La villa romana del Casale en Sicilia _ Italia

La villa romana del Casale es una villa tardo-romana cuyos restos se sitúan en la localidad siciliana de Piazza Armerina _ Italia. Desde 1997 forma parte del Patrimonio de la Humanidad de la Unesco. Es famosa sobre todo por la excepcional colección de mosaicos que alberga, perfectamente conservados a través del tiempo gracias a una capa de barro, producto de una inundación antigua.

La espléndida villa imperial que surge en la provincia de Enna, en el corazón romano de Sicilia es una magnífica morada rural, cuyo atractivo se debe principalmente a sus maravillosos mosaicos, considerados entre los más bellos y mejor conservados en su género. Frutos de un meticuloso trabajo hecho de imágenes nítidas y emocionantes, embellecen significativamente los restos de la fastuosa residencia.

Por su belleza y la excepcional riqueza de elementos arquitectónicos y decorativos, puede ser considerada uno de los ejemplos más significativos de palacio de representación. Fechada entre el 320 y el 350 d.C la Villa habría pertenecido a un exponente de la aristocracia senatorial romana, probablemente un gobernador de Roma.

Una importante campaña de labores de excavación que tuvo lugar a mediados del siglo XX sacó a la luz 3500 metros cuadrados de pavimentación de mosaicos figurativos y geométricos, además de columnas, estatuas, capiteles y monedas.

El estilo de vida del propietario de la casa, del que deriva también esta decoración de mosaicos tanto en el suelo como en los muros, se manifiesta, con riqueza y elocuencia en todos los ambientes de la casa, mostrando evidentes influencias estilísticas del arte africano, que han llevado a pensar en la presencia de maestros africanos entre los trabajadores.

En los mosaicos de distinguen diferentes estilos y ciclos narrativos: uno dedicado a la mitología y a los poemas homéricos y otro que hace referencia a la naturaleza y a la vida cotidiana de la aristocracia romana.

Los restos hallados de la villa han sido divididos en cuatro zonas: el acceso monumental con patio de planta en forma de herradura; el cuerpo central de la villa, construido en torno a un patio con jardín; una gran sala con tres ábsides (trícora) precedida de una columnata ovoidal en torno a la cual surgen distintos vanos y el complejo termal.

En diciembre del 2012 prácticamente terminaron los trabajos de restauración que durante años se han ocupado de los mosaicos y de las pinturas de los muros.

Son numerosos los ambientes que hoy se pueden visitar: la zona de las termas, el patio porticado de ingreso y el arco conmemorativo, el vestíbulo y el porticado del peristilo; los espacios dedicados al servicio, como la habitación de la “Pequeña Caza” y el corredor de la “Gran Caza” así como las habitaciones de las “Palestrite”, los apartamentos de la zona sur con el mosaico de Ulises y Polifemo y la sala de Amor y Psique, así como los apartamentos en el lado sur con el mosaico que presenta el mito de Arión y la habitación de Eros y Pan, el Triclinio, el pórtico y la Basílica.

Según una primera teoría, el propietario de la villa habría sido el tetrarca Maximiano (285–305), que se habría retirado aquí después de su abdicación. Los estudios posteriores han demostrado, sin embargo, que Maximiano pasó sus últimos años en la Campania, y no en Sicilia. Estudios más recientes han apuntado la posibilidad de que el propietario de la villa pudiera haber sido Majencio (305–312), hijo de Maximiano.

Busto de Majencio 

Este largo corredor, de 65,93 metros de longitud y 5 de anchura, acabado en sendos ábsides, representa una gran partida de caza de bestias salvajes, destinadas a los juegos del anfiteatro, en Roma. 

De hecho, ningún animal es abatido. Hay una diferencia estilística evidente a lo largo del pasillo, evidenciando la labor de dos maestros operarios, siendo destacables las figuras del lado norte, dotadas de más riqueza volumétrica.

Probablemente, los operarios de este lado norte hayan sido más innovadores a la hora de plasmar en mosaico las figuras, adoptando modelos provenientes de Grecia y Asia Menor, al contrario que sus compañeros del lado sur, más conservadores, y que han desarrollado su labor siguiendo estrictamente los cánones estilísticos propios del siglo III.

