El Paraíso fue realizada por Jacopo Tintoretto (1518-1594)

La monumental pintura El Paraíso fue realizada por Jacopo Tintoretto (1518-1594), con la colaboración de su hijo Domenico, entre 1588 y 1592, para la Sala del Maggior Consiglio del Palacio Ducal de Venecia. El encargo surgió tras el devastador incendio de 1577, que destruyó las decoraciones anteriores de Guariento y Veronés. Tintoretto ganó el concurso para reemplazarlas y asumió la tarea de crear una de las obras al óleo más grandes del mundo, de aproximadamente 22 metros de ancho por 7 metros de alto, que debía ocupar el muro detrás del trono del Dux. Su ubicación no era casual: el lienzo preside el salón donde se reunía el Gran Consejo, el órgano político supremo de la Serenissima República de Venecia, convirtiéndose así en una obra de arte cargada de simbolismo espiritual, político y moral.

Tintoretto organizó la composición con una estructura vertical y ascendente que refleja el orden celestial. En el centro luminoso de la escena se encuentran Cristo y la Virgen María, rodeados de una aureola dorada que actúa como núcleo visual y espiritual de todo el conjunto. De ellos irradia una espiral de ángeles, santos y figuras bienaventuradas, que descienden hacia los márgenes y el plano inferior.

El artista eliminó cualquier arquitectura terrenal, utilizando únicamente las figuras humanas y la luz como elementos constructivos del espacio. Esta dinámica ascendente y giratoria crea la sensación de un torbellino divino, donde el movimiento reemplaza la rigidez, haciendo que el Paraíso parezca un organismo vivo. El resultado es una visión apoteósica de la gloria divina, interpretada con el dramatismo lumínico y la energía corporal característicos del estilo manierista de Tintoretto.

En el centro, Cristo aparece como juez y soberano del universo, mientras la Virgen María representa la misericordia y la intercesión por las almas. Juntos, simbolizan el equilibrio entre justicia y compasión, que en la teología cristiana constituye el orden perfecto del cielo. En torno a ellos, los coros angélicos celebran con música y canto, personificando la armonía divina. 

En los planos intermedios se agrupan apóstoles, mártires, doctores y vírgenes, cada uno con atributos que los identifican: llaves, palmas, libros o mitras. En los extremos laterales aparecen profetas del Antiguo Testamento a la izquierda, que anuncian la llegada de Cristo, y obispos, teólogos y santos patronos venecianos a la derecha, subrayando la continuidad entre la historia sagrada y la vida cívica de Venecia. La multitud de figuras unidas en un único movimiento ascendente simboliza la comunión de los santos, es decir, la unidad espiritual de todos los justos en la eternidad.

Aunque el tema central es religioso, Tintoretto concibió El Paraíso también como una alegoría del orden político de la República de Venecia. La composición refleja la idea de que el cielo, perfectamente jerárquico y armonioso, sirve de modelo para el gobierno terrenal. Así, Cristo y la Virgen ocupan el lugar simbólico del poder divino, mientras que los santos y ángeles que los rodean representan a los distintos niveles del Estado. Debajo del lienzo, justo bajo su mirada, se sentaban el Dux y los consejeros venecianos, de modo que el acto de gobernar se realizaba literalmente bajo el juicio y la protección del Paraíso. Esta disposición convertía la pintura en una proclamación visual de la legitimidad divina del poder republicano. Venecia, considerada una “república escogida por Dios”, aparecía reflejada como una prolongación del orden celestial, una sociedad justa y equilibrada que imitaba la armonía del cielo.

Desde el punto de vista técnico, Tintoretto despliega en El Paraíso su maestría en el uso del claroscuro y la luz dorada. El resplandor que emana del centro se dispersa entre las figuras, creando una atmósfera vibrante que da sensación de profundidad y movimiento. Las tonalidades cálidas —rojos, dorados y azules intensos— refuerzan la jerarquía visual y la emoción espiritual. 

No existe una perspectiva arquitectónica tradicional; la profundidad se construye mediante planos superpuestos de cuerpos y luces, lo que confiere a la escena una energía casi cósmica. El resultado es un espacio sin límites donde lo humano y lo divino se entrelazan en un mismo impulso ascendente. Cada figura, aunque parte de una multitud inmensa, parece animada por una luz interior que la conecta con el todo, un reflejo pictórico de la idea cristiana de la salvación universal.

El Paraíso es, en esencia, una visión de unidad. Para Tintoretto, el cielo no es solo un destino de almas, sino una imagen ideal del orden moral y político que Venecia debía aspirar a mantener. La intercesión de la Virgen, la autoridad de Cristo y la armonía de los coros celestiales servían como espejo de la justicia, la sabiduría y la concordia que guiaban al Estado. La pintura, por tanto, cumplía una doble función: religiosa —elevar el espíritu de los gobernantes— y cívica —recordarles su responsabilidad ante Dios y la historia—. Esta fusión entre fe y poder, entre arte y política, convierte la obra de Tintoretto en uno de los programas iconográficos más grandiosos y significativos del Renacimiento tardío, una síntesis del espíritu veneciano en su máximo esplendor.

Bibliografía : El Poder del Arte