miércoles, 9 de octubre de 2019

Ton Dubbeldam

El pintor holandés Ton Dubbeldam (1957), proviene de una familia artista, su padre es músico y su abuelo pintor. Ton estudió seis años para convertirse en profesor de arte, pero decidió pintar a tiempo completo cuando su obra de arte comenzó a venderse en toda Europa.



Es notable ver en sus obras que combina maravillosamente las técnicas impresionistas y puntillistas, con una cierta atmósfera que le da la sensación de una pintura de paisaje del siglo XVII.  Con uso específico de sombras claras y oscuras, la profundidad, los cielos altos, el desierto y los horizontes lejanos, que no se ven afectados por edificios o árboles.



Ton Dubbeldam utiliza en sus obras un ángulo muy personal, los horizontes se ven muy altos y  el agua y el cielo están fuertemente acentuados. La naturaleza juega un papel principal que se ve principalmente en sus pinturas.


El puntillismo es una técnica artística que consiste en hacer una obra mediante el uso de diminutos puntos. Aparece por primera vez en 1884, encabezada por el pintor neoimpresionista Georges Seurat. Este procedimiento consiste en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre la tela. 


Este movimiento, dentro de las coordenadas del postimpresionismo, parte también de la imagen de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas, pero para ellos serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caractericen la esencia de la pintura.


Gracias a ellos, el puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría de ser la aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos principios del dibujo con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas.


La mente lógica y reflexiva de Ton Dubbeldam, pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no solo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlo. 



En su paleta también utiliza el blanco mezclado con los colores primarios, lo que le permite obtener una multitud de tonos que iban de un color con una ligera presencia de blanco hasta un blanco casi puro. El disco se completaba de manera que los matices puros se concentraban en torno al centro, desde donde iban desvaneciéndose hacia el blanco hasta llegar a la periferia.





Y para terminar, la técnica se basa en la capacidad del ojo y la mente del espectador para combinar las manchas de color en una gama más amplia de tonos. Está relacionado con el divisionismo, una variante más técnica del método. El divisionismo se ocupa de la teoría del color, mientras que el puntillismo se centra más en el estilo específico de pincel utilizado para aplicar la pintura.








Bibliografía : https://www.tondubbeldam.com

lunes, 7 de octubre de 2019

El Museo Boijmans Van Beuningen, en Róterdam

El Museo Boijmans Van Beuningen es el principal museo de arte en Róterdam _ los Países Bajos. Se fundó en 1849, cuando el abogado y coleccionista de arte Frans Jacob Otto Boijmans legó su colección a la ciudad de Róterdam. Justo unos cien años más tarde, fue añadida la famosa colección del industrialista Daniël George van Beuningen.


El edifico del museo, inaugurado en 1935 y diseñado especialmente para albergar la colección Boijmans, sigue siendo un monumento emblemático de Róterdam. Hoy en día su singular torre es una característica familiar del paisaje de la ciudad.


A diferencia de muchos otros museos especializados en periodos específicos de la historia, el Museum Boijmans Van Beuningen abarca arte holandés y europeo desde la Alta Edad Media hasta el siglo XXI. Hay varias obras maestras de distintos artistas como el Bosco, Rembrandt, Monet, Van Gogh, Kandinsky, Dalí, Mondrian y Rothko.




Tras una renovación radical y la ampliación de sus instalaciones, el modernizado Museo Boijmans Van Beuningen cuenta ahora con más espacio para el público. Además de una nueva ala, el prestigioso estudio de arquitectos también ha diseñado un hermoso jardín con esculturas, una nueva entrada, una amplia biblioteca, una tienda y una galería para serigrafías.


La relación entre el arte visual y la arquitectura es muy importante El parque Museumpark al lado del Museum Boijmans Van Beuningen, es un espacio excepcionalmente variado, con una frondosa y amplia zona verde, un huerto, una zona asfaltada multicolor para eventos.




En este año 2019 el Museo Boijmans Van Beuningen ha cerrado sus puertas para realizar mantenimientos y reformas de largo plazo. El museo estará cerrado al público durante 7 años. Durante este periodo, podrás ver parte de sus obras en otros museos bajo el título: Boijmans bij de Buren (Boijmans en casa de los vecinos).



                 La pequeña torre de Babel, h. 1563, óleo sobre tabla, 60 cm x 74,5 cm
                                             Museum Boymans-van Beuningen






Bibliografia : https://www.holland.com








jueves, 3 de octubre de 2019

"La muerte y el avaro" obra del pintor flamenco El Bosco

"La muerte y el avaro" obra del pintor flamenco El Bosco, realizado entre los años 1490 a 1500 y con unas dimensiones de 30,8 x 92,6  30,8 cm. Se conserva en la Galería Nacional de Arte en Washington D. C. _ Estados Unidos.


Los estudiosos están de acuerdo en atribuirla a la fase de madurez del pintor, a sus últimos años: 1490-1500. Esto lo confirma la dendrocronología, pues ha establecido como fecha de la tabla hacia 1494 o después.

Según algunos historiadores, es un autorretrato del pintor  

Esta pequeña tabla refleja el interés de El Bosco en representar la lucha entre ángeles y demonios, en este caso con ocasión de la muerte de un hombre rico. Aparece así la muerte por la puerta de la estancia, mientras que el moribundo se incorpora tratando de coger una bolsa de oro que le ofrece un demonio por detrás del dosel de su cama.


El moribundo no quiere mirar hacia su ángel de la guarda que a la derecha le indica el Crucifijo, mientras es observado por otro diablo que asoma sobre el dosel. Otro demonio asoma de dentro de un arcón a los pies de la cama lleno de riquezas mientras otro aparece por debajo de él, y otro más en primer plano sujeta varias telas.


La figura del avaro se repite a los pies de la cama, agarrando con una mano un rosario y con la otra aferrándose a las riquezas guardadas en el arcón. La representación se inspira en la obra "Ars Moriendi" muy popular entre los cristianos de la época que enseñaba el buen morir y que afirmaba que los hombres sufren a la hora de la muerte la tentación del diablo, mientras que un ángel guarda su cama defendiéndola de los ataques del maligno.


La mayoría de las obras de El Bosco, es complicada su datación por lo que no se puede establecer una sucesión cronológica fiable. A pesar de todo los investigadores han establecido un cierto orden sobre todo para su etapa de juventud basándose en un menor desarrollo de la técnica y un mayor convencionalismo, aunque ya empieza a mostrar la debilidad humana ante la tentación y el pecado.


El Bosco critica principalmente la ignorancia, la credulidad y los aspectos en los que el hombre se muestra como ser absurdo y esto se verá plasmado en su pintura en la manera en que representa a los demonios y a los magos y brujas.


Respecto a su estilo, a pesar de ser hijo de un pintor, destaca por su originalidad, teniendo poco en común con las grandes figuras de su época como Jan van Eyck o Roger van der Weyden. El Bosco se muestra frente a ellos como más original y moderno, lo que debió impactar en su época, a pesar de lo cual tuvo gran éxito y sus obras se repartieron por toda Europa. 


Su manera grotesca de representar nos introduce en la pintura psicológica que tan de moda se puso luego en el siglo XX con la corriente Surrealista, especialmente Salvador Dalí que lo tomó como inspiración. El simbolismo aparece en todas sus representaciones maduras, llamando al espectador a mirar más allá de las imágenes y buscar el trasfondo. 


Su técnica era maestra, siendo un gran dibujante, así como maestra era el uso que hacía del color, con gran gusto por los tonos pastel. Fue gran pintor de paisajes con los que estudia el espacio, gran retratista siendo pionero en Flandes del retrato psicológico y maestro en la composición. Gusta de representar lo monstruoso, teniendo gran imaginación a la hora de realizar figuras simbióticas entre hombre y animal, siempre al servicio de un mensaje moralista.


Y termino con la frase de fray José de Sigüenza, historiador de la fundación escurialense, resumió las razones de esa preferencia en la singularidad y profundidad del pintor, que lo hacían diferente de cualquier otro, pues, según decía: "La diferencia que hay de las pinturas de este hombre a las de los otros, es que los demás procuraron pintar al hombre cual parece por de fuera; este solo se atrevió a pintarle cual es dentro"ç
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Bibliografía : https://arteinternacional.blogspot.com

miércoles, 2 de octubre de 2019

Paul-Albert Bartholomé

Paul-Albert Bartholomé (1848 – 1928) pintor y escultor francés, se orienta inicialmente hacia la pintura, primero en Ginebra, posteriormente en París, dónde se hace amigo de Edgar Degas. Aborda la escultura en 1886, disciplina en la que permaneció, desarrollando una técnica que mezclaba la sencillez y la emoción contenida del aticismo (estilo literario que se caracteriza por la corrección, la sencillez y la elegancia propia de los autores áticos), apacible de las figuras de un Pierre Puvis de Chavannes.


En pintura estuvo fuertemente influido por sus maestros y mostró un temperamento próximo al de Jules Bastien-Lepage. Comparte Exposición con Degas en el Salón de la Libre Esthétique, y se reúnen en la Sociedad nacional de las bellas artes de la que Puvis es Presidente y donde Bartholomé expone desde 1891 y forma parte de la comisión de exámenes con René de Saint-Marceaux y Constantin Meunier.



Estudió derecho y luchó en la Guerra Franco-Prusiana en el ejército del general Bourbaki y se convirtió en prisionero en Suiza. A su debido tiempo, asistió a la École des Beaux-Arts en París, donde estudió pintura con Barthélemy Menn y Jean-Léon Gérôme. Más tarde se instaló en un estudio en París. Muy animado por Degas, decidió probar la escultura y realizó la escultura en movimiento.


Se casó con la hija del marqués, Prospérie de Fleury, pero ella murió a temprana edad en el año 1887. Paul Albert Bartholomé abandonó la práctica de la pintura y se consagró a la escultura; empujado por la desesperación que le causó esta pérdida, expresó su dolor en obras cargadas de melancolía.



Trabajó en monumentos funerarios y esculpió figuras de mujeres envueltas en lágrimas. Se orienta su trabajo en diferentes monumentos funerarios, con cada obra recordaba la perdida de su amada mujer.  En esta línea destacan la tumba egipcia colocada en el paseo central del cementerio del Père-Lachaise en París; el monumento de Meilhac, en el cementerio de Montmartre; el de Madame Mabel de la Croix, en el cementerio de Montparnasse. 



Desde el año 1891 en adelante, expuso cada año en el Salón anual de la Societe Nationale des Beaux-Arts. La escultura funeraria estaba muy de moda en Francia en ese momento y gran parte de Bartholomé está relacionada con la muerte tan presente en su vida.


El "Monumento a los Muertos" es inquietante e involucra a veintiuna figuras que muestran diferentes emociones y reacciones a la muerte. Hay poco sentimiento en esta composición que sea intransigente, secular y humano, aunque hay una inferencia de que una "luz" vencerá a la oscuridad con la inscripción: "En los que habitan en la tierra de la sombra de la muerte, ha amanecido una luz".