"En mi país", obra del pintor Marc Chagall (l1887-1985)

"En mi país", obra del pintor Marc Chagall (l1887-1985) del año 1943 y con unas dimensiones de 57,2 cm x 49,7 cm. Comprado en la XXII Bienal Internacional de Arte, Venecia. Actualmente se encuentra desde 1948 en la Galleria Civica d'Arte Moderna de Turín _ Italia.

Marc Chagall fue un destacado pintor y artista modernista nacido en Bielorrusia  Es conocido por su estilo único y surrealista, que combina elementos del folclore judío con una estética fantástica y colorida.

"En mi país" (originalmente en francés "Dans mon pays") es una serie de obras creadas por Chagall durante la Segunda Guerra Mundial. La serie muestra escenas de su Bielorrusia natal y es considerada una respuesta artística a la devastación y la tragedia que experimentaba su país y Europa en ese momento. Chagall utilizó una paleta de colores intensos y símbolos personales para transmitir un sentido de la esperanza y la resiliencia en medio del caos y la guerra.

Cabe destacar que Chagall creó varias obras a lo largo de su carrera que exploraron temas relacionados con su hogar y su identidad cultural. "En mi país" es una de esas series emblemáticas que refleja la conexión emocional y espiritual del artista con su tierra natal.

En 1943, Marc Chagall vivió en un período de gran inestabilidad y dificultades debido a la Segunda Guerra Mundial y a la persecución de los judíos durante el Holocausto. A continuación se detallan algunos eventos relevantes de ese año en relación con Chagall: Refugio en Estados Unidos en el año 1941, Chagall y su esposa Bella se vieron obligados a huir de Francia debido a la ocupación nazi. Después de pasar un tiempo en Nueva York, en 1941 se establecieron en la localidad de High Falls, en el estado de Nueva York. Durante su estancia en los Estados Unidos, Chagall continuó pintando y exhibiendo su obra.

Preocupación por sus seres queridos en Europa: A pesar de estar a salvo en Estados Unidos, Chagall estaba constantemente preocupado por sus seres queridos en Europa, especialmente por su familia y amigos judíos que estaban bajo la amenaza del Holocausto. La tragedia y la angustia de la guerra tuvieron un impacto significativo en su obra y en su visión artística.

Serie "En mi país": Como mencioné anteriormente, Chagall reflejaban su conexión emocional con su Bielorrusia natal y transmitían un sentido de esperanza y resiliencia en medio de la guerra. Estas pinturas se consideran una respuesta artística a la devastación que afectaba a Europa en ese momento.

El uso del azul oscuro en la obra de Marc Chagall es característico de su estilo y se ha convertido en una de las señas de identidad de su obra. Chagall utilizaba una amplia gama de colores en sus pinturas, pero el azul en particular estaba presente de manera prominente. Para él, el color azul representaba una sensación de trascendencia, espiritualidad y misticismo.

En cuanto a los motivos de la cabra, el caballo y la figura con gallina en la obra de Chagall, estos animales y figuras eran elementos recurrentes en su iconografía personal. Chagall solía utilizar simbolismo y metáforas en sus obras para expresar emociones, recuerdos y aspectos de su vida y herencia judía.

La cabra, por ejemplo, a menudo se asocia con la vitalidad y la fertilidad, y puede evocar una conexión con la naturaleza y lo primitivo. El caballo, por su parte, puede simbolizar la fuerza, la libertad y la energía. Y la figura con la gallina puede representar diferentes significados dependiendo del contexto, como la maternidad, la protección o incluso una alusión a la tradición judía.

Es importante destacar que la interpretación del simbolismo en la obra de Chagall puede variar y ser subjetiva. El artista dejaba espacio para la interpretación personal del espectador, permitiendo que sus obras fueran ricas en significados individuales y emocionales.

Autorretrato de Max Ernst (1891-1976), Punching Ball

Autorretrato de Max Ernst (1891-1976), Punching Ball o la inmortalidad de Buonarroti en el año 1920. Fue un destacado artista y uno de los principales representantes del movimiento artístico del surrealismo. En 1920, Ernst se encontraba en Colonia_ Alemania. Durante este período, Ernst estaba experimentando con técnicas de collage y comenzó a desarrollar su propio estilo distintivo dentro del movimiento surrealista. "Punching Ball o la inmortalidad de Buonarroti (Autorretrato)" es una de las obras emblemáticas que Ernst creó durante esta época, en la que exploraba temas relacionados con el subconsciente, la imaginación y la transformación de la realidad.

