"El tríptico de los Uffizi", obra de Andrea Mantegna

"El tríptico de los Uffizi", obra de  Andrea Mantegna, data alrededor de 1460. con unas dimensiones de formadas por la Ascensión de Cristo (86 cm x 42,5 cm), la Adoración de los Magos (76 cm x 76,5 cm) y la circuncisión (86 cm x 42,5 cm). se conserva en la Galería Uffizi, en Florencia _ Italia 

La obra consta de tres paneles reunidos en el siglo XIX, pero cuya verdadera cohesión como tríptico es puesta en duda por muchos historiadores. En 1509 Vasari describe en la capilla del castillo de San Giorgio, residencia del marqués de Mantua, una obra de Mantegna que los especialistas identifican con el tríptico que hoy se conserva en los Uffizi, siendo su escena principal la Adoración que aquí observamos, acompañada de la Ascensión y la Circuncisión

La relación entre Mantegna y Ludovico III Gonzaga, marqués de Mantua, se inició en 1456 cuando el pintor fue invitado por el noble a trasladarse a Mantua. Fruto de esta relación surgirá la obra más famosa del maestro: la Cámara de los Esposos, aunque también han quedado otros trabajos dignos de destacar. La figura de María y el Niño se encuentran en una oquedad de la roca - considerándose que podría corresponder con el ábside de la capilla - rodeados de querubines entre nubes.

A su lado San José, un anciano con la espalda encorvada, observa atentamente los regalos que ofrecen los Reyes Magos, representados como ricos comerciantes italianos con exóticas ropas. Tras ellos el cortejo, en el que destacan los dromedarios y las figuras con turbante que indican su procedencia oriental.

Un camino poblado de figurillas sirve para otorgar la profundidad, apreciándose al fondo una ciudad, siendo un paisaje muy similar al de la Crucifixión. Las figuras muestran el interés por los volúmenes del maestro, dotándolas de una monumentalidad inspirada en la escultura. La minuciosidad de los detalles en los ropajes es una influencia de la pintura flamenca al igual que esos ángeles cantores que se ubican sobre la cueva y el fondo paisajístico acartonado. Sin embargo, el concepto general de la obra tiene un sabor italiano.

Otros (como Fiocco), siendo incapaz de explicar la llegada de la obra a Florencia, lo definen como un trabajo realizado en la Toscana durante dos viajes del artista, fechados en 1466 y 1467. Sin embargo, razones de estilo vinculan la obra del artista de Padua, en torno a 1459.

En cualquier caso, la primera mención de la obra está definitivamente establecida en 1587, cuando es fragmentada en el Valle de Muggia, cerca de Pistoia, entre la propiedad de Antonio de Medici. En 1632, pasa a través de herencia a las colecciones del Gran Ducado, donde es nuevamente separada y la Adoración de los Magos erróneamente atribuida a Botticelli. El trabajo de reunificación tuvo lugar en 1827, con un nuevo marco renacentista tallado y dorado.

Las diferencias entre los tres cuadros también son evidentes mirando a los elementos de diseño. Por ejemplo, todos requieren una fuente de luz diferente y la descripción de las actividades al aire libre (Ascensión y la Adoración de los Magos) se diferencia de la riqueza interior de la circuncisión. La forma ligeramente cóncava de la Adoración hace pensar en su posición original diseñada para ubicarse dentro de un nicho o en el ábside central.

La circuncisión es la parte del tríptico donde Mantegna recrea plenamente un interior clásico, con una profusión de decoraciones elegantes que no se encuentran en ninguno de sus otros trabajos de este tamaño. La iconografía realiza una rara combinación de dos episodios, la Presentación en el Templo y la circuncisión. 

La profetisa Ana y José que trae dos tórtolas como ofrenda, necesarios para el rito de la purificación de María, que se produjo, según el rito judío, después del nacimiento de su primer hijo. Los otros personajes de la escena son el anciano sacerdote, con una expresión y gestos de tranquilidad y sabiduría, que dirige la mirada del espectador hacia el niño en los brazos de la virgen.

El sacerdote tiene en la mano un cuchillo, tomado de una bandeja con otros instrumentos necesarios para el ritual que es ofrecido por un joven a su espalda, vestido con una túnica grande atada a la cintura. A la derecha hay, además de la citada Ana, una mujer con un niño comiendo una rosquilla, que algunos han querido identificar con Santa Isabel y Juan el Bautista, a pesar de la falta de halos. A partir del siglo XIX desaparece el tema del ciclo de la infancia de Cristo.