Bibliografía : http://www.italia.it

Naturaleza muerta con manzanas, Paul Cézanne

Naturaleza muerta con manzanas, obra de Paul Cézanne. Fue realizada entre los años 1893 a 1894 y con unas dimensiones  de 81.6 x 65.4 cm. Se encuentra en el Museo de J. Paul Getty en Los Ángeles, California _ Estados unidos.

La década de 1870 se considera la etapa impresionista en la evolución pictórica de Cézanne. Al igual que en el resto de su vida, en estos diez años también pintó bodegones pacientemente trabajados, en los que nada queda a la improvisación. Buena parte de estos cuadros comprenden frutas, manteles y piezas de menaje como en esta ocasión.

Todos los elementos se disponen sobre una mesa y recortados ante una clara pared decorada con motivos florales. Cada una de las piezas de fruta está estructurada gracias a los toques de color, aplicado en pequeñas pinceladas para resolver los problemas en la relación entre la forma y el color.

El cuenco o la botella se emplean para resaltar la forma redondeada de las frutas mientras que las líneas rectas delimitan el espacio compositivo. En el modelado de los manteles empieza a distanciarse de la manera de trabajar de Manet, su precedente más cercano.

Naturaleza muerte con manzanas en Moma, The Museum of Modem Art 

Aunque Cézanne pintó bodegones desde el inicio de su carrera, este género sólo ocupa un lugar esencial en su obra a la madurez del artista, época a la que pertenece el cuadro Manzanas y naranjas.

Lata de leche con manzanas en Moma 

Este forma parte de una serie de seis naturalezas muertas realizadas en el taller parisiense de Cézanne. En efecto, de un cuadro a otro se encuentran los mismos accesorios: vajilla de loza y jarra con decoración floral.

Naturaleza muerta con manzanas y melocotones en National Gallery of Art, Washington DC

El principio de composición es también similar, con una colgadura que cierra la perspectiva, y evoca las naturalezas muertas flamencas del siglo XVII. Sin embargo, el efecto dinámico creado por una construcción espacial compleja y una percepción de los objetos subjetivos subrayan el enfoque antes que nada pictórico de Cézanne.

Naturaleza muerta en The National Museum of Art Norwey

Por su lenguaje plástico de gran rigor, Cézanne renueva a fondo un género tradicional de la pintura francesa desde Chardin. La modernidad y la suntuosidad de Manzanas y naranjas la convierten en la más importante naturaleza muerta del artista a fines de la década de 1890.

Naturaleza muerta con una cómoda en Harvard Art Museum  

Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color.

Paul Cézanne (1839 - 1906)

La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó en gran medida en la dirección que tomó la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones aún más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma.

El Jardín del Palacio Giusti

El Jardín del Palacio Giusti es una de las joyas renacentistas de Verona _ Italia. Muy cerca del anfiteatro dell'Arena, su historia se inicia en el transcurso del siglo XV por deseo de la familia Giusti, comerciantes de lana de origen toscano. A través de los siglos y las guerras, el jardín ha sido siempre rehabilitado y llevado a su antiguo esplendor.

El jardín fue creado en 1580 sobre una pendiente que domina el río Adagio y permite ver unas espléndidas vistas de la ciudad. A diferencia de otros jardines históricos que se sitúan por delante de la villa, éste sin embargo se sitúa en su parte trasera, con un belveder que permite disfrutar del paisaje.

El jardín fue un encargo que la familia Giusti realizó al trasladarse de Florencia a Verona. El jardín renacentista ha sido recuperado recientemente ya que fue remodelado en el siglo XVIII, convirtiéndose en un jardín paisajista. Además durante la 2ª Guerra Mundial sufrió grandes destrozos, realizándose una reconstrucción posterior siguiendo preceptos del jardín barroco.

El Jardín está situado en terreno plano, se sube mediante escaleras y senderos en los primeros pendientes de la colina de San Pietro, que domina Verona. Al recorrer el camino de los cipreses se encuentran cuadros, antiguas estatuas y el bello laberinto del año 1786 que ha reemplazado al original del siglo XVI. Llegando a la base de la colina se puede subir mediante terrazas y escalinatas que poco a poco revelan grutas artificiales que cuentan con preciosas decoraciones arquitectónicas y juego de aguas de gusto renacentista.

