"Madame de Pompadou" obra de François Boucher

"Madame de Pompadou" Juana Antonieta Poisson (1721-1761) obra de François Boucher (1703-1770), fue realizada en el año 1756 y con unas dimensiones de 37,90 x 46.30 cm. Actualmente se encuentra en el National Gallery de Escocia _ Reino Unido.

François Boucher fue un pintor, grabador y diseñador francés, uno de los principales artistas del estilo rococó. Nació en París, Francia, y mostró talento artístico desde temprana edad. Boucher estudió bajo la tutela del pintor François Lemoyne y más tarde se convirtió en una figura destacada en la escena artística de la Francia del siglo XVIII.

El estilo de Boucher se caracterizó por su elegancia, alegría y sensualidad. Pintó una amplia gama de temas, incluyendo escenas mitológicas e históricas, retratos, paisajes y obras decorativas. Las pinturas de Boucher a menudo representaban escenas pastorales idílicas, encuentros amorosos y desnudos sensuales, reflejando el espíritu hedonista y despreocupado del periodo rococó.

Sus obras fueron muy solicitadas por la aristocracia francesa y recibió numerosos encargos prestigiosos. Los patronos de Boucher incluyeron al rey Luis XV y su amante, Madame de Pompadour, para quienes creó muchas pinturas y diseños decorativos. También trabajó en proyectos decorativos a gran escala, como el diseño de la famosa Manufactura de Tapices Reales de Beauvais.

Además de la pintura, Boucher era un consumado dibujante y grabador. Creó numerosos aguafuertes y grabados, a menudo basados en sus propias pinturas. Sus grabados se difundieron ampliamente y contribuyeron a su fama e influencia en toda Europa.

A pesar de su éxito durante su vida, la reputación de Boucher sufrió en las décadas posteriores a su muerte. Con el surgimiento del neoclasicismo a finales del siglo XVIII, su estilo rococó cayó en desgracia y sus obras fueron criticadas por ser frívolas y carecer de profundidad. Sin embargo, en el siglo XX, hubo un renovado aprecio por su arte y las contribuciones de Boucher al estilo rococó fueron reevaluadas y celebradas.

Apasionada de las artes y las letras, la marquesa de Pompadour favoreció el proyecto de la Encyclopédie de Diderot y protegió a los enciclopedistas (se pueden ver en su retrato, detrás, algunos tomos de L'Encyclopédie). Apoyó a Voltaire y, al reconciliarlo con Luis XV, le permitió obtener un puesto de historiador en 1745 y una plaza en la Academia Francesa en 1747. 

Dio trabajo a escultores y pintores como Boucher y a numerosos artesanos en la manufactura de porcelana de Sèvres por ella fundada. Organizó en la corte toda clase de espectáculos, protegió a los escritores, aprendió a grabar, sabía bailar y tocar el laúd (se la puede ver retratada en la pintura de arriba con una partitura en la mano y un laúd en el fondo).

Madame de Pompadour llevó una vida muy ajetreada organizando múltiples eventos para el rey, y murió joven de una neumonía, en Versalles, privilegio final, ya que estaba prohibido que un cortesano muriera en el lugar donde el rey y su corte residen. En Versalles, se quejaba constantemente del aire frío y húmedo de sus grandes apartamentos, echando de menos el pequeño apartamento del ático norte, más fácil de calentar, que ocupó durante los primeros cinco años de su instalación.

La noche del 14 al 15 de abril de 1764, el párroco de la Madeleine de la Ville-l'Evêque confesó a la marquesa y le administró la Extrema Unción. Creyendo que estaba dormida, el sacerdote se retiró y la marquesa de Pompadour murmuró: «Un momento más, Padre; nos iremos juntos». Madame de Pompadour fue llevada en camilla a su Hôtel des Réservoirs, donde fue velada durante dos días y dos noches en su habitación, transformada en capilla ardiente.

Hoy en día, las pinturas de Boucher se pueden encontrar en importantes museos de todo el mundo, incluyendo el Museo del Louvre en París y el Museo del Hermitage en San Petersburgo, entre otros. Sus obras continúan siendo admiradas por su habilidad técnica, belleza decorativa y por encarnar el espíritu de la era rococó.

Joan Miro visitó (1893-1983) en junio del año 1954 a Venecia.

Joan Miro visitó (1893-1983) en junio del año 1954 a Venecia, una ciudad conocida por su rica historia artística y arquitectónica. Durante su estancia en Venecia, Miró tuvo la oportunidad de experimentar con nuevas inspiraciones y entornos, lo que influenció su trabajo durante ese período.