Un autorretrato en forma de collage que combina elementos surrealistas y simbólicos. En la obra, Ernst utiliza la figura de un punching ball, un saco de boxeo, como metáfora de la lucha del artista contra la sociedad y las convenciones establecidas. El saco de boxeo representa la resistencia y la fuerza necesarias para enfrentar los obstáculos y desafíos de la vida.

El título de la obra también hace referencia a Michelangelo Buonarroti, el famoso escultor renacentista. Ernst establece una conexión entre su autorretrato y la idea de la inmortalidad artística. Al hacerlo, cuestiona los conceptos tradicionales de autorretrato y propone una visión más amplia de la identidad y la creatividad del artista.

El collage en sí mismo presenta una combinación de imágenes y elementos surrealistas, como una máscara antigua, una luna, una estructura arquitectónica y formas abstractas. Estos elementos evocan un sentido de enigma y misterio, invitando al espectador a reflexionar sobre la multiplicidad de significados y la naturaleza del arte.

Considerado figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable, utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extra dimensional de los sueños y la imaginación.

La Casa Coll i Regàs es un edificio modernista, obra de Josep Puig i Cadafalch

La Casa Coll i Regàs es un edificio modernista, obra de Josep Puig i Cadafalch, un arquitecto municipal de Mataró en Cataluña, España. Fue construida entre los años 1892 y 1896. Además de su trabajo como arquitecto municipal, se encargó de la urbanización de numerosas calles y llevó a cabo modificaciones, modernizaciones y expansiones en la red de cloacas, muchas de las cuales se encuentran en perfecto estado de uso y mantenimiento, incluso después de más de cien años.

Durante su tiempo en Mataró, Josep Puig i Cadafalch participó activamente en todas las empresas culturales y artísticas de la ciudad. Contribuyó a la fundación de la biblioteca pública municipal y fue uno de los miembros fundadores de la Asociación Artístico Arqueológica. Además, diseñó el estandarte que la asociación ofreció al monasterio de Ripoll durante su restauración.

Además, se encargó de la instalación del primer Museo de Mataró, el cual se encontraba en los bajos del edificio de la Escuela de Artes y Oficios, que ya no existe en la actualidad.

La autoría de Puig i Cadafalch como el diseñador de la obra siempre ha sido evidente y está confirmada en la monografía "La obra" de Puig i Cadafalch, publicada en 1904 en Barcelona. Este libro recoge la totalidad de las obras del arquitecto desde el comienzo de su carrera hasta el año 1904.

Sobre la puerta, se encuentra la figura de la filosa, la hilandera, que se ha convertido en un símbolo de Mataró debido a su estrecha relación con la industria textil, como se mencionó anteriormente. Además, en las impostas de los arcos, como se puede apreciar en las imágenes, se encuentran diversas representaciones relacionadas con el tejido y la industria textil. En la planta baja, se pueden observar arañas y mariposas junto a capullos, aludiendo a la producción de seda. También se encuentran representados un conejo con un trozo de tela, un gato con un ovillo de lana, una rana lavando un trozo de ropa y un mono vestido de hombre.

Todas estas obras talladas se realizaron en piedra de Montjuïc en el taller de Eusebi Arnau, quien era amigo y colaborador de Puig i Cadafalch.

En la fachada, también se destaca la combinación de esgrafiados y cerámicas vidriadas. Ambas formas de decoración se mantienen consistentes tanto en el interior como en el exterior de la vivienda. Se puede observar cómo la presencia de flores es recurrente, generalmente evocando las del algodón, aunque no exclusivamente

De particular interés son los diseños de dos cruces hechas de azulejos cerámicos vidriados en los que se puede leer un mensaje escrito en letra visigótica, del cual tenemos otro ejemplo en el atrio. En el caso de la fachada, la leyenda reza: "Molt bó es viatjar, millor a casa estar". Que se traduce como "Viajar es bueno, pero estar en casa es mejor". Este mensaje está relacionado con el hecho de que el padre de la familia solía viajar mucho por motivos de negocios, aparentemente.

Efectivamente, la Casa Coll i Regàs es un ejemplo poco conocido de edificio modernista. Por otro lado, las explicaciones de la guía, quien posee un amplio conocimiento tanto de la época como de la corriente artística, nos brindan una visión detallada no solo de la casa y la familia, sino también del contexto histórico de Mataró en el siglo XIX. Esto incluye aspectos como la industrialización, la industria textil y la relación con la famosa casa chocolatera Ametller.

Además, la guía nos recomienda visitar la Casa Ametller, que pertenece a la misma familia, para obtener una comprensión más completa de la época y su legado.

