miércoles, 28 de febrero de 2024

"Lectura" obra de Berthe Morisot (1841-1895)


Edma Morisot (1839-1921), hermana de la pintora francesa Berthe Morisot (1841-1895), creó la obra “Lectura” en el año 1873. La pieza tiene unas dimensiones físicas de 74,3 x 100 cm y actualmente se conserva en el Museo de Arte de Cleveland, en el estado de Ohio_ Estados Unidos.





Berthe Marie Pauline Morisot fue una de las fundadora y figura clave del movimiento impresionista. Morisot logró exponer individualmente en vida, hecho que da cuenta del alcance y respeto que suscitaba como artista. Su primera exposición individual se celebró en la galería Boussod y Valadon en 1892, y gozó de un rotundo éxito. En ese año también sucedió la muerte de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y posteriormente la de su hermana Yves en 1893.



Desarrolló una carrera artística profesional durante más de tres décadas, exponiendo desde los 23 años en Salón de París, e incorporándose más adelante a la vanguardia de las exposiciones impresionistas comenzadas en 1874, de las cuales también participaron Claude Monet, Edgar Degas y Pierre-Auguste Renoir, entre otros.




Edma Morisot,1839-,1921) fue una artista francesa y la hermana mayor de la pintora Berthe Morisot. Criada en gran parte en París, recibió, como sus hermanas Yves y Berthe, una educación burguesa que incluyó piano y dibujo. La madre animó a las tres hijas a dibujar, y las hizo estudiar con el pintor neoclásico 
Geoffroy Alphonse Chocane en 1857.



A la edad de 20 años, Berthe y Edma Morisot conocieron a Camille Corot (1796-1875), importante paisajista de la Escuela de Barbizon, con quien estudiaron hasta 1862. Su forma de captar y plasmar la realidad a través del color y la luz tendría una gran influencia en la obra de estas artistas y daría paso a nuevas formas de expresión. Además, las introdujo en la técnica del plein-air o pintura al aire libre, bajo la cual Berthe realizó sus primeras obras serias,​ y permitió que ambas trabajaran con él en su casa de Ville-d'Avray durante el verano de 1861.



Las dos hermanas estuvieron muy unidas en su juventud, apoyándose y criticándose constructivamente una a la otra mientras se desarrollaban como pintoras. «En sus años cruciales de formación Berthe dependía sobre todo de su hermana. Detrás de Berthe Morisot estaba Edma Morisot».​ Un retrato de Berthe realizado por Edma en 1863 es probablemente la imagen más antigua de Berthe que se conserva.​ Se sabía que las dos hermanas viajaban juntas, exhibían juntas y, a menudo, pintaban una al lado de la otra.



El 22 de diciembre de 1874, a la edad de 33 años, se casó con Eugène Manet, hermano de su compañero artista. Eugène era un pintor aficionado y estaba muy introducido en los círculos literarios y políticos. Aunque nunca desempeñó un trabajo concreto, apoyó siempre la carrera artística de su mujer, ayudándola a organizar e instalar sus exposiciones



En 1875, Morisot y su esposo viajaron unos meses a la Isla de Wight, en Inglaterra. Durante la estancia en la isla, y contraviniendo las normas establecidas de equilibrio en la composición y definición de contornos, empezó a desarrollar una especie de nueva ‘taquigrafía visual’ de pinceladas cortas y rápidas para pintar lo que tenía delante, fueran objetos o personas. Plasmó el movimiento y la caída de la luz trazando rayas discontinuas de pintura con la superficie del pincel, rápidas líneas con la punta del mismo, y rayando la pintura con el mango. Ninguno de sus colegas impresionistas había trabajado de una manera tan experimental.




En 1894 viajó a Bruselas para ver una gran exposición colectiva organizada por La Libre Esthétique, en la que presentó cuatro cuadros. Durante ese año, el Estado francés compró por primera vez una pintura suya, La jovencita vestida de gala.​

La artista falleció el 2 de marzo de 1895, a los cincuenta y cuatro años, a consecuencia de una congestión pulmonar. Fue enterrada el 6 de marzo en el panteón familiar del cementerio de Passy en París, junto a su marido Eugène y su colega artístico y cuñado Édouard Manet.​

El año después de su muerte, sus amigos artistas, incluyendo Degas, Renoir, Monet y Mallarme, organizaron la primera exposición retrospectiva del trabajo de Morisot, reuniendo 380 de sus pinturas y rindiendo tributo a su talento.



A lo largo de su vida y su carrera, Berthe Morisot debió de luchar contra las ideas preconcebidas sobre las mujeres y los impedimentos que estas le generaron para el desarrollo de su carrera artística. Como tal, fue un personaje muy inusual en su decisión de ser una pintora profesional a la vez que esposa y madre, pero ha sido vista, hasta los primeros revisionismos científicos, especialmente los de corte feminista, como una figura secundaria del movimiento en lugar de ocupando un lugar insustituible en la conformación del mismo. A pesar de esto, Morisot fue una figura clave en la fundación del Impresionismo como movimiento, en sus exhibiciones y en su círculo, sentando un precedente para todas las mujeres artistas o aspirantes a serlo de la posteridad.






Bibliografía : Anne Higonnet, (1995). Berthe Morisot
                    Peter Heist El impresionismo en Francia,

lunes, 26 de febrero de 2024

El monumento a Alfonso XIIi en el Parque El Retiro Madrid


Construido en el Parque del Retiro de Madrid en 1912, el monumento a Alfonso XIII es una obra del renombrado arquitecto José Grases Riera. Este monumento, encargado en memoria de Alfonso XII, conocido en su tiempo como "el pacificador", marcó el punto culminante de la carrera de Grases Riera, uno de los destacados arquitectos de Madrid. 