En 1954, Miró ya era un artista consolidado y reconocido internacionalmente. Su visita a Venecia coincidió con la participación de España en la XXVII Bienal de Venecia, una importante exposición de arte contemporáneo. Miró fue seleccionado para representar a su país en esta prestigiosa muestra, lo que subraya su importancia y estatus en el panorama artístico de la época.

Durante su estancia en Venecia, Miró pudo explorar los canales, puentes y arquitectura única de la ciudad. Estos elementos pueden haber influido en su visión artística y en la forma en que representó el espacio y las formas en sus obras. La ciudad también alberga una rica tradición artística, con numerosos museos y galerías que pueden haber brindado a Miró la oportunidad de descubrir nuevas influencias y corrientes artísticas.

Es importante destacar que el estilo de Miró ya estaba bien establecido en esta etapa de su carrera. Sus obras exhibían una combinación de elementos abstractos y figurativos, con símbolos y formas icónicas característicos de su estilo personal. Sin embargo, es posible que su visita a Venecia haya influido en la paleta de colores utilizada en sus pinturas, ya que la ciudad está impregnada de colores vibrantes y una atmósfera única que podría haber dejado una impresión en el artista.

En conclusión, la visita de Joan Miró a Venecia en 1954 fue un hito importante en su carrera artística. La ciudad puede haber estimulado su creatividad y proporcionado nuevas fuentes de inspiración, aunque su estilo y lenguaje visual distintivos ya estaban bien establecidos en ese momento. La influencia de Venecia en su trabajo se puede encontrar en elementos como la representación del espacio y posiblemente en la paleta de colores utilizada en sus pinturas durante ese período.

La maldición de La Ca' Dario en Venecia-

La Ca' Dario es un edificio encargado al arquitecto Pietro Lombardo en el año 1479 por Giovanni Dario como dote nupcial para su hija Marietta, quien estaba comprometida con Vincenzo Barbaro, un rico comerciante de especias. El palacio se encuentra en Venecia, en la región de Véneto_ Italia.

El edificio ha sido asociado con una supuesta maldición que pesa sobre sus propietarios, según la cual están destinados a sufrir la ruina o la muerte temprana y violenta. Esta creencia no se basa en una maldición de mal de ojo, sino en una serie de trágicos sucesos ocurridos a lo largo de su historia. Los primeros propietarios de la casa, Vicenzo Barbaro y Marietta, experimentaron la ruina económica de Vicenzo y luego la muerte de ambos: él fue acuchillado y ella se suicidó. Su hijo Giacomo, heredero de la propiedad, también falleció en una emboscada en la isla de Creta.

Claro que no se detuvo ahí el mal fario: en el siglo XIX, la familia Barbaro vendió la propiedad a un comerciante armenio de piedras preciosas que se arruinó poco después de adquirir Ca'Dario. Ante semejante desastre, el comerciante vendió la casa, que comenzó a cambiar de manos como si quienes la compraban tuvieran miedo de poseerla durante demasiado tiempo. Fue en esta época, a principios del siglo XX, cuando Monet realizó una serie de cuadros impresionistas inspirados en Ca'Dario. Quedó impresionado por su belleza, pero afortunadamente no quiso entrar en su interior.

El arquitecto Pietro Lombardo eligió el diseño de un cementerio templario con tres plantas, muchas chimeneas y un inmenso jardín. Marietta Dario y su esposo Vincenzo Bárbaro, un hombre acaudalado, ocuparon el palacio.

En un par de años la familia Dario cae en la ruina y pierde toda su fortuna. Ante el dolor, los Dario empiezan a suicidarse uno tras otro. Marietta también se suicida tras el colapso financiero de su marido Vincenzo, que murió acuchillado.

Sin embargo, en un par de años, la familia Dario cayó en la ruina y perdió toda su fortuna. Abatidos por el dolor, los Dario empezaron a suicidarse uno tras otro. Marietta también se suicidó tras el colapso financiero de su esposo Vincenzo, quien murió acuchillado.

La maldición había dado comienzo y los venecianos realizaron un anagrama con la inscripción colocada en la fachada, transformándola de "VRBIS GENIO IOANNES DARIVS" a "SVB RVINA INSIDIOSA GENERO" (en latín, "Yo genero bajo una insidiosa ruina").

La maldición que envuelve al palacio lleva más de 500 años, y el dolor, los asesinatos, suicidios y la muerte parecen ser su sello distintivo. Ca' Dario, el palacio maldito de Venecia, es observado con recelo y temor por los habitantes de la ciudad.

