viernes, 29 de octubre de 2021

Parque de los monstruos o Bosque sagrado

 
Parque de los monstruos o Bosque sagrado fotografiado en año 1952  por Herbert List, son denominaciones de los jardines del Castillo de los Orsini ​ en (provincia de Viterbo _  Italia.




Una de las más poderosas familias del renacimiento italiano. En este lugar se encuentran las ruinas de un antiguo palacio y los restos de un sorprendente parque repleto de fantásticas estatuas, esculpidas en granito negro y devoradas por la vegetación. Este parque mágico, una de las creaciones más fabulosas y extravagantes del siglo XVI, fue obra de Pier Francesco Orsini, duque de Bomarzo, quien quería un monumento “que no se pareciese a otro más que a sí mismo”, y que fuese reflejo directo de los fantasmas y las obsesiones de su creador.


El bosque de las alegorías, de los monstruos. Cada piedra encerraría un símbolo y, juntas, escalonadas en las elevaciones donde las habían arrojado y afirmado milenarios cataclismos, formarían el inmenso monumento arcano de Pier Francesco Orsini. Nadie, ningún pontífice, ningún emperador, tendría un monumento semejante. Mi pobre existencia se redimiría así, y yo la redimiría a ella, mudado en un ejemplo de gloria».



Herbert List (1903 - 1975) fue un fotógrafo alemán, conocido por sus colaboraciones en las revistas Vogue, Harper's Bazaar y Life y por sus trabajos sobre desnudos masculinos. Fue seleccionado para participar en la exposición The family of man en el MOMA en 1955.​




Su obra se suele denominar como fotografía metafísica, como si naciese misteriosamente del interior, pero de un modo especial está considerado como uno de los más importantes fotógrafos del homoerotismo y gran cantidad de sus fotos tratan el desnudo masculino en blanco y negro. Se han realizado numerosas exposiciones retrospectivas, un ejemplo fue la llamada Herbert List, el ojo mágico que estuvo en la Fundación la Caixa y el IVAM entre enero y marzo de 2000.






Pier Francesco, al contrario que su padre, que fue un bravo condotiero, nunca tuvo pasión por la guerra, y por ello tuvo una infancia muy difícil, pues aunque era el primogénito, no era el favorito, ya que su padre lo despreciaba por no querer seguir el oficio familiar de las armas. A él le gustaban las artes. Fue un mecenas culto y se rodeó de artistas. Fue descrito también como un hombre extraño, solitario, que se refugiaba en el interior de esa mente capaz de idear algo tan extraordinario como este parque de los monstruos.



Vosotros que vais por el mundo errantes, tratando de ver estupendas maravillas, venid aquí, donde encontrareis rostros horrendos, elefantes, leones, ogros y dragones a villas, venid aquí, donde encontrareis rostros horrendos, elefantes, leones, ogros y dragones


El curioso visitante que se adentra en Bomarzo se pierde entre sus enigmas, entre sus personajes silenciosos, dioses, genios, faunos, héroes o cosas difíciles de clasificar. Tras atravesar la siniestra Boca del Infierno, se puede encontrar la fuente de Neptuno, a Ceres o Perséfone, una casa inclinada o un enorme elefante que estrangula con su trompa a un legionario romano.


Fue a partir de 1547 cuando Pier Francesco comenzó a construir el famoso Parque de los Monstruos, como un reflejo de su propia deformidad y de los momentos más importantes de su vida. Esta enigmática construcción es uno de los mejores ejemplos del arte tardorenacentista Italiano. También construyó un pequeño palacio, como una joya en medio del caos, dedicado a la memoria de su esposa Julia Farnesio.


Finalmente, en 1585, el duque Pier Francesco Orsini murió de veneno, sin originalidad, como cualquier otro intrigante príncipe del Renacimiento, en el instante preciso en que creía que tornaba a ser totalmente un ascético príncipe medieval. Sus restos fueron enterrados en su querida Bomarzo, custodiados para siempre por sus monstruos de piedra y el fantasma de la Osa Orsini, la cual aun pueden verse, entre las brumas de la alta noche, pasear junto al sepulcro.




Bibliografía : https://elretohistorico.com













jueves, 28 de octubre de 2021

La Iglesia parroquial de Válela

La Iglesia parroquial de Válela, dedicada a la Virgen María, comenzó a construirse en 1746 prolongándose las obras algo más de un siglo. Se encuentra en Ovar una ciudad y un municipio en el distrito de Aveiro _  Portugal.



Es un templo de estilo tradicional, con planta de una nave, la fachada principal, y la torre campanario situada a su izquierda, está completamente revestida de paneles de azulejo polícromo de una belleza singular, por sus vivos colores.



Éstos azulejos, son producción de la fábrica Aleluia de Aveiro, son de la mitad del siglo XX, cuando la iglesia fue remodelada. Si la fachada principal es impresionante, el interior es maravilloso. Las paredes llenas de azulejos igualmente de vivos colores como la fachada.



La Iglesia de Válega es una verdadera obra prima de la arte,  es particularmente preciosa, bañada por los rayos de sol. Un verdadero templo dorado que brilla con sus fantásticos azulejos de múltiplos colores.




Cabe mencionar los techos en maderas exóticas, así como revestimientos exuberantes en azulejos, producidos por la Fábrica Aleluia de Aveiro
trabajos en mármol en las paredes interiores de la capilla principal, el coro inferior y los revestimientos de madera generales.



En el siglo XVIII el azulejo «invadió» iglesias y conventos, palacios y casas, jardines, fuentes y escalinatas. Con motivos geométricos, contando historias de la vida de santos o temas profanos como las fábulas de La Fontaine, a veces con texto como si de un antepasado del cómic se tratara, se convirtieron en uno de los principales elementos decorativos portugueses. Durante mucho tiempo, el azulejo fue utilizado en el interior de los edificios y sólo puntualmente en el exterior.



A mediados del siglo XIX “invadió” las ciudades, siendo aplicado en las fachadas de los edificios, en consonacia con el uso de otros elementos de cerámica como macetas, estatuas, etcétera.







Bibliografía : https://www.centerofportugal.com






martes, 26 de octubre de 2021

Joven mujer italiana en una mesa, obra de Paul Cezanne,


Joven mujer italiana en una mesa, obra de Paul Cezanne, fue realizada entre los años 1895 a 1900 y con unas dimensiones 92.1 x 73.5 cm. Actualmente se encuentra en Museo J.Paul Getty en Los Ángeles _ Estados Unidos´



Paul Cézanne es el primer pintor del siglo XX. Su gigantesca figura de creador se entiende mejor desde la perspectiva de lo que habría de suceder tras su muerte que en el contexto en el que realizó sus grandes obras. De hecho, en su momento sufrió unas críticas durísimas, incluso considerándolas en comparación a las recibidas por otros pintores formados en el Impresionismo. Este rechazo, a veces insultante, a su obra, acabaría provocando un retraimiento personal que se concretó en su reclusión en la Provenza. Por fortuna, su visión extraordinariamente lúcida de la pintura no se vio perjudicada.



Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839-1906) nunca puso un pie en Italia pero su influencia, según explica el historiador Claudio Strinati en su ensayo titulado "Cézanne en Italia: entre el amor y la polémica", sobre las nuevas generaciones de artistas que se asomaban al óleo en los primeros años del siglo XX fue "enorme".


En 1895 se celebró su primera exposición individual, organizada por Vollard, con 100 lienzos. Este marchante promocionó la obra de Cézanne con gran éxito durante los años siguientes, logrando que subiera su cotización. 

En 1897 murió su madre, lo que le permitió reconciliarse con su mujer. Vendió Jas de Bouffan y alquiló un lugar en Rue Boulegon, donde construyó un estudio. También alquiló una habitación en el Château Noir, cerca de Aix, donde se prepara un pequeño estudio. Pasó una temporada en Le Tholonet, en la ladera de la montaña Sainte-Victoire, haciendo de ella objeto de su pintura, lo mismo que la cantera de Bibémus.



Sus pinturas se hicieron bien conocidas y buscadas y obtuvo el respeto de una nueva generación de pintores. A pesar del creciente reconocimiento público y éxito financiero, Cézanne prefirió trabajar en el aislamiento artístico, normalmente pintando en Provenza. 


Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo.



Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color. Su afirmación «Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos»,​ subraya su deseo de unir la observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica.






viernes, 22 de octubre de 2021

“La apoteosis de Degas” en el año 1885


“La apoteosis de Degas” en el año 1885, realizadas por el pintor que también fue fotógrafo.
Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (1834 -1917) El  tema central, es el entorno inmediato del artista. Su familia, sus amigos, sus conocidos, fueron constantemente retratados por el artista, tanto para realizar estudios sobre la naturaleza humana (una de sus grandes inquietudes), como para llevar a cabo pruebas técnicas de experimentación artística.

Es en esta técnica en la que nuestro autor fue más audaz. Sabemos que comenzó a experimentar con la fotografía cumplidos los sesenta, y aunque no llegó nunca a exponer, estos trabajos le ayudaron a elaborar composiciones más creativas y complejas.


La fotografías más conocidas del artista fue “La apoteosis de Degas”, una parodia fotográfica basada en el cuadro de Ingres La apoteosis de Homero, poniéndose él mismo en el centro de la escena..

Curiosamente Degas se convirtió en coleccionista de su propia obra. Su intención era exponer todas ellas en un museo personal que finalmente nunca se construyó




Una faceta más desconocida aunque no por ello menos fascinante de Degas, quien experimentó en profundidad con la fotografía y con el grabado -sus célebres monotipos- sus dos herramientas preferidas para la experimentación plástica aplicada a su obra pictórica.




En cuanto a “La apoteosis de Homero” de Ingres, esta obra ensalza la figura de uno de los poetas más relevantes de la Antigua Grecia, Homero, creador de dos grandes epopeyas, la Ilíada y la Odisea. Junto a él aparecen numerosos personajes que le rinden homenaje, grandes nombres de las artes y las letras de toda la historia. El cuadro tiene una configuración simétrica: Homero se halla en el centro, rodeado de las figuras que le rinden homenaje, colocadas de forma un tanto abigarrada y en actitud estática,.








jueves, 21 de octubre de 2021

Edmund Charles Tarbell (1862-1938) fue un pintor impresionista estadounidense. Perteneció al grupo de los "diez pintores americanos", nació en un pueblo de Massachusetts en una familia de origen inglés, que llegó a América en 1647. Su padre, Edmund Whitney, contrajo tifoidea durante la Guerra Civil Americana y murió en 1863. Su madre, Mary Sophia Farnald, más tarde se volvió a casar con David Hartford y se mudó con él a Wisconsin, Milwaukee, dejando al joven Ned (Edmund) y a su hermana Nellie Sophia al cuidado de sus abuelos paternos, en West Groton.




Su formación estuvo influenciada tanto por el academicismo como por el movimiento impresionista, a saber, por los clásicos expuestos en el Louvre y por las obras que estaban de moda en esos años en las diversas galerías de la ciudad. Esta doble influencia se puede observar en sus obras, donde a menudo sucede. En 1884 Tarbell comenzó una especie de gran gira que lo llevó al principio durante dos años consecutivos en Italia, Bélgica, Alemania y a la rejón francesa Bretaña.



Los cuadros de Tarbell son de corte impresionista pero así mismo guardan una buena dosis de realismo, que al observar sus obras con detención, su pincel lo torna mágico. Como buen purista, en algunos trabajos emuló la pintura de interiores de Vermeer en estilo neoimpresionista.



Tarbell forma parte del "Grupo de los 10"* pintores americanos famosos que en 1897 se separan de la corriente de pintura esencialmente descriptiva, en ese momento popular en Estados Unidos, para desarrollar un estilo de impresionismo que interpreta la realidad, donde el ánimo preponderante es la interpretación subjetiva.



En 1905 Tarbell compró una casa de verano en New Castle, New Hampshire, Una casa aislada en la costa atlántica donde finalmente se retiraría un día con su esposa. En 1914 fue cofundador del Gremio de artistas de Boston, del que asumió inmediatamente la presidencia, manteniéndola hasta 1924.


Tenían su propio estilo regional, que combinaba el carácter pictórico del impresionismo con un enfoque más conservador de la pintura de figuras y un marcado respeto por las tradiciones de la historia del arte occidental. Su tema preferido era gentil: retratos, paisajes pintorescos y mujeres  posando en interiores bien decorados.



Tarbell, Benson y Paxton se formaron en la escuela del museo en sus primeros días. Tarbell eventualmente se volvió tan influyente que los pintores de su círculo inmediato fueron referidos por los críticos de la época como "Tarbellites".



Los tarbelitas se especializaron al principio en paisajes impresionistas e influenciados por Barbizon . Más tarde, gravitaron hacia escenas de interior, en las que típicamente aparecían mujeres ocupadas en tareas domésticas, recordando los temas domésticos de pintores holandeses como Vermeer. También pintaron naturalezas muertas visualmente atractivas [1] y retratos a la manera de John Singer Sargent.


A partir de estas diversas influencias, los pintores de Boston sintetizaron su propio estilo regional. Como señaló entonces el pintor William Merritt Chase , "ha aparecido un nuevo tipo, la descendencia, como sabemos, de estirpe europea, pero que ya no se le parece".] Dieron un gran valor a la habilidad técnica, la representación visual precisa y la belleza clásica, al tiempo que adoptaron lo que entonces era un estilo de pintura muy moderno y "suelto" de los franceses.

Hoy en día sus obras se conservan en gran parte en el "Smithsonian American Art Museum" , La "Corcoran Gallery of Art" , la "National Academy of Design" y la Casa Blanca.






Bibliografía : www.pintoresfamosos.cl
                     https://kripkit.com/
                     https://wikitoshare.com/


 

martes, 19 de octubre de 2021

Mujeres de París: La amante del circo, obra de James Jacques Tissot

 

Mujeres de París: La amante del circo,  obra de James Jacques Tissot ( 1836-1902), del año 1885 y con unas dimensiones de 1.16 X 1.47 cm. Actualmente se encuentra en Museum Fine Arts de Boston _ Estados Unidos. 



Pintor y grabador francés, Estudió en la École des Beaux-Arts de París, bajo maestros de la talla de Ingres. Su primer periodo estuvo caracterizado por la pintura de mujeres encantadoras. Semi-mundano sería más preciso como una descripción de la serie de estudios que él denominó La Femme a Paris


La situación económica de Tissot nunca fue muy buena. El artista estaba hipnotizado por el estilo de vida de los ricos y, probablemente a causa de ello, en su obra se dedicó, casi exclusivamente, a retratarlos en diversos contextos y escenas.



Sin embargo, su verdadero interés era la feminidad y los accesorios que la sugieren; específicamente, los vestidos. Cuando retorna de Londres a París, Tissot trabaja en una serie de pinturas donde retrata a mujeres de la alta sociedad local. La recepción, también llamada La ambiciosa, es una de estas obras.



Con una técnica envidiable y una obsesiva atención al detalle, al igual que su maestro, Jean-Auguste-Dominique Ingres. Su preferencia por los vestidos pomposos y su interés en la moda, irónicamente, precipitaron la carrera del artista: las clases altas apodaron a Tissot como “el pintor de los nuevos ricos”.



Un cambio radical le llevaría a ilustrar la vida de Jesucristo. Para ello se trasladó a Palestina, donde residió durante diez años. El resultado fueron 350 acuarelas inspiradas en los evangelios, de gran realismo, que fueron expuestas en París y Londres.


Más tarde se encerró en la abadía de Nouillon para preparar una obra semejante sobre el Antiguo Testamento, pero la muerte le impidió terminar el proyecto. Entre sus cuadros más importantes figuran La cita en el balcón, Cuestión de colores, El ensueño, Embarque en Calais, Retrato en un parque, Tentativa de rapto, Señorita en una iglesia y La partida del novio.







Bibliografía : https://deplatayexacto.wordpress.com
                     https://www.biografiasyvidas.com

viernes, 15 de octubre de 2021

La Exposición Universal de París



El dÍa 6 de mayo al 31 de octubre del año 1889. tuvo lugar en París, Francia, La Exposición Universal de París. Fue celebrada en el centenario de la toma de la Bastilla, un acontecimiento tradicionalmente considerado como el símbolo del comienzo de la Revolución francesa.


Esta exposición marcó un momento culminante que da cierre a un largo periodo. Nuevas concepciones en la construcción, y nuevos adelantos en la industria se unieron para darle a la Exposición una radiante brillantez y una enorme influencia.



El símbolo principal de la Exposición Universal fue la torre Eiffel, completada en 1889, y que servía como arco de entrada a la Feria.

Se podría decir que los desarrollos desde la primera exposición universal hasta esta, se ven culminados en la Galería de Máquinas de 1889 (Palacio de las Máquinas). El progreso entre la exposición de 1878 y 1889 fue tan enorme, que los visitantes llegaban a sentirse sobrecogidos por la atrevida construcción de la Galería de las Máquinas y de la torre Eiffel. Estos edificios alcanzaron un nivel que no ha sido superado.


La Exposición cubrió un área total de 96 hectáreas, incluyendo el Campo de Marte (Champ , el Trocadéro, la estación de Orsay, una parte del Sena, y la explanada de los Inválidos


Fue construida en dos años, dos meses y cinco días, y en su momento generó cierta controversia entre los artistas de la época, que la veían como un monstruo de hierro​ tras finalizar su función como parte de las Exposiciones Universales de 1889 y 1900, fue utilizada en pruebas del ejército francés con antenas de comunicación,​ y hoy en día sirve, además de atractivo turístico, como emisora de programas radiofónicos y televisivos.



La Exposición Universal de París de 1889 recibió millones de visitantes. ¡Entre ellos, 1.953.122 vinieron a descubrir la Torre Eiffel, es decir, casi 12.000 al día! La torre tuvo una rápida aceptación.

Desde la primera semana, aunque entonces los ascensores todavía no estaban funcionando (lo harían a partir del 26 mayo). ¡En total, cerca de 30.000 visitantes subieron a la cima por la escalera, es decir 1.710 escalones!



En aquella época, la Torre Eiffel era la torre más alta del mundo y personas de todos los países acudieron al corazón de la capital francesa para contemplar esta obra de la arquitectura.

El público se agolpaba para descubrir, además del vértigo del ascenso, unas vistas inéditas de París ya que todavía no se conocía la vista aérea.



Desde el punto de vista cromático, la torre está pintada en tres tonos, con el más claro en la parte superior y haciéndose progresivamente más oscura hacia abajo, para complementar a la perfección el aspecto del cielo parisino.​ Originalmente era de color marrón rojizo; que se cambió en 1968 a un color bronce conocido como "Marrón Torre Eiffel".





Bibliografía : https://www.toureiffel.paris/es

jueves, 14 de octubre de 2021

El Tempio Canoviano en Possagno


Possagno es una pequeña ciudad ubicada en las colinas de la provincia de Treviso, en la región Véneto _ Italia. La ciudad de Possagno es famosa por ser la ciudad natal del grande escultor y pintor Antonio Canova, conocido en el mundo como el maestro del estilo neoclásico. Aquí el artista vivió sus primeros años de vida; después se fue a vivir en Venecia para asistir a las clases del Academia de Bellas Artes, y mas tarde en Roma. Pero volvía a menudo a Possagno, adonde había proyectado el famoso templo, la blanca construcción que destaca en el paisaje de la ciudad.