Durante el Renacimiento italiano, la transformación del arte de los jardines se efectúa sin renunciar a los temas medievales que empleaban céspedes, emparrados, abedules y fuentes adornadas de estatuas. La composición se produce sin embargo en conjuntos más vastos, superpuestos en terrazas y abriendo amplias perspectivas.

El jardín a la italiana se caracteriza por su capacidad para explotar el paisaje cercano. La composición de los planos horizontales en terrazas, la utilización de pantallas de vegetación cortadas crean fugas que enmarcan y ponen en valor el paisaje del campo italiano. Este modo de composición, que se encuentra en la pintura del Renacimiento italiano refleja el ideal de apertura del pensamiento humanista.

Las estatuas imitadas de la antigüedad, la presencia reponiendo del agua, vegetales elegidos y ordenados y la división matemática del espacio dominada por la geometría y la simetría son los principios mismos del jardín del Renacimiento florentino. Minerales y vegetales son tratados de la misma manera, al servicio de un mismo propósito arquitectural.

Se expresan las vicisitudes, la difícil investigación de la verdad, simbolizadas por la presencia de un laberinto, los destinos humanos escapan a los hombres por las estatuas inspiradas por el arte antiguo (estatua de Júpiter, estatua colosal de los Apeninos), las grutas representan el origen terrestre de los hombres.

El jardín es una obra de arte por simple goce sensorial o incluso sentimental. Posee principios compositivos y de ordenación con determinadas combinaciones de formas, espacios y colores. 

Interior del Palacio Giusti, pinturas obra de Giovanni Battista Tiepolo

El uso de determinados elementos expresa algunas necesidades fundamentales para el hombre, como por ejemplo el agua en todas sus variedades y los árboles para dar sombra o simplemente ornamentales. En el mundo del arte, el jardín ocupa un sitio particular al tomar posesión de la naturaleza, igual que el pintor lo hace con un objeto, cuando nos apropiamos de los árboles, las cascadas, las flores o las rocas para crear.

"La coronación de la Virgen", obra de Gentile da Fabriano

"La coronación de la Virgen", obra de Gentile da  Fabriano, fue realizada en el año 1420 y con unas dimensiones de 64.7 x 87,6 cm. Se encuentra en Museo J. Paul Getty, Los Ángeles _ Estados Unidos.

Gentile da Fabriano es, uno de los principales representantes del estilo gótico internacional en Italia. Ello significa que aunó, las enseñanzas de la escuela de Siena de la primera mitad del siglo XIV, con su delicadeza y linealidad, con una representación más realista de la naturaleza, los animales, las plantas y las personas.

Se producían así obras refinadas muy adecuadas para expresar el lujo y la fastuosidad de los señores de la época. En sus obras se aprecia la influencia de artistas como Lorenzo Ghiberti, Masolino da Panicale y Michelino da Besozz.

Gentile es realista y minucioso en su representación de los detalles. Las texturas, especialmente de las telas, está muy lograda. Se trata de un pintor medieval, y ello se aprecia en el rico cromatismo o en el uso del dorado de tradición bizantina. No obstante, hay en él rasgos que prefiguran el renacimiento: intenta dar volumen a sus figuras, modelarlas, y hacerlas expresivas.

Actualmente se pone énfasis en su moderno tratamiento de la luz y también por haber usado el dibujo libre en sus estudios y esbozos. Hay que destacar que la falta de atención prestada en la pintura sobre tabla, ha sido uno de los principales obstáculos para reconocer su realismo con mayor profundidad. 

Sus pinturas son creaciones psicológicas y artísticas creadas con extrema sutileza. La imagen está concebida de un modo heráldico: cada objeto o detalle ha sido descrito artísticamente cuidadosamente a modo de emblema, formando parte de un rompecabezas congelado.

Poniendo énfasis en la composición espacial, está muy bien estudiada, con el fin de buscar un significado tanto en el plano de la imagen como en profundidad. En apariencia de todas las imágenes hechas en esta época, parecen “de un realismo poderoso” pero esconden una sensibilidad artística que es la que moldea el estilo (el estilo es un elemento que suele resaltarse más frecuentemente en los artistas italianos contemporáneos).