emerge una escultura de Venus saliendo del baño, reproducción moderna de un original neoclásico de Antonio Canova. Grandes macizos de topiaria de ciprés refuerzan el diseño arquitectónico del conjunto.





José María Rodríguez Acosta nació en Granada en el año 1878 ​- 1941). Su pintura, de una paleta restrictiva, que en las naturalezas muertas cobró su máxima expresividad. También se dedicó a los desnudos femeninos. En 1914 vuelve a Granada, e inicia la construcción de su "Carmen". Después de unos años sabáticos, en la década de los años 20, retoma la pintura con desnudos femeninos como protagonistas y naturalezas muertas.




Entre 1914 y 1930 abandonó prácticamente los pinceles para dedicarse a la planificación, construcción y decoración de su carmen granadino, que concibió como plasmación de unos ideales estéticos plenos de modernidad. En él albergó su biblioteca y diversas colecciones de objetos artísticos.


Hombres de espíritu abierto, de noble corazón, que aunque tengan sus normas particulares sean capaces de analizar sin rencor ni hostilidad las distintas sugestiones con alegría, con la fecunda alegría de querer ensanchar los conocimientos de este milagro que es la vida y que tenemos el gozoso deber de hacer cada vez más noble, más bella y más dichosa.
José María Rodríguez-Acosta.






Bibliografia : http://www.fundacionrodriguezacosta.com/