El monumento se destaca por sus dimensiones extraordinarias, poco comunes para este tipo de estructuras en Madrid. Inicialmente, se financió mediante suscripción popular, pero al no alcanzarse la cantidad necesaria, finalmente recibió financiación institucional.



La idea era construirlo lo antes posible y con este fin se aceleró el proceso del concurso y los encargos (fue muy criticado que se le asignara la escultura principal a Benlliure sin realizar un concurso entre otros artistas). Pero esta premura fue solo inicial, y posteriormente las circunstancias políticas de la época y la mencionada falta de financiación, fueron alargando la construcción hasta 1922, año en el que Grases Riera ya había fallecido (1919) y fue terminado, siguiendo su diseño original, por Teodoro Anasagasti.




El monumento está formado con un hemiciclo de 86 metros de largo y 58 metros de ancho y con doble columnata, que representa a la nación española con sus 49 provincias de entonces, con sus escudos y oficios característicos. Una escalera desciende hacia el lago, «protegido» por leones que originalmente fueron de piedra pero que en el año 2000 se sustituyeron por otros iguales en bronce dado su nivel de deterioro, cumpliendo el diseño original que no se pudo cumplir por problemas financieros.




En el centro el cuerpo principal del monumento se sostiene sobre cuatro «pilarones» decorados con grupos escultoricos y bajo relieves representando la agricultura, la industria, el ejército, la marina, las ciencias y las artes.













Aquí parece que hubo cambios en el diseño y se hicieron menos estatuas de las inicialmente previstas e incluso existe la leyenda que Ricardo Bellver, uno de los escultores, ante la tardanza en cobrar, terminó tirando su escultura al lago, cogiendo una neumonía al recuperarla y muriendo a causa de dicha neumonía.




Sobre el relieve La Instauración Monárquica, el primero que vimos, y a la misma altura que La Libertad, se sitúa el tercer grupo escultórico, “El Progreso”, realizado por Miguel Ángel Trilles, natural de Madrid. Este escultor también fue quien añadió unas figuras de niños a la Fuente de Cibeles. El autor representa El Progreso como un vigoroso y desafiante joven desnudo que marcha delante de un caballo que lo sigue protegiéndolo (Pegaso, el caballo de Apolo) y apoyado en tres jóvenes que portan un libro, una paleta y una rueda, simbolizando respectivamente la Ciencia, las Bellas Artes y la Industria, que lo ayudan a mantener siempre la antorcha encendida. 




Podemos ver la alegoría de los progresos (la iluminación) obtenidos si se continúa con la educación y el trabajo frente al retroceso (la oscuridad) que sobreviene si los interrumpimos. Iba a existir un cuarto grupo escultórico en el lado Este (hacia los árboles) que iba a tener por nombre “La Patria” y que iba a costearlo el Banco de España y diversas instituciones financieras. Sin embargo, al morir su autor en 1911, el asturiano Cipriano Folgueras, se suspendió dicho proyecto y, en su lugar, se realizó un águila que se situó sobre la entrada a la cripta como su guardián y, dada la majestuosidad asociada siempre a estas rapaces, como un símbolo del poder real.




La cripta iba a ser un museo de Alfonso XII y, según diseño de Grases Riera, contaría con un ascensor en su interior que permitiría ascender fácilmente hasta la plataforma superior previo pago de una entrada, pudiendo obtenerse así los fondos necesarios para su mantenimiento. Sin embargo, en su lugar se instaló una estrecha escalera por la que, actualmente, se accede al Mirador.




La estatua ecuestre de Alfonso XII está a 30m de altura y, está hecha en bronce por Mariano Benlliure (quizá uno de los mejores escultores de su tiempo).

El resto de esculturas del conjunto, algunas en bronce otras en piedra, pertenecen a decenas de artistas distintos de la época, constituyendo este monumento en sí mismo como un pequeño museo de escultura con artistas como Josep Clarà, Mateo Inuria, Miguel Blay, Aniceto Marinas, Miguel Ángel Trilles, y más.




Por último hay un elemento del monumento que no ha podido verse hasta este año: la base de la estatua es también la cúpula de un pequeño mirador, pensado por Grases Riera para ubicar un pequeño ascensor y cobrar la entrada para subir al mirador. Finalmente se colocó una incómoda escalera y nunca se abrió al público.





Bibliografía : https://edificiosdemadrid.es

miércoles, 21 de febrero de 2024

La Marktkirche, ubicada en la encantadora ciudad de Wiesbaden _ Alemania,

Ubicada en la encantadora ciudad de Wiesbaden, Alemania, la Marktkirche, también conocida como la Iglesia del Mercado, se erige como un testimonio de la rica historia y belleza arquitectónica de la ciudad. 


La Marktkirche, cuyos orígenes se remontan al siglo XIX, es un notable ejemplo de arquitectura neoclásica. Fue diseñada por el arquitecto Carl Boos y desde entonces se ha convertido en un símbolo icónico del horizonte de Wiesbaden. La construcción de la iglesia se completó en 1862, y su historia está intrincadamente ligada al desarrollo de la ciudad a lo largo de los años.




Es una iglesia luterana de estilo neogótico, siendo una de las más destacadas de Wiesbaden y una significativa muestra de los edificios sagrados del luteranismo. El luteranismo es una de las principales ramas del protestantismo, fundada por el teólogo alemán Martín Lutero en el siglo XVI. 



Es una corriente religiosa derivada del catolicismo, establecida por el monje y teólogo alemán Martín Lutero a principios del siglo XVI. El luteranismo forma parte de la Reforma protestante, junto con el calvinismo, el anglicanismo, el anabaptismo y el presbiterianismo.




El luteranismo se basa en las 95 tesis que Lutero clavó en la puