La Piazza del Popolo en Roma

Las "iglesias gemelas": a la izquierda, Santa Maria in Montesanto; a la derecha, Santa Maria dei Miracoli. El "tridente" de la Piazza del Popolo en un grabado de Gianbattista Piranesi (1778-1807) en el siglo XVIII. La Piazza del Popolo es una de las plazas más célebres de Roma, situada a los pies del Pincio _ Italia.

La forma de la plaza no adquirió su conformación actual hasta finales del siglo XIX. Antes, era una modesta plaza de forma trapezoidal que se ensanchaba hacia el Tridente. Durante la ocupación napoleónica, el arquitecto neoclásico Giuseppe Valadier revisó el aspecto arquitectónico y urbanístico de la plaza. En 1793, presentó un proyecto que proponía disponer dos cuarteles de caballería a ambos lados de la plaza.

Sin embargo, durante la primera invasión de Napoleón (1798 y 1809), los franceses impusieron a Valadier un proyecto de "villa y paseo público", que no pudo realizarse debido a que no tenía en cuenta los desniveles del terreno entre el Pincio y la plaza.

El origen del nombre de la plaza es incierto. Una etimología sugiere que "popolo" proviene del latín "populus" (álamo), basándose en la tradición que afirma que en la zona había un bosque de álamos perteneciente a la cercana tumba de Nerón.

En la plaza se encuentran tres iglesias. La más antigua es la basílica de Santa María del Popolo, construida en el siglo XI por el papa Pascual II sobre el sepulcro de los Domizi, donde fue enterrado Nerón. Posteriormente, fue reconstruida entre 1472 y 1477 durante el pontificado de Sixto IV, por Baccio Pontelli y Andrea Bregno, quienes le dieron un aspecto esencialmente renacentista. Entre 1655 y 1660, el papa Alejandro VII decidió restaurar la iglesia con un estilo más enérgico y encargó las obras a Gian Lorenzo Bernini, quien le confirió un claro estilo barroco que aún se aprecia en la actualidad.

En la actualidad, la Piazza del Popolo es una amplia zona peatonal de aproximadamente 16,000 m², utilizada para eventos públicos importantes, con capacidad para albergar hasta 65,000 personas. Además, aquí tiene su sede el comando regional de los Carabineros del Lacio en el cuartel dedicado a Giacomo Acqua, un antiguo convento agustiniano que, en 1870, fue la primera sede de los Reali Carabinieri dei Savoia, bosque de álamos perteneciente a la cercana tumba de Nerón, como acabo de mencionar. 

Villa Chigi en Roma

La Villa Chigi, ubicada en Roma, es conocida por su rica historia y magnífica decoración. fue diseñada por el arquitecto italiano Gian Lorenzo Bernini y se construyó entre 1652 y 1656 para el cardenal Flavio Chigi, sobrino del Papa Alejandro VII. La decoración de la villa presenta elementos artísticos y arquitectónicos significativos.

La villa es un ejemplo destacado de la arquitectura barroca romana, con su fachada impresionante y características típicas de este estilo, como líneas curvas, volutas y esculturas ornamentadas.

La villa está rodeada por hermosos jardines, también diseñados por Bernini, que complementan la arquitectura y proporcionan un entorno encantador.

El interior de la villa cuenta con pinturas y frescos de artistas prominentes de la época, como Carlo Maratta y Giovanni Francesco Romanelli. Estas obras maestras decoran techos y paredes, contribuyendo a la belleza artística del lugar.

Bernini también contribuyó con esculturas a la decoración de la villa. Sus obras escultóricas son conocidas por su realismo y expresión emotiva.

La Villa Chigi ha experimentado modificaciones y cambios a lo largo de los años, pero sigue siendo un ejemplo destacado de la rica tradición artística y arquitectónica de la Roma barroca. La villa ha sido utilizada para diversas funciones a lo largo de los siglos y en la actualidad se utiliza en parte para eventos oficiales.

