Grabado de David Roberts

Grabado de David Roberts realizado en febrero del año 1833 de Granada _ España. Su impresión sobre la ciudad fue magnífica y así se lo hace saber a su hermana en una interesante carta:

En una colina cercana a Granada se alza el antiguo palacio de la Alhambra, que, en su mayor parte, se halla en un perfecto estado de conservación. Patios, salones, terrazas, galerías y fuentes se suceden sin interrupción, y en sus numerosos estanques, peces de todos los colores nadan en libertad. Sus jardines abundan en naranjos y limoneros cargados de fruto, e incluso ahora, temprano en la primavera, plantas y flores están en pleno auge y cargadas de belleza".

David Roberts (1796-1864) fue un pintor romántico de origen escocés que recorrió España entre 1832 y 1833. Reflejó nuestro país en decenas de paisajes que se popularizaron en toda Europa, gracias a que fueron reproducidos a gran escala por medio de grabados y publicados en varios libros de ilustraciones.

Al margen de su innegable valor artístico, la obra de David Roberts reúne un interés documental muy elevado, al mostrarnos lugares y edificios que después han sufrido grandes transformaciones o sencillamente se han perdido.

Entre los lugares retratados no podía faltar Madrid. Aquí permaneció algo más de tres semanas, del 16 de diciembre de 1832 al 9 de enero de 1833, que le sirvieron para entrar en contacto con los maestros españoles del Prado y para realizar varias vistas, que figuran entre las más notables que se hayan hecho de la capital en la primera mitad del siglo XIX.

Madrid no debió impresionarle especialmente, como así se desprende de la carta que le remitió a su hermana, en la que afirmaba que la ciudad no poseía “más que iglesias y conventos”. Tal vez esperaba un mayor grado de exotismo (tal era el concepto que se tenía de España durante el romanticismo), algo que sí encontró en su periplo por Andalucía.

 

Los viajeros de la época tenían opiniones enfrentadas acerca de la capital. Unos consideraban que era demasiado moderna para ser representativa de ese ideal novelesco que se le atribuía a España, mientras que otros condensaban en ella el casticismo hispano. No cabe duda de que David Roberts estaba más próximo a los primeros.

Gracias a uno de sus dibujos, conocemos el aspecto del retablo que hizo Ventura Rodríguez para la Colegiata de San Isidro, que, recordemos, fue destruido durante la Guerra Civil (1936-39) y posteriormente restaurado siguiendo el diseño primitivo.

Aunque, por norma general, Roberts intentaba reflejar la realidad de una manera fidedigna, en algunas obras se permitía alguna que otra licencia creativa, con cierta tendencia a crear fondos escenográficos, que parecen revelar sus comienzos profesionales en el teatro.

Bibliografía : https://www.pasionpormadrid.com

                     https://www.granadahoy.com

https://www.granadahoy.com/ocio/David-Roberts-Granada-escenografica_0_877412744.html

Frederick Sandys

Frederick Sandys (1829-1904), pintor, ilustrador y dibujante Victoriano, relacionado con el Prerrafaelismo e interesado por el retrato y los temas mitológicos. Estudió con su padre Anthony Sands, profesor de dibujo, pintor y retratista. Se educó en la Escuela Secundaria y en la de Diseño de Norwich. Uno de sus primeros patrocinadores fue el reverendo James Bulwer, Rector de Stody, para el que realizó dibujos y grabados.

Sandys se familiarizó con los prerrafaelistas en 1857, mientras trabajaba en su grabado ‘A Nightmare’, una parodia del ‘Sir Isumbras at the Ford’ pintado por Millais. Tras contactar con Rossetti, ambos se hicieron amigos. Sin embargo, a pesar de contar con su admiración, Sandys se mantuvo al margen del grupo.

Su primera ilustración independiente apareció en la revista Cornhill en 1860. En 1862 visitó Holanda y Bélgica. Tuvo una relación con Keomi Gray, modelo de Dante Gabriel Rossetti, 

Dibujante precoz, trabajó principalmente como ilustrador y retratista, aunque a finales de la década de 1850 y principios de 1860 también pintó en óleos.