Bibliografía : https://www.clarin.com

"Moisés presenta las Tablas de la Ley" obra del pintor francés Philippe de Champaigne

 

"Moisés presenta las Tablas de la Ley" obra del pintor francés Philippe de Champaigne (1602-1674), del 1648 y con unas dimensiones de 76 x 99 cm. Actualmente se conserva en el museo de arte de Milwaukee _ Estados Unidos.

Esta obra es parte de una serie de pinturas que representan escenas bíblicas y religiosas, y fue creada en el siglo XVII, durante el período conocido como el Barroco.

En la pintura, se representa a Moisés sosteniendo las tablas de la ley, que según la tradición bíblica fueron entregadas a él por Dios en el Monte Sinaí. Moisés es presentado como una figura imponente y poderosa, vestido con túnicas y con una barba blanca larga. Su rostro muestra una expresión serena y solemnidad, transmitiendo la importancia y la trascendencia de las leyes divinas que está presentando.

La composición de la obra está centrada en Moisés y las tablas de la ley, con un fondo oscuro que resalta su figura y la ilumina. El artista utiliza una paleta de colores sobrios y terrosos, típicos del estilo barroco, lo que contribuye a crear un ambiente serio y solemne. La luz que cae sobre Moisés le da un efecto tridimensional, resaltando su figura y dotándola de una presencia destacada en la pintura.

La representación de las tablas de la ley es detallada y se destacan las inscripciones grabadas en ellas, que simbolizan los mandamientos y las leyes divinas. Este detalle muestra la habilidad técnica del artista y su atención a los detalles religiosos. La figura de Moisés y las tablas de la ley se convierten en los elementos principales de la pintura, capturando la importancia de la ley divina en la tradición judía y cristiana.

La obra de Philippe de Champaigne se caracteriza por su estilo realista y su enfoque religioso. Sus pinturas reflejan la devoción religiosa y la espiritualidad de la época barroca, y su representación de personajes bíblicos es reconocida por su dignidad y solemnidad. "Moisés presenta las tablas de la ley" es un ejemplo destacado de su estilo y temática religiosa, capturando la importancia y el poder simbólico de las leyes divinas en la tradición judeocristiana.

Champaigne fue conocido por su enfoque realista y detallado en sus pinturas. Sus obras mostraban una gran atención a los detalles, con una representación precisa de los sujetos y una técnica cuidadosa. Esto se refleja en sus retratos, donde lograba capturar la individualidad y la expresión de los personajes.

En cuanto al uso del color, Champaigne prefería una paleta sobria y terrosa. Sus pinturas presentan una gama de tonalidades apagadas, con predominio de colores como el marrón, el gris y el negro. Esto le daba a sus obras una atmósfera serena y austera, acorde con el estilo barroco.

Una característica distintiva de su estilo es el énfasis en la dignidad y la serenidad de sus personajes. A menudo, sus figuras tienen expresiones serenas y solemnes, transmitiendo una sensación de calma y trascendencia.

       

"Moisés presenta las Tablas de la Ley"
en el  Museo de Picardie en Amiens _ Francia

Además, Champaigne también tuvo una influencia del clasicismo francés en su estilo. Este se evidencia en su composición equilibrada y en el uso de líneas claras y precisas. Estas características le daban a sus pinturas un sentido de armonía y orden, típico del clasicismo.

En resumen, el estilo de Philippe de Champaigne se caracteriza por su enfoque realista y detallado, su paleta de colores sobria, su temática religiosa y su influencia del clasicismo francés. Su obra refleja la devoción religiosa de la época y busca transmitir la serenidad y el significado espiritual de los temas que representaba.

Gustave Caillebotte (1848-1894), y su perro Bergère

Gustave Caillebotte (1848-1894), y su perro Bergère frente de la Place du Carrousel en el año 1892.en Paris.

Amaba las flores y las plantas y era un entendido en dalias, orquídeas, margaritas y orquídeas. En Gennevilliers construyó su particular edén del que hoy apenas queda el recuerdo. Caillebotte es el gran olvidado del impresionismo. Las lámparas de gas, el ferrocarril, las fábricas cuyas chimeneas llenaban el cielo de oscuro humo. Los trabajadores de camino a ellas.

Su familia era de la burguesía acomodada, ya que su padre era propietario de una fábrica textil de gran éxito. Se licenció en Derecho pero, al dejar la universidad antes de terminar sus estudios, Caillebotte fue llamado a filas para servir como oficial en la guerra franco-prusiana de 1870. Después de la guerra, viajó a Escandinavia e Italia, donde admiró el arte expuesto al público. En 1872, estudió con el pintor Léon Bonnat (1833-1922). A partir de 1873, estudió arte de forma académica en la École des Beaux-Arts, pero quería hacer algo diferente al arte conservador que avalaba el establishment, por lo que se aburrió de la materia en general.