Para la familia Chigi Bernini construye dos iglesias: la colegiata de Ariccia y la de Castel Gandolfo. También edificó la Iglesia de Sant'Andrea en el Quirinal, encargada por Camilo Pamphili, una iglesia pequeña de planta elíptica con la entrada en el eje menor y un óculo en el centro.

 Gian Lorenzo Bernini en 1665,
                         pintado por Giovanni Battista Gaulli.                      

Gian Lorenzo Bernini es el arquitecto más representativo de todo el barroco italiano. Sus características como arquitecto barroco fueron:Dar mucha importancia a lo decorativo, tanto en el interior como en el exterior. Los elementos constructivos (columnas, pilastras, etc.) se multiplican, pero con función decorativa, siendo su único fin dar ritmo arquitectónico.

Frontones, entablamientos, etc. se rompen, las curvas se compenetran con líneas rectas, buscando siempre presiones dinámicas.

Marie-Guillemine Benoist (1768–1826)

Autorretrato de Marie-Guillemine Benoist (1768–1826), datado en 1786 y con unas dimensiones de 95,7 x 78,5 cm. Actualmente se conserva en la Galería Nacional de Arte de Karlsruhe_ Alemania.

Benoist fue una pintora neoclásica, lo que implica que su obra reflejaba las características estilísticas y temáticas asociadas con el movimiento neoclásico predominante en la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX. Al igual que otros artistas neoclásicos, Benoist se inspiró en la Antigüedad clásica y la mitología, pero también abordó temas contemporáneos y sociales.

Reconocida por sus retratos, sus obras destacan por la atención meticulosa a los detalles y una representación realista de los sujetos. Sus retratos incluyen no solo a personas de la alta sociedad, sino también a individuos de diferentes orígenes y clases sociales.

La obra de Benoist se caracteriza por su énfasis en la armonía, la simetría y una composición equilibrada. Aplicó estas características en sus creaciones, logrando composiciones bien organizadas y proporcionadas.

Aunque el neoclasicismo a menudo se asocia con la representación de temas clásicos, Benoist también abordó cuestiones sociales y políticas contemporáneas. Su obra "La negra esclava" es un ejemplo de esto, ya que desafía las convenciones sociales de la época y aborda cuestiones relacionadas con la esclavitud y la discriminación racial.

Benoist también incorporó elementos de naturalismo en sus retratos, buscando capturar la realidad y la individualidad de sus sujetos.

Aprendió de la mano de los grandes artistas de su tiempo y llegó a ser pintora de personalidades como Napoleón. Disfrutaba de su éxito como pintora de grandes personalidades. Además de recibir una medalla de oro del Salón y una pensión oficial, abrió su propio taller de pintura.

Un éxito y una carrera prometedora que se truncó cuando su marido fue elevado a miembro del Consejo de Estado tras la Restauración Borbónica de 1814. Que un alto cargo del estado tuviera una esposa tan famosa, que pudiera hacer sombra a su marido era inconcebible. Marie-Guillermine fue invitada sutilmente a abandonar su carrera. Desde entonces y hasta el final de sus días, apenas pintó un puñado de cuadros. Marie-Guillemine Benoist .

Bibliografía: https://www.mujeresenlahistoria.com

El dolmen de Guadalperal

El dolmen de Guadalperal, también conocido como «el tesoro de Guadalperal», es un monumento megalítico que data de entre finales del V y el III milenio a. C. Su fecha de construcción se estima que puede situarse hacia el 4.000 a. C.1

Es una construcción megalítica diseñada con una finalidad funeraria que se conoce como "dolmen" en la tipología de enterramientos prehistóricos europeos. No obstante, los medios de comunicación han incurrido en el error frecuente de considerarlo un crómlech y denominarlo el Stonehenge español por un remoto e imposible parecido con este monumento inglés.

Está situado en la localidad cacereña de El Gordo, en la comarca del Campo Arañuelo en el este de Extremadura _ España.