Posible autorretrato de Andrea Mantegna 

Los últimos años de Andrea Mantegna en la Corte de Mantua los pasó bajo la protección de Isabel de Este, unánimemente reconocida como una de las damas humanistas más ilustradas del Renacimiento Italiano que se rodeo en su pequeño estudio del Castillo de San Jorge de una importante corte de artistas y pintores del momento. Junto a ella, un casi anciano Andrea Mantegna cultivó sobre todo la temática mitológica, destacando obras como "El Parnaso", "El Triunfo de la Virtud", o "Isabel de Este en el Reino de Armonía", obras todas ellas hoy depositadas en el Museo parisino del Louvre.

Andrea Mantegna moriría un día de septiembre de 1506, contando nada menos que con 75 años de edad y acuciado por varias deudas ya que, las nuevas modas pictóricas propuestas por artistas de la nueva generación habían hecho que sus encargos se resintiesen.

La catedral San Juan el Divino de Nueva York

El nombre original de esta Catedral de San Juan el Divino es actualmente la catedral anglican, siendo la sede de la Iglesia Episcopal de la ciudad de Nueva York _ Estados Unidos.

En término globales, es la cuarta iglesia cristiana más grande, contando tanto católicas como anglicanas. La superficie interior de esta catedral supera las 11.000 m ², con 183 metros de longitud y 70 de altura. En su interior la altura de la nave supera los 37 metros.

La catedral San Juan el Divino, fue diseñada en 1888, pero se postergó el inicio de su construcción hasta 1892, han pasado más de 100 años y todavía no se puede dar por concluida esta obra y por lo que mucha gente se refiere a ella como San Juan la Inacabada o San Juan la Incompleta.

Lo más destacado, además de sus grandiosas dimensiones, son los diferentes estilos que lo conforman, y que ha ido evolucionando según ha progresado la obra, pasando desde un estilo neo-románico en un primer momento a un estilo neogótico a partir de 1909. 

En la fachada oeste del edificio, canteros han esculpido numerosas escenas que parecen extrañamente fuera de lugar para una catedral. La más llamativa es la representación escalofriante de la destrucción de la ciudad de Nueva York y sus monumentos, fueron encargadas al escultor inglés John Angel y el tallado fue realizado por dos hermanos italianos Ardolino, de Torre di Nocelli.

Lo primero que hay que mencionar es el real de San Juan el Divino se le atribuye por escribir el libro del Apocalipsis en la Biblia,  que describe en imágenes simbólicas de los acontecimientos del Apocalipsis.

Los ocultistas creen que el Libro de Apocalipsis ha sido codificado herméticamente para revelar su verdadero significado a los iniciados de las enseñanzas esotéricas. Esta escena , grabada en la entrada oeste de la catedral , representa a Nueva York como ” Babilonia la Grande” , la ciudad que se ve completamente destruida por la ira de Dios . 

El Apocalipsis quizás sea el escrito más rico en símbolos de toda la Biblia. La cantidad de símbolos, eventos y procesos complica la tarea de interpretar la totalidad del texto y, como tal, ha sido objeto de numerosas investigaciones, interpretaciones y debate a lo largo de la historia.

Los artistas podrían estar en lo cierto , porque en efecto, hay numerosas similitudes entre la actual ciudad de Nueva York y la descripción de Babilonia la Grande en la Biblia, en repetidas ocasiones a los ricos mercaderes y mercaderías.

En 1907 fallece el arquitecto Heins y la influencia de LaFarge comienza a disminuir, lo que termina en la contratación de otro arquitecto, en concreto de Ralph Adams Cram que termina por rediseñar la nave a un estilo gótico y se empieza a aplica el nuevo estilo sobre lo ya construido.  En el año 1911 se terminó tanto el coro y el crucero de la Catedral.

En el año 1925 se comenzó a construir la fachada oeste y la nave, y las obras no permitieron abrir la catedral hasta el 30 de Noviembre de 1941. No obstante se detuvieron las obras al entrar a la semana siguiente, por participar Estados unidos en la Segunda Guerra Mundial y el dinero fue destinado por el obispo a obras de caridad.

Cram influenció tanto la obra, que incluso intentó desmantelar la cúpula para erigir una nueva torre de estilo gótico, que al final no se llegó a concretar. 

Se siguió con la construcción de la catedral en 1972, con la idea de dar trabajo a escultores de piedra y poder preservar el oficio. En el año 1997 se finalizaró el portal central de la fachado oeste y algunas esculturas.

"Niña en sillón azúl", obra de Mary Cassatt

"Niña en sillón azúl", obra de Mary Cassatt, del año 1878, con unas dimensiones de 89´5 x 130 cm . Se encunetra en National Gallery of Art en Washington _ Estados Unidos.

Mary Cassatt era un artista americana que vivió en Francia durante el siglo XIX. Nacida en una familia acomodada, logró estudiar pintura desde muy temprana edad. Sus elocuentes retratos, de estilo impresionista, revelan la vida interior de las mujeres, con un enfoque particular en la interacción entre las madres y sus hijos. Su pincelada suave y su exquisita elección de colores han hecho de sus pinturas que  sean cotizadas entre los coleccionistas de arte.

Admiradora desde su infancia de Velázquez y Rembrandt, recibió influencias en su estilo del arte japonés. Conoció a Degas, quien la recomendó integrarse en el grupo impresionista. Las relaciones entre Mary Cassatt y Degas fueron muy estrechas desde la llegada de la pintora norteamericana a París en 1873. Buena muestra de esa estrecha amistad fue la recomendación de Cassatt a una amiga íntima para que adquiriera una obra del maestro francés; esta fuerte relación artística se pone también de manifiesto en esta escena que contemplamos, en la que el propio Degas llegó a dar alguna pincelada genial.

Mary Cassatt entraba así a formar parte de los rechazados como antes le ocurriera a Manet, Cézanne o el propio Degas. El blanco vestido de la pequeña contrasta con las tonalidades azules de los sillones, destacando las vivas pinceladas que conforman el estampado. La luz penetra por los ventanales del fondo, cubiertos con unos visillos blancos que tamizan la intensa luminosidad. La niña está perfectamente dibujada, mostrando los contornos. Sin embargo, todo lo que rodea a la pequeña se difumina, incluso el perrillo que la acompaña.

En el año 2014 en la Galería Nacional de Arte estudiaron cómo estos dos pintores influyeron mutuamente mientras trabajaban en París. Analizaron cuidadosamente varias obras para revelar la colaboración de los artistas y emplearon tecnología para aclarar esa relación. Durante la limpieza y análisis de la pintura Niña en un sillón azul, el museo usó radiografías y fotografía infrarroja para revelar los cambios que hizo Degas bajo la superficie de la pintura de Cassatt.

Los conservacionistas hallaron trazos fieles al estilo de Degas y un cambio en la orientación de la pintura de Cassatt. La artista casi siempre usaba una línea horizontal recta en sus obras, pero Degas utilizaba diagonales firmes. Las imágenes infrarrojas revelaron una línea diagonal en el lienzo de Cassatt para sugerir un cambio.

"Aprendimos mucho más sobre la relación entre ambos artistas", afirmó Anna Hoenigswald. "Él no se iba a limitar a completar la pintura de ella. Creo que realmente la respetaba tanto que podía decir 'bueno, pienso que esto va a funcionar, que va a expandir el sentido del espacio, y ahora la terminamos'''.

Las imagines infrarrojas también revelaron que Cassart intentó mover un perro al piso pero que cambió de idea y pintó encima.

Niña con sombrero de paja (1886)

Como artista seria, Cassatt se frustraba cuando la gente pensaba que era estudiante o protegida de Degas, dijo la curadora Kimberly Jones. Era una conclusión inevitable en ese entonces porque era una mujer joven, afirmó Jones. "Eran colegas. Él podía tener más experiencia, pero ella aprendía rápido".

La faja rosa (1898), pastel

La influencia de Degas sobre Cassatt es muy conocida en el ambiente artístico, pero el papel de Cassatt sobre la obra del maestro ha sido más un misterio. El mejor ejemplo radica en la experimentación de ambos con pigmentos metálicos y diferentes materiales".

Degas vio que Cassatt introdujo materiales de oro o bronce en sus pinturas y decidió probarlo en su "Retrato después de un baile de disfraces (Retrato de Mme Dietz-Monnin)".

Niñera leyendo a una pequeña(1895), pastel

Tenían mucho en común: gustos similares en cuestiones de arte y literatura, ambos provenían de familias ricas, habían hecho estudios de pintura en Italia, y eran independientes y solteros. El grado de intimidad entre ellos no se puede evaluar, al no haber cartas, pero es poco probable que mantuvieran también una relación amorosa dados sus orígenes sociales conservadores y sus principios morales fuertes. 

Jules secado por su madre (1900)

Aunque los críticos afirmaron que los colores de Cassatt eran demasiado brillantes y que sus retratos eran demasiado precisos para ser halagadores, su trabajo no fue atacado ferozmente como el de Monet, cuyas circunstancias eran las más desesperadas de todos los impresionistas del momento. 

