"Marta y María Magdalena”, realizada por Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571- 1610) alrededor de 1598.

"Marta y María Magdalena”, realizada por Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571- 1610) alrededor de 1598 y con unas dimensiones de 97,8 x 132,7 cm . Actualmente, se encuentra en el Instituto de Artes de Detroit, en Estados Unidos. 

En esta pintura, Caravaggio representa a las hermanas Marta y María Magdalena en un momento de reflexión y conversación. Marta, vestida modestamente, reprocha a su hermana María por su conducta y enumera con sus dedos los milagros de Cristo. Este instante de conversión, que es más espiritual que físico, representa un desafío para el pintor al tratar de capturar el cambio interno de María.

En 1598, Caravaggio se encontraba en Roma, donde ya había comenzado a ganar reconocimiento como pintor. En esa época, trabajaba bajo la protección del Cardenal Francesco Maria del Monte, un importante mecenas que lo había acogido en su casa y le había proporcionado numerosos encargos.

Caravaggio es reconocido por su uso dramático de la luz y la sombra, lo que anima sus imágenes religiosas y presenta a personas comunes como modelos. En “Marta y María Magdalena”, este enfoque se manifiesta en la iluminación y la representación realista de las figuras, lo que añade profundidad emocional a la escena.

Durante este período, Caravaggio realizó varias de sus primeras obras maestras, incluyendo Marta y María Magdalena, Judith y Holofernes y San Juan Bautista. También estaba comenzando a trabajar en encargos religiosos importantes, como las pinturas para la Iglesia de San Luis de los Franceses, donde crearía su famosa serie sobre San Mateo.

Su estilo en esta época ya mostraba su característico uso del claroscuro, con un fuerte dramatismo y realismo, pero aún con influencias del Renacimiento tardío. Aunque ya era un pintor conocido, todavía no había alcanzado el nivel de fama y controversia que marcaría su vida en los años siguientes.

En Marta y María Magdalena, Caravaggio utiliza la luz y la oscuridad de manera simbólica para reforzar el mensaje de la escena. Marta, situada en la penumbra, representa el mundo de la fe y la vida espiritual, en contraste con su hermana María, quien recibe la mayor parte de la luz. Esta elección artística no es casual: Marta es quien trata de guiar a su hermana hacia el camino de la conversión, pero su posición en la sombra podría sugerir que su papel es más discreto y menos dramático que el de María, cuya transformación es el foco central de la obra. 

Además, en el relato evangélico, Marta es quien se preocupa por las tareas domésticas y el servicio, mientras que María, al escuchar la palabra de Cristo, elige el “mejor camino”. La oscuridad que envuelve a Marta puede representar esta dualidad: aunque su intención es buena, su enfoque está más centrado en la acción práctica que en la transformación interior que su hermana está experimentando.

El gesto de coger su dedo índice también tiene un significado profundo. Marta no solo está señalando a María, sino que parece estar enumerando o enfatizando algo importante, tal vez recordándole sus deberes o enumerando las virtudes de la fe. En la iconografía cristiana, el dedo índice levantado a menudo se usa para señalar la verdad o indicar una enseñanza, lo que sugiere que Marta está intentando convencer a su hermana con argumentos sólidos sobre la importancia de abandonar su vida pasada.

Este gesto también se relaciona con la tradición de representar a predicadores o maestros señalando al cielo o subrayando una lección moral. En el contexto de la pintura, el gesto de Marta refuerza su papel como guía espiritual, mientras que la expresión de María y su mirada hacia el espejo indican que su conversión no proviene solo de la argumentación de su hermana, sino de una reflexión interna y personal.

El jazmín tiene un simbolismo más acorde con la transformación espiritual de María Magdalena, representando pureza, renovación y amor divino, mientras que el narciso suele estar más relacionado con la vanidad y el autoconocimiento. Aunque ambos podrían encajar en la interpretación de la escena, el jazmín refuerza mejor el mensaje de conversión y redención.

Además, el jazmín también simboliza el amor divino y la iluminación espiritual. En la pintura, María sostiene la flor delicadamente, lo que podría sugerir que está comenzando a aceptar su nueva vida con humildad y devoción. Este pequeño pero significativo detalle enfatiza el contraste entre su pasado y su presente, un tema central en la obra de Caravaggio.

El uso de flores con significados ocultos era común en el arte del Renacimiento y el Barroco, y Caravaggio, con su maestría en la narración visual, utiliza este elemento para añadir profundidad a la escena.

Bibliografía : El Poder del Arte