Del mismo modo, es importante destacar que, aunque el modernismo ha logrado reconocimiento internacional gracias a las obras de Gaudí, no debemos pasar por alto la contribución de Puig i Cadafalch. Ejemplos destacados de su obra incluyen la Casa de Les Punxes y la Casa Ametller. Asimismo, Domènech i Montaner también ha dejado construcciones igualmente interesantes, como el Hospital de Sant Pau y el Palau de la Música. Los tres son los principales exponentes de la arquitectura modernista, aunque Gaudí se aleja más del historicismo al que los otros dos son más fieles. En sus obras se aprecian influencias tanto del gótico catalán como del italiano.

Además, dentro de esta corriente artística, no solo encontramos a los tres arquitectos mencionados. Recomiendo encarecidamente explorar las joyas de la casa Masriera, las pinturas de Ramón Casas, Santiago Rusiñol o Marià Fortuny, las esculturas de Miquel Blay o Josep Llimona, y los muebles de Homar Mesquida, entre otros, para aquellos interesados en el modernismo.

Bibliografía ; https://labibliotecadepergamo.com

"La dama del abanico" obra de Alonso Sánchez Coello (1531-1588)

"La dama del abanico" obra de Alonso Sánchez Coello (1531-1588): Óleo sobre tabla fue realizado entre los años 1570 a 1573 y con unas dimensiones de 62,6 x 55 cm. Una obra no expuesta en el Museo del Prado en Madrid_ España.

Alonso Sánchez Coello, pintor nacido en Valencia pero formado en Portugal y Flandes, sirvió durante más de treinta años como retratista en la corte de Felipe II y, pese a los incendios del Alcázar de Madrid y del Palacio de El Pardo, en los que se destruyó gran parte de su obra, conservamos numerosos retratos de la familia real y de su entorno. De estos retratos la mayoría representan al rey, a sus mujeres y sobre todo a las infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, por las que el monarca sentía una especial predilección.

No obstante, entre estas figuras regias también han llegado hasta nuestros días retratos de importantes personajes cuya identidad permanece en el anonimato. Es el caso del discutido Autorretrato, del retrato de Joven desconocida y de este fascinante retrato de La dama del abanico, que hoy presentamos aquí. Gracias a la indumentaria de la retratada, especialmente por el tipo de cuello de lechuguilla que sube hasta las orejas sin taparlas y está abierto por delante a la moda flamenca. La dama aparece representada siguiendo una de las fórmulas más habituales del retrato renacentista: de medio cuerpo, ligeramente girada hacia la izquierda y sobre un fondo neutro que realza su presencia con brillantez.

El retrato está resuelto con un pasmoso detallismo, aprendido por Sánchez Coello durante su estancia en Flandes. Destaca el delicado modelado del rostro, de la boca jugosa y de la nariz. Y sobre todo el extraordinario cuidado puesto por el autor en la captación de los ojos, cuyos iris azules reflejados con todos sus matices de color y brillo son, por sí mismos, una obra maestra de la pintura española. El riquísimo traje y el tocado, ambos cuajados de perlas, símbolo del estatus de la retratada, están también realizados con una precisión admirable. Y, junto a ellos, como atributo de la dama aparece el abanico que da nombre a la obra.

Una leyenda sitúa la aparición del abanico plegable en torno al siglo VII d. C., y atribuye su invención a un fabricante japonés que tuvo la idea al observar las alas de un murciélago. Corrobora esta leyenda el hecho de que los primeros abanicos plegables se denominaban "komori", palabra que en japonés significa murciélago.

En Europa, el abanico plegable aparece en el siglo XVI, probablemente a través de Portugal, país que en aquella época mantenía una intensa actividad comercial con Oriente. Así, en el viaje que Dª María de Portugal realiza a España en 1543 para casarse con Felipe II, se relaciona un "abanillo" que probablemente ya fuera plegable, constituyendo una de las primeras referencias de esta nueva modalidad de abanico.

En Flandes, donde estudió con Antonio Moro. En 1552 trabajó como pintor de la familia real en la capital portuguesa y en 1555 estaba de regreso en España, donde se convirtió en el retratista de la familia real y de su entorno más cercano, como la Infanta Juana y, a partir de 1559, de la corte de Felipe II.

​Era admirador de Tiziano, como él, experto en retratos y figuras sencillas, y de un detallismo propio de Velázquez.en sus obras la tradición prevaleciente en los gustos españoles de entonces, sino que combinó influencias de las escuelas manierista y romanista.

Bibliografía : ​https://cvc.cervantes.es

                     https://www.caecba.com