El Tempio Canoviano es una iglesia construida en un estilo neoclásico severo, basado en los diseños de Antonio Canova. Las obras del templo comenzaron en 1819 y se reanudaron después de la muerte de Canova en 1822 hasta 1830 bajo la supervisión del abad Giovanni Battista Sartori y el arquitecto Giuseppe Segusini .



La estructura recuerda al Panteón de Roma . Canova financió casi por sí solo el sitio, ya que deseaba ser enterrado allí después de que le negaran su solicitud de un entierro en el Panteón de Roma. Una vez finalizado en 1830, sus restos fueron trasladados a la iglesia. Tempio Canoviano.



El edificio fue completado en 1836 y es una grande construcción divididas en 3 áreas. Aquí se conservan todos los modelos originarios en yeso de Canova , auténticas obras maestras de arte neoclásico. Las obras en mármol que fueron realizadas de estos modelos hoy en día se conservan en los mayores museos del mundo,



En Possagno fue creado un importante museo enteramente dedicado a su memoria,, que alberga una colección de esculturas y muchos de los modelos para sus obras definitivas, así como pinturas, dibujos, acuarelas, bocetos, proyectos, herramientas de modelado, y otros objetos. 


Esta colección se formó inicialmente con las obras dejadas a su muerte en su estudio romano, desde donde fueron trasladadas a Possagno por medio de su hermano Sartori, uniéndose con lo que permanecía en el taller que Canova mantenía en su casa natal. Sartori en 1832 construyó un edificio para albergar la colección, junto a la casa donde nació, y en 1853 se creó una fundación para gestionar el legado canoviano. A mediados del siglo XX el edificio fue ampliado y equipado con una infraestructura expositiva moderna.




Su funeral, celebrado el 25 de octubre de 1822, fue realizado con los más altos honores, entre la conmoción de toda la ciudad y los académicos rivalizaron para llevar a su ataúd. Su cuerpo fue enterrado en el Templo Canoviano de Possagno y su corazón fue depositado en una urna de pórfido en la Academia de Venecia. 





Su muerte provocó luto en toda Italia, y a los homenajes fúnebres ordenados por el papa, en Roma, asistieron representantes de varias casas reales de Europa. Al año siguiente comenzó a ser erigido un cenotafio, de un diseño que había sido creado por el propio Canova en 1792 por encargo de Zulian, originariamente como homenaje para el pintor Tiziano, pero que no se llegó a realizar. El monumento, donde fue trasladada la urna con su corazón, se puede visitar en la basílica de Santa María dei Frari de Venecia.



La producción total de Canova es extensa. Esculturas de grandes dimensiones dejó unos 50 bustos, 40 estatuas y más de una docena de grupos, junto con los monumentos funerarios y numerosos modelos en arcilla y yeso para trabajos definitivos, algunos de los cuales nunca se han llegado a transferir a mármol, siendo, por lo tanto, piezas únicas, y en obras menores se encuentran placas y medallones en relieve, pinturas y dibujos, a continuación se realiza una breve descripción de los orígenes de su estilo personal, sus ideas estéticas y de algunas de sus esculturas más célebres


El Museo Canova se desarrolla en el edificio que fue la casa del artista. Aún siendo un edificio separado de la Gipsoteca, las dos construcciones están conectadas por el mismo jardín y se visitan con el mismo billete. En la casa se pueden ver los ambientes y muebles originales que allí estaban en la época de Canova. Se exponen incluso importantes colecciones, como sus pinturas (en óleos y témpera) , las incisiones, los dibujos, unos mármoles, junto a sus instrumentos de trabajo y algunos vestidos.







Bibliografía : https://www.conociendoitalia.com
                     Historia Universal del Arte Volumen IX