Expuso con regularidad en la Real Academia desde 1851 hasta 1886, y en la Galería Grosvenor, en Londres, desde 1877. Se convirtió en miembro fundador de la Sociedad Internacional de Escultores, Pintores y Grabadores en 1898.

En la visión de la naturaleza​ de los prerrafaelitas influyeron la democratización de la ciencia y la gran expansión del interés por la historia natural a mediados del siglo XIX.

La visión prerrafaelita era óptica e investigadora. Al otorgar a los detalles naturales el mismo valor que al elemento figurativo principal subvertían la idea académica de una composición organizada jerárquicamente, en la que el fondo quedaba subordinado al foco de interés humano. 

Cada forma de la naturaleza era tratada con gran exactitud, de forma única y autónoma. Este detallismo en la representación pictórica motivó la comparación con el alcanzado por la fotografía y por el microscopio. Algunos críticos indicaron que una concentración de detalles tan excesiva creaba una sensación de hiperrealismo que iba más allá de las nociones aceptadas de realismo en el arte.

Su objetivo no era la ingenuidad, sino la autenticidad. Para ello la ciencia constituía una guía fiable. Pintar al aire libre en lugar de recurrir a la memoria era fundamental para liberar la mente de esquemas preestablecidos y de verificarlo todo a partir del motivo representado.

Un factor importante en la preferencia por la pintura al aire libre fue el deseo de captar el color tal como aparecía en la naturaleza. Esto los llevó a intentar distinguir entre colores «absolutos» (aquellos que poseen los objetos vistos por separado, sin influencia de ningún otro color) y «aparentes» (aquellos que se regulan entre ellos al ser vistos en conjunto).

En cuanto a los lugares representados en sus obras pictóricas, preferían zonas de la periferia de las ciudades, de fácil acceso en tren, siguiendo una especie de principio de proximidad.

Bibliografía: https://lienzos.blogspot.com/

"El Retrato de Nicolas Kratzer" obra de de Hans Holbein el Joven

"El Retrato de Nicolas Kratzer" obra de de Hans Holbein el Joven, del año 1528 y con unas dimensiones de 83 X 67 cm. Actualmente en el Museo del Louvre de París _ Francia.

Holbein alcanzó una gran fama gracias a sus retratos realistas de personas y grupos, el detallismo de la piel, el pelo, los ropajes y la ornamentación, así como el talento para representar con exactitud cada una de las diferentes texturas, que no disminuían ni iban en detrimento de las características esenciales y de dignidad de sus retratados. Tal fue el realismo de su obra que su influencia sobrepasó los límites de la pintura. 

El astrónomo Nikolaus Kratzer, amigo de Tomás Moro. Aparece en su mano izquierda un reloj de sol poliédrico a medio construir. Otros instrumentos científicos pueden verse en las estanterías detrás de él: un cuadrante (con forma de semi-círculo y empleado en la determinación de la altura de los astros) y un reloj de pastor.

Es un retrato de medio cuerpo, en el que el astrónomo aparece en escorzo. Viste ropas sobrias, oscuras, y se encuentra rodeado de instrumentos propios de su oficio, que son representados con detalle y realismo, como es típico de la pintura flamenca, constituyendo prácticamente ellos solos un bodegón.

El pintor, grabador e impresor alemán, tuvo que marcharse de Basilea por laa austeridad preconizada por la Reforma se fue apoderando de la sociedad suiza y disminuyó el mecenazgo artístico, por lo que, a pesar de su prestigio, Holbein se vio obligado a marcharse a Inglaterra en busca de nuevos encargos. Holbein hizo un alto en Amberes, donde compró varios paneles de roble y pudo haber conocido al pintor Quentin Matsys.

Llegó a Londres en 1526 con cartas de presentación escritas por Erasmo de Róterdam, entonces ya su amigo y protector, para importantes personajes de la época a los que habría de retratar y entre los que se incluye Tomás Moro. Este le dio la bienvenida a Inglaterra y le encontró una serie de encargos. «Tu pintor, mi muy querido Erasmo», escribió, «es un artista maravilloso».​

El 29 de agosto de 1528, Holbein compró una casa en Basilea, en St Johanns-Vorstadt. Presumiblemente regresó a casa para conservar su ciudadanía, puesto que solo le habían autorizado a ausentarse durante dos años.​ Enriquecido por su éxito en Inglaterra, Holbein compró una segunda casa en la ciudad en 1531.