El monumento se halló en 1925 y fue excavado entre 1925 y 1927 por el arqueólogo alemán Hugo Obermaier, capellán de la casa de Alba. En la década de 1950 el matrimonio alemán compuesto por Georg y Vera Leisner sería el encargado de recopilar la documentación dispersa entre la Universidad de Friburgo y la finca de los Alba y realizando una publicación científica sobre el mismo. En la década de 1990, Primitiva Bueno Ramírez y Rodrigo de Balbín Behrmann visitaron el monumento y publicaron los grabados localizados en el menhir.6 En 2021 se emprendieron nuevas excavaciones arqueológicas en el yacimiento.

En 1963 el dolmen de Guadalperal quedó inundado tras la construcción de la presa de Valdecañas en el río Tajo, siendo únicamente visible cuando baja el nivel del embalse en el que se halla inmerso. En la última década, en verano, debido a la sequía ha sido posible ver el dolmen en varias ocasiones parcialmente y en dos ocasiones completamente.

El hecho de estar sumergido la mayor parte del tiempo podría haber erosionado el monumento y su entorno, como también lo podrían haber hecho las visitas a las que se somete el sitio. La asociación local Raíces de Peraleda reclamó en los medios de comunicación el traslado del dolmen fuera del embalse ante el deterioro que supuestamente apreciaban.

Desde 2019 se han venido monitorizando posibles daños en el monumento, Los trabajos arqueológicos desarrollados han incluido una digitalización del yacimiento. El 10 de mayo de 2022 fue declarado bien de interés cultural (BIC) por el Consejo de Ministros de España.

Belvedere en el Klausberg

Belvedere en el Klausberg es un lugar ubicado en la parte norte de la capital de Brandeburgo, Potsdam, en el noroeste de Alemania. Construido entre los años 1770 y 1772 bajo el mandato de Friedrich el Grande, se encuentra en la cadena montañosa al norte del reconocido Parque Sanssouci. En la época de su construcción, se podía avistar desde una gran distancia, y en la actualidad, sigue siendo un excelente lugar para visitar.

El arquitecto Georg Christian Unger basó los planos en un dibujo realizado por el arqueólogo italiano Francesco Bianchini, quien intentó reconstruir el palacio Imperial en la colina Palatina de la antigua Roma. Bianchini utilizó escritos antiguos, partes de las ruinas y una inscripción hallada en una moneda romana para realizar su dibujo.

La palabra "basó" se refiere a que el arquitecto Georg Christian Unger fundamentó sus planos en un dibujo. En otras palabras, utilizó el dibujo como base o inspiración para la creación de los planos del Belvedere en el Klausberg.

En el exterior, el Belvedere presenta una forma redondeada, similar a las fuentes de los antiguos templos. En la planta baja, está rodeado por una plataforma con veinte columnas que sostienen otras veinte de estilo corintio en el segundo nivel. En el exterior, se aprecia un domo decorado con estatuas de veinte divinidades esculpidas en piedra arenisca, cada una realizada por un escultor diferente.

En el interior, la parte inferior aún no ha sido restaurada desde su destrucción en 1945, pero conserva elementos decorativos del siglo XVIII, como paredes de mármol blanco silesiano y paredes en estilo francés. El suelo exhibe baldosas de mármol gris que alguna vez formaron una estrella de ocho puntas en el centro de la habitación.

La parte superior ha sido completamente restaurada, presentando paredes cubiertas con mármol de color verde claro que otorgan al lugar una luz azulada. Los pisos forman trapezoides hechos de diversas clases de madera, y el techo, adornado con nubes y diversas aves, no debe pasar desapercibido pintado por los artistas Friedrich Wilhelm Bock y Karl Christian Wilhelm Baron, 

Bibliografía :https://sobrealemania.com

"El sombrero del Sr. Magritte" obra de Wolfgang Lettl (1919 - 2008)

"El sombrero del Sr. Magritte", obra de Wolfgang Lettl (1919-2008), data del año 1976 y tiene unas dimensiones de 50 x 40 cm. Actualmente, se conserva en la Lettl Collection en Augsburgo _ Alemania.

Wolfgang Lettl, conocido por su estilo surrealista y simbolista, nació en Augsburgo, Alemania, y realizó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Su obra se distingue por la fusión de elementos surrealistas y simbolistas, dando lugar a imágenes oníricas y misteriosas.

Lettl se destacó en la representación de figuras humanas y paisajes surrealistas, a menudo incorporando elementos fantásticos. Aunque no alcanzó la misma fama internacional que algunos de sus contemporáneos, dejó una huella significativa en el mundo del arte, especialmente en Alemania.

Además de su práctica artística, Lettl también fue profesor en la Academia de Bellas Artes de Múnich, donde influyó en generaciones de artistas jóvenes. Su contribución al arte se centra en su capacidad para combinar la técnica clásica con la imaginación surrealista, creando obras visualmente impactantes y llenas de significado simbólico.

En 1939, a la edad de 20 años, Wolfgang se unió al ejército alemán y sirvió como oficial de comunicaciones en el París ocupado de 1940 a 1943, durante el cual trabajó en sus acuarelas y primero se expuso al surrealismo. Más tarde en la guerra, se convirtió en un aviador de reconocimiento en Noruega, donde fue capturado al final de la guerra y se mantuvo durante cuatro meses.

Regresó a Augsburgo en 1945, y trabajó allí como pintor independiente de 1945 a 1948. En 1949, sin embargo, la reforma monetaria lo obligó a recurrir a la construcción para llegar a fin de mes. Él continuó trabajando en sus paisajes, retratos y arte surrealista mientras que trabajaba trabajos de la construcción y trabajos impares. A partir de 1954, pudo concentrarse en su arte.

El éxito con su arte freelance lo llevó a desarrollar su surrealismo, y en 1963 participó en la Grosse Kunstausstellung München, convirtiéndose en un miembro de la Neue Münchener Künstlergenossenschaft. Siguieron espectáculos individuales en Alemania y en el extranjero.

René Magritte es un famoso pintor surrealista belga. Si esta obra existe, podría ser una interpretación única del estilo de Magritte por parte de Lettl, hasta qué punto René Magritte le ha influido en su trabajo. A veces ha citado deliberadamente motivos suyos o los ha desarrollado más. Hizo algo así con Miguel Ángel y Tiziano, por admiración,

Bibliografía ; https://orlhdz.wordpress.com/

Vista de la plaza de París en junio de 1945 y La Puerta de Brandenburgo

Vista de la plaza de París en junio de 1945 y La Puerta de Brandenburgo en Berlín _ Alemania. Un monumento neoclásico del siglo XVIII, construido por orden del rey de Prusia, Federico Guillermo II, después de reprimir la revuelta popular holandesa y restaurar el poder orangista en los Países Bajos

La Puerta de Brandeburgo ha jugado diferentes papeles políticos a lo largo de la historia de Alemania. Tras la derrota de Prusia en 1806 en las batallas de Jena y de Auerstedt, Napoleón fue el primero que usó la puerta para realizar una procesión triunfal,​ y se llevó su cuadriga a París.

En la época de Federico Guillermo I (1688), poco después de la guerra de los Treinta Años y un siglo antes de la construcción de la puerta, Berlín era una pequeña ciudad amurallada rodeada por una fortaleza de estrella con varias puertas. Una paz relativa, una política de tolerancia religiosa y su estatus como capital del Reino de Prusia facilitaron el crecimiento de la ciudad.

La construcción de la nueva puerta fue ordenada por Federico Guillermo II como acaba de mencionar para que representara la paz, y originalmente recibió el nombre de Puerta de la Paz Fue diseñada por Carl Gotthard Langhans, el Superintendente de Edificios de la Corte, y construida entre 1788 y 1791, sustituyendo a las simples casetas que flanqueaban la puerta original del Muro de la Aduana. La puerta consta de doce columnas dóricas, seis a cada lado, que forman cinco vanos.