Los cuadros de Caillebotte tienen a menudo un fuerte sentido de la composición, y a menudo utiliza una diagonal audaz para atraer los ojos del espectador. Su pincelada es suave y está muy alejada de las pinceladas ásperas y muy visibles que suelen verse en las obras de otros impresionistas. 

El primer intento de los impresionistas de desafiar el monopolio del Salón para mostrar el arte al público había sido una decepción, pero los jóvenes artistas no se dejaron intimidar. Caillebotte ayudó a organizar y financiar una segunda exposición independiente de los impresionistas en 1876 (en la que se expusieron ocho obras) y una tercera en 1879, que volvió a financiar, pagando el alquiler de un amplio apartamento que se utilizó como galería y para el material publicitario. Sin embargo, poco a poco, Caillebotte, paciente, se cansó de las discusiones entre los artistas sobre quiénes debían ser incluidos en tales exposiciones; especialmente no se llevaba bien con el divisivo Degas, que se había considerado a sí mismo como el líder del grupo.

Bibliografía : https://www.worldhistory.org

Vanidad obra del pintor neoprerrafaelita Frank Cadogan Cowper

 

Vanidad obra del pintor neoprerrafaelita Frank Cadogan Cowper (1877- 1958) del año 1907 y con unas dimensiones de 57x 38 cm. Actualmente se encuentra en Royal Academy Picture en Londres_ Inglaterra.

Un destacado pintor prerrafaelista de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Es conocido por sus pinturas detalladas y románticas que reflejan la estética y los temas característicos del movimiento prerrafaelita.

Las obras de Cowper a menudo presentan un estilo realista y un enfoque meticuloso en los detalles. Sus pinturas suelen ser narrativas y evocadoras, con una fuerte influencia del simbolismo y la mitología. Cowper se destacó en la representación de figuras humanas, particularmente mujeres, con una atención especial a los detalles de sus vestimentas y expresiones faciales.

Sus temas suelen ser históricos, literarios o mitológicos, y a menudo representaba escenas románticas, poéticas o dramáticas. También abordó temas sociales y políticos de la época, utilizando sus pinturas como medio para hacer comentarios y críticas sociales.

En cuanto a su técnica, Cowper utilizaba capas de pintura transparente y veladuras para lograr un efecto luminoso y una sensación de profundidad en sus obras. Además, su dominio del dibujo y la perspectiva contribuyó a la precisión y detalle en la representación de los objetos y las figuras.

El tema y la composición de 'Vanidad' se derivan de la pintura del Renacimiento italiano. Cowper ha adornado su belleza juvenil con joyas y le ha dado un espejo de mano para representar la vanidad. Está de pie ante una vid, cargada de uvas maduras, que sugiere abundancia y placer.

Aunque Cowper no pertenecía a un grupo artístico en particular, esta, como muchas de sus pinturas, se relaciona con el trabajo de artistas ahora conocidos como 'Prerrafaelitas de segunda generación'. Decorativa y ricamente coloreada, 'Vanidad' sugiere el romance del pasado y alude a nociones de caballería y amor cortés.

El término "neoprerrafaelista" se utiliza para referirse a artistas o movimientos artísticos que surgieron después del período original del movimiento prerrafaelita en el siglo XIX. Estos artistas se inspiraron en los principios y estilos estéticos de los prerrafaelitas, pero adaptaron su enfoque a los contextos artísticos y culturales posteriores.

El neoprerrafaelismo busca recuperar los ideales y la estética del movimiento prerrafaelita, que valoraba la naturaleza, la belleza idealizada y la narrativa literaria. Los artistas neoprerrafaelitas adoptan técnicas detalladas y realistas, así como una representación simbólica y alegórica en sus obras. A menudo utilizan colores vivos y brillantes y prestan atención a los detalles minuciosos y las texturas.

Los detalles de las lujosas telas se relacionan con un renovado interés en las artes aplicadas y la artesanía, que surgió a fines del siglo XIX en el arte británico. El elaborado diseño serpentino del vestido de la mujer puede haberse inspirado en el retrato de Isabella d'Este atribuido a Giulio Romano. Edward Burne-Jones también había representado un diseño de este tipo en su acuarela 'Sidonia von Bork'.

Bibliografía ; https://lavidaesarte.com