Nicholas Kratzer nació en Munich en hacia 1497 y a los 29 años se trasladó a Londres, donde fue empleado de Tomas Moro, de cuyos hijos fue profesor de matemáticas y astronomía, y del Cardenal Wolsey. Más tarde fue nombrado astrónomo y relojero de Eduardo VIII. Murió en Londres en 1550.

Hans Holbein murió entre el 7 de octubre y el 29 de noviembre del año 1543 a los 45 años de edad. Karel van Mander afirmó a principios del siglo XVII que murió por la peste. Wilson considera la teoría con precaución, puesto que los amigos de Holbein acudieron a su lecho de muerte; y Peter Claussen sugiere que murió por una infección.​

El 29 de noviembre, Juan de Amberes, el protagonista de varios retratos de Holbein, legalmente emprendió la administración de los últimos deseos del artista. Presumiblemente pagó las deudas de Holbein, adoptó medidas para el cuidado de los dos hijos del pintor, y vendió y dispersó sus efectos, incluyendo muchos dibujos preliminares que han sobrevivido. El lugar de la tumba de Holbein se desconoce y puede que nunca se marcase.

Bibliografía : ​https://es.wikipedia.org

                     Hans Holbein El Joven, Hellmuth Bachimann

John Singer Sargent (1856-1925) en su estudio en el año 1903

John Singer Sargent (1856-1925) en su estudio en el  año 1903 pintando a Señora de Fiske Warren (Gretchen Osgood Warren) y su hija Rachel en Fenway Court en Boston (actualmente el Museo Isabella Stewart Gardner), donde Sargent había instalado un estudio temporal.

Gretchen Osgood Warren (1871-1961), una actriz teatral estadounidense, cantante, y poetisa, las dimensiones de la obra son 152,4 × 102,55 cm. Actualmente se exhibe en el Museo de Bellas artes de Boston, Massachusetts. El museo lo compró el 13 de mayo de 1964.

Margaret Gretchen Osgood Warren nació en 1871 en el seno de una familia acomodada en el barrio histórico de Beacon Hill, Boston, Massachusetts. Debido a la riqueza familiar, fácilmente pudo seguir su vocación por la música y el teatro aunque su estatus y educación le impedían actuar en público. Asistió al Conservatorio de París, estudiando con Gabriel Fauré como mezzosoprano.

En abril de 1903, Fiske Warren encargó al famoso retratista John Singer Sargent pintar a Gretchen y su hija mayor, de once años. La sesión de posado se efectuó en la Sala Gótica de Fenway Court, entonces la casa de la filántropa de Boston y coleccionista de arte Isabella Stewart Gardner. 

Alrededor de 1900, Sargent estaba en el cénit de su popularidad. Aunque sólo estaba en la cuarentena, comenzó a viajar más y a dedicar relativamente menos tiempo a la pintura de retratos. Entre 1900 y 1907, Sargent continuó con su alto ritmo de trabajo, en el que además de decenas de retratos al óleo, realizó cientos de retratos dibujados´.

En una época en que el arte estaba centrado en el impresionismo, el fauvismo y el cubismo, Sargent desarrolló su propia interpretación personal del realismo, con brillantes reminiscencias de Velázquez, Van Dyck, y Gainsborough. Su aparente facilidad para reinterpretar a los maestros de una manera contemporánea le proporcionó una serie ininterrumpida de encargos de retratos que desarrolló con un destacado virtuosismo, lo que le hizo ganar el sobrenombre de "el Van Dyck de nuestros tiempos.

Nació en Florencia de padres norteamericanos acomodados. Entre Italia y Alemania pasó su infancia y tomó las primeras clases de pintura. Otro elemento a tener en cuenta en este pintor es su curiosidad por todo tipo de culturas. Fue un viajero incansable. Aunque vivió en París y Londres, donde tuvo su residencia desde 1885, no paró de visitar repetidas veces Estados Unidos, Italia, España, Holanda, el norte de África, Egipto, Constantinopla...

de todos estos sitios sacó ideas y dejó constancia en su obra.

Bibliografía : http://gurneyjourney.blogspot.com

La Catedral-Basílica de Santa María en la ciudad de Anagni, Lacio _ Italia.