Cuando los nazis alcanzaron el poder, usaron la puerta como un símbolo del partido. La puerta sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial y era una de las pocas estructuras que seguían en pie entre las ruinas de la plaza de París en 1945, aunque estaba gravemente dañada, con agujeros en las columnas procedentes de las balas y explosiones cercanas.

Sobrevivió la cabeza de un caballo de la cuadriga original, que actualmente se conserva en la colección del Museo Märkisches. Para intentar simular el distrito gubernamental de Berlín y confundir a los bombarderos aliados se construyó una réplica de la Puerta de Brandeburgo lejos del centro de la ciudad.

El monasterio de Rila

El monasterio de Rila es el cenobio más importante de Bulgaria. Fue declarado patrimonio de la humanidad por la Unesco en 1983. Para entonces, ya llevaba un milenio acogiendo las plegarias de los monjes y recibiendo masivamente las visitas de los búlgaros, que llenan su recinto todos los días del año. Fue fundado en el siglo X por un ermitaño conocido como Juan de Rila. El templo está ubicacado en las Montañas Rila, en el profundo valle del río Rilski, en la parte occidental de Bulgaria, a más o menos 120 kilómetros de la capital, Sofía.

La Iglesia de la Natividad de la Virgen (Rozhdestvo Bogorodichno), cuya fachada exterior fue reconstruida en el siglo XIX, presenta una pintura a rayas negras, rojas y blancas, y cuenta con cinco bóvedas en forma de cruz.

El Monasterio de Rila es el cenobio más destacado de Bulgaria y fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1983. En ese momento, ya había pasado un milenio acogiendo las plegarias de los monjes y recibiendo numerosas visitas de búlgaros, quienes llenan sus recintos todos los días del año. Fundado en el siglo X por el ermitaño conocido como Juan de Rila, el monasterio ha desempeñado un papel crucial en la preservación de la identidad búlgara y continúa siendo un lugar de gran importancia espiritual y cultural.

Se trata de un recinto amurallado que se salva por una discreta puerta decorada con dos soles. Es la antesala de lo que espera al viajero, un recinto monástico decorado hasta la extenuación en el clásico estilo cristiano ortodoxo.

La iglesia está decorada hasta el último rincón. Los frescos informaban a los fieles (que en la edad media no sabían leer) de santos, martirios, milagros y escenas bíblicas. En el interior, el ambiente es el clásico de oscuridad rota por el brillo de las espectaculares lámparas. Todo lo contrario de las paredes que rodean el nártex, que utilizan un blanco deslumbrante como fondo para recrear escenas barrocas hasta el delirio.

El complejo sirvió como depositario de la lengua y cultura búlgaras en tiempos de dominio extranjero. Durante la época del Despertar nacional búlgaro (siglos XVIII-XIX), el monasterio fue pasto de las llamas en 1833 y fue reconstruido entre 1834 y 1862 con la ayuda de pudientes búlgaros de todo el país, bajo proyecto del arquitecto Alexi Rilets. La construcción de los edificios residenciales comenzó en 1816, mientras que un campanario se añadió a la torre de Hrelyu en 1844.

 

Rodeando el conjunto encontramos una serie de edificios de cuatro alturas y con bonitos balcones que son en su mayoría las celdas de los monjes que actualmente viven en el monasterio y otras estancias privadas donde, como es lógico, no es posible acceder.

Rila significa 'montaña bien regada', y a tenor del tamaño gigantesco de sus árboles el topónimo es muy acertado. Este complejo monástico impresiona no solo por la belleza de su arquitectura y frescos sino también por el entorno natural en el que se encuentra, en mitad de los Montes de Rila, rodeado de profundos bosques en un paraje sin igual y por haberse convertido en todo un símbolo nacional, ya que se considera al Monasterio de Rila el guardián de la lengua y la cultura búlgaras. Por todo ello se trata de una visita imprescindible en una ruta por esta zona de los Balcanes.