Participó en las exposiciones impresionistas de 1880 y 1881 y continuó siendo un miembro activo del círculo impresionista hasta 1886. En 1886, Cassatt presentó dos cuadros para la primera exposición impresionista en los EE.UU., organizado por Paul Durand-Ruel. Su amiga Louisine Elder se casó con Harry Havemeyer en 1883 y con Cassatt como asesora, la pareja comenzó a coleccionar cuadros impresionistas a gran escala. Gran parte de su vasta colección se encuentra ahora en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

El castillo de Cardiff

El castillo de Cardiff se encuentra en la ciudad galesa de Cardiff_ Reino Unidos, se trata de un castillo medieval y palacio gótico con unos interiores de estilo victoriano. Fue fundado por los normandos en 1091 sobre el asentamiento de un antiguo fortín romano. Escenario de importantes batallas a lo largo de los siglos, los galeses, bajo el mandato de Owain Glyndwr, lo reconquistaron en 1404. En 1488 pasó a manos de Jasper Tudor, primer duque de Bedford.

La historia de este castillo medieval, probablemente se remonta a finales del 50 d.C. es un sitio estratégico por su fácil acceso al mar. Hoy en día se sabe que este fue sólo el primero de cuatro fuertes, cada uno de un tamaño diferente, que ocupaba el sitio actual. Los restos de la muralla romana se pueden ver hoy en día.

En el siglo XIX se construyó un nuevo castillo diseñado por William Burges, arquitecto del conde de Bute, con el aspecto de una mansión de estilo victoriano. Burges buscó con su trabajo escapar del estilo propio de la industrialización y de la arquitectura neoclásica y restablecer la arquitectura y los valores sociales de una utópica Inglaterra medieval. Trabajó en Irlanda, Gales e Inglaterra. 

Más allá de la arquitectura, Burges diseñó orfebrería, escultura, joyas, muebles y vidrieras. Una serie de conferencias que impartió para la Sociedad de la Artes en 1864, denominada Artes aplicadas a la industria, ilustra la amplitud de sus intereses. Los temas que trató incluyen vidrio, cerámica, bronce, hierro, oro plata, muebles, tejidos y decoración exterior.

Durante la mayor parte del siglo después de su muerte, ni la arquitectura victoriana fue objeto de intenso estudio, ni se dedicó gran atención a la obra de Burges. Sin embargo, el renacimiento del interés por el arte victoriano y la atención prestada por la arquitectura y el diseño de finales del siglo XX han llevado a una apreciación renovada de Burges y su trabajo.

Creó dentro de las torres góticas, lujosos interiores con murales, mármoles y tallas de madera elaboradas. Cada habitación tiene su propio tema especial, incluyendo jardines mediterráneos y decoración italiana y árabe.

Burges se encuadra dentro de la tradición neogótica, sus trabajos entroncan con el movimiento prerrafaelista y el Arts and Crafts. En las habitaciones del Castillo de Cardiff, diseñó espectaculares apartamentos de cuento de hadas, enriquecidos con murales dorados.

Pocas personas se dan cuenta de que dentro de las murallas del Castillo de Cardiff hay túneles que sirvieron como refugios antiaéreos durante la Segunda Guerra Mundial, más concretamente desde 1939.

Cuando sonaban las sirenas, las personas que vivían y trabajaban en la ciudad corrían a los refugios del Castillo de Cardiff. Se construyeron rampas especiales para que la gente pudiera acceder rápidamente. La investigación ha revelado que había dormitorios con literas, cocinas, baños y puestos de primeros auxilios ocultas dentro de las paredes de los túneles.

Y dicho esto,  dicen que existen espíritus en el Castillo de  Cardiff. El más “conocido” de este lugar es el del fantasma del segundo Marqués de Bute. Son muchos los que dicen haberle visto en las diferentes estancias del castillo, entre las llamas de la chimenea que está situada en la biblioteca, atravesando las paredes de varias zonas del castillo, pasando por la capilla para acceder finalmente a la habitación donde falleció.

La Línea de Fuego del Castillo de Cardiff es una exposición de clase mundial que conmemora más de 300 años de historia incluyendo la batalla de Waterloo en 1815. Hay una mezcla de información histórica, exhibiciones, un programa de eventos que viven la historia y actividades prácticas para dar a los visitantes una comprensión de por qué la gente común está dispuesta a hacer cosas extraordinarias y llevar a cabo actos destacados de valentía. Aquí os dejo mas fotografías de este singular lugar lleno de encanto, mires por donde lo mires.