El comienzo de la Catedral-Basílica de Santa María y su construcción en su forma actual se remonta a San Pedro de Salerno ,entre los años 1062 a 1105. En su cripta se conserva uno de los más importantes ciclos de frescos de la Edad Media italiana. Se encuentra en la ciudad de Anagni, Lacio _ Italia.

Es una cripta grandiosa bajo el transepto y los tres ábsides de la cabecera catedralicia. Allí en la parte subterránea se encuentra un espacio compartimentado por más de una veintena de bóvedas de crucería sostenidas por una docena de columnas. Y todo ese lugar, todos sus muros y bóvedas están repletos de pinturas al fresco del Medievo.

La autoría de este conjunto se atribuye a tres maestros anónimos diferentes. El que mayor pinturas realizó es el conocido como Maestro delle Traslazioni. Mientras hay otras partes que se atribuyen al conocido Maestro Ornatista y a un Terzo Maestro, cada uno con sus propias características estilísticas.

Entre todos ellos realizaron un ciclo increíble de pintura en el que por supuesto hay imágenes religiosas, pero además hay muchas de carácter científico. Algo que sorprende y que sirve para descubrir que la iglesia de la Edad Media tenía mucho más que ver con la ciencia heredada de la Antigua Grecia de lo que nos podemos imaginar.

De hecho hay detalles sorprendentes como una representación del mundo en el que se interpreta que es esférico y no llano. O las zonas en las que se ven representados científicos griegos, sobre todo astrónomos y médicos.

Un buen ejemplo es la imagen que aquí os presentamos de Hipócrates y Galeno, considerados los padres de la medicina. De hecho, en la actualidad a los doctores se les sigue llamando “galenos” y todos ellos hacen el juramento hipocrático.

Los vemos aquí a maestro, Hipócrates, y alumno, Galeno, comentando un libro que están leyendo. La imagen es de una enorme plasticidad y volumen, algo conseguido sobre todo gracias a la habilidad del dibujo, que en este caso es obra del Maestro de la Traslazione que haría el trabajo en los años 30 del siglo XIII.

Y podemos comprobar que era un artista de gran maestría, ya que si nos fijamos se descubren infinidad de detalles interesantes. Por ejemplo las tallas en los capiteles de las columnas de la sala, los exquisitos muebles donde se sientan los personajes o la delicadeza con la que ha pintado las ataduras de los libros. Por cierto, en el libro que tienen abierto hasta se lee una frase muy singular:

Algo que está relacionado con toda la cosmogonía y ciencia que está representada en otras bóvedas donde vemos las ideas que tenían sobre el firmamento o sus conocimientos médicos basados en que la salud del cuerpo humano tenía que ver con el porcentaje de diferentes fluidos, que ellos llamaban sangre, bilis negra, bilis amarilla y flema.

En definitiva, que estamos ante unas pinturas que además de arte, son una representación de la cultura de la época medieval en Italia, y en Europa.

Bibliografía: https://arte.laguia2000.com

"Retrato de una Dama" obra del pintor simbolista austriaco Gustav Klimt

 

"Retrato de una Dama" obra del pintor simbolista austriaco Gustav Klimt (1862-1918) del año 1894 y con unas dimensiones de 168 x84. Actualmente se encuentra en la La Galería Belvederees un importante museo de arte situado en el Palacio Belvedere en Viena_  Austria.

Gustav Klimt fue un pintor austríaco famoso en su tiempo que sigue siendo reconocido hasta hoy. Lo caracteriza su estilo moderno y la manera en la que logró capturar y transmitir emociones a una intensidad elevada.

Su forma de pintar es particularmente interesante porque empleó en ella técnicas muy variadas: hoja de oro, reboques, texturas, temple, óleo, etc.

Emilie Louise Flöge ( 1874 -1952), fue una diseñadora de modas y austriaca. se convirtió en diseñadora de modas y fue a partir de 1904 cuando comenzó a tener éxito, junto a su hermana Helene, como empresaria, con la apertura del salón de alta costura vienés Schwestern Flöge

Emilie Flöge fue una personalidad fascinante perteneciente a la bohemia vienesa y a la sociedad de finales del siglo XIX. Fue pareja del pintor Gustav Klimt, cuñado de su hermana Helene e invitado frecuente en casa de sus padres; él pintó varios retratos suyos a partir de 1891. Algunos expertos piensan que en El Beso, su cuadro más famoso, Klimt se representa a sí mismo junto a Emilie Flöge. 

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Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Gustav Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino. El artista sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante, que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale.

La severidad de una línea dibujada a mano, con su potencial para la belleza lírica, es esencial para el arte de Gustav Klimt. La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en tonos dorados y elementos ornamentales de vivos colores.

Cuando Klimt admitía un encargo, iniciaba su particular método de trabajo tras largas meditaciones, más prolongadas sesiones de posado de modelos. Sus pinturas eran de naturaleza abiertamente erótica, pero solía suavizarlas por un enfoque alegórico o simbólico. Este detalle las hacía más admisibles para la pacata opinión pública de la burguesía vienesa.

Fue a través de la práctica diaria del dibujo de la vida, que Klimt cultivó sus ideas. A pesar de su gran habilidad para dibujar, Klimt tuvo que esbozar su camino hacia la genialidad. Y esto lo logró con la práctica, lo puedes ver en los más de 4000 bocetos, estudios y composiciones a color que se sabe realizó.

Bibliografía: https://www.ttamayo.com

                    https://totenart.com

Caspar David Friedrich obra de Georg Friedrich Kersting

Caspar David Friedrich en su estudio del año 1819 obra del pintor Georg Friedrich Kersting (1785- 1847). Actualmente se encuentra en la Antigua Galería Nacional de Berlín.

Notablemente libre del desorden que normalmente se encuentra en un espacio de trabajo del artista. Representa el acto de la pintura como un proceso contemplativo y reflexivo y, por lo tanto, el estudio sirve como un lugar de pura concentración. Es intrigante que no veamos lo que el artista está mirando mientras la parte trasera del lienzo en el que está trabajando se vuelve hacia nosotros.

Georg Friedrich Kersting es uno de los pintores destacados en la primera generación del Romanticismo alemán. Nació en Güstrow, Mecklenburg, en octubre de 1785. Su formación, al igual que la de tantos otros destacados pintores alemanes de este periodo como Friedrich, tuvo lugar en la Academia de Copenhague entre 1805 y 1808. En este último año se trasladó a Dresde, en donde estableció una estrecha vinculación con Caspar David Friedrich y su círculo.

Con el maestro de Greifswald realizó un viaje a pie por las montañas del Riesengebirge en 1810, el cual habría de mostrarse decisivo para la producción artística de ambos. Asimismo, su relación se repartía por igual con el pintor Gerhard von Kügelgen, con el que pasaba buena parte de su tiempo. Precisamente, sobre estos dos pintores son los dos primeros retratos de interior que realizó, género que, a la larga, habría de convertirse en su especialidad.

Expuestas en la Academia de Dresde en 1811, estas dos obras le reportaron una merecida fama. Tras ellos, Kersting prosiguió realizando obras de este tipo, en las que confluyen una serie de conceptos románticos, tales como el interés por el espíritu del individuo, en su relación con el entorno en que desempeña su sagrada labor creativa. En 1812 pintó varias de sus más conocidas obras, 'La bordadora' y 'Hombre en el escritorio'.

Su estilo sería la iluminación, los sutiles efectos de luz de velas o lámparas que alumbran con suavidad los interiores que solía representar, otorgando a estas escenas una apariencia que trasciende la realidad para convertirse en imágenes solemnes y con cierto aire misterioso, como por ejemplo, Hombre leyendo a la luz de una lámpara del año 1814.

Estos retratos, en especial el dedicado a su mujer en 1832, 'Agnes Kersting', y las escenas de su familia muestran su capacidad para la detenida descripción del ambiente y los objetos, en la que juega con los efectos lumínicos para lograr una atmósfera silenciosa, plena de quietud. Kersting falleció en julio de 1847 en Meissen. Su obra cayó pronto en el olvido, y no sería apreciada de nuevo hasta la recuperación de la pintura romántica a comienzos de este siglo, al igual que le sucedería a Friedrich o Cornelius.

Bibliografía : https://www.artehistoria.com