Bibliografía : https://www.lavanguardia.com

                     https://www.airenomada.com

Agustín Ibarrola, (1930-2023)

El viernes de la semana pasada amaneció con la noticia del fallecimiento de Agustín Ibarrola, (1930-2023), pintor y escultor, a la edad de 93 años. Su partida deja un vacío significativo en el mundo del arte, donde destacó por sus obras vanguardistas que capturaban la esencia de su amor por la naturaleza, la memoria y la libertad.

En un ejercicio sobre las formas de las piedras. El propio autor lo explicaba : las piedras tiene formas; las formas sugieren un tratamiento geométrico, el tratamiento que la puedes dar por sus huecos, por sus volúmenes, por sus planos ….son piedras rotas, abiertas . No se pueden ver de un solo vistazo. Las piedras tienen concavidades y convexidades , huecos y volúmenes . Yo puedo trazar una línea recta situándome frontalmente a esos huecos y volúmenes, pero en el momento que me desplazo medio metro han dejado de existir las líneas rectas y se han convertido en líneas curvas y hay que jugar con todas las posibilidades expresivas.

Hay partes de la roca que no he pintado. ¿Qué ha ocurrido con esto?, la rocas tiene piel aparte de curvas, huecos y volúmenes . Tiene piel como todas las cosas de esta tierra; el mundo tiene sus superficies que son diversas en sus texturas.....la parte no pintada está estructurada geométricamente, no de acuerdo con la geometría tradicional, sino con la geometría moderna, que hace que una cosa pueda estar detrás y delante al mismo tiempo.

Esa parte de la piel de la roca la considero un color que actúa en igualdad de condiciones con los colores que estoy poniendo. Unas veces esa roca estará superpuesta por el color que he puesto y otra parte es como si se hubiera metido por debajo de la roca, por el interior de la roca y entonces convierto su textura en un color que trabaja en las mismas condiciones que estoy trabajando con los colores. Así forman una sola unidad y hace posible que la gente,  fijándose un poco, vea que en realidad como la piedra es perforada ópticamente por la mirada del visitante.

Las obras más sorprendentes: arte y naturaleza. La Colina de Carbón Prosper Haniel en Ruhr, Alemania, el Bosque de Oma en Kortezubi, inaugurado por el pintor en 1984,,la Mirada en Vitoria-Gasteiz es una escultura más significativa de Ibarrola, creada en mármol de Lastur en 1992, homenaje a las Víctimas del Terrorismo es otra obra representativa del pintor y escultor vasco, creada en 2002 y ubicada en el Portal de Foronda, "Guernica Gernikara" es uno de los murales más emblemáticos del artista, un homenaje a Pablo Picasso que fusiona la imagen del Guernica con las características figurativas propias del pintor vasco, Las Piedras de Garoza, un proyecto de arte y naturaleza en la Dehesa de Garoza de Muñogalindo (Ávila).

Y por ultimo "Los Cubos" de la Memoria en Asturias son una manifestación de arte público creada por él en los bloques de hormigón que forman la escollera del puerto marinero de Llanes. Esta obra fusiona elementos esenciales del artista con el rico pasado histórico y cultural de Llanes, revelando así la memoria del artista, del arte y del territorio.

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A lo largo de su destacada carrera, el artista vasco fue objeto de múltiples reconocimientos. En 1993, fue condecorado con la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes, compartiendo este honor con los miembros del Equipo 57. En el año 2001, recibió el prestigioso Premio de la Confederación "Mayores en Acción" y el galardón Jovellanos. Además, en 2005, se le otorgó la distinción máxima al ser galardonado con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Estos reconocimientos son testimonio de la magnitud de su contribución al mundo artístico y cultural, consolidando su posición como una figura destacada en el panorama de las bellas artes.

Bibliografía : https://cronicavasca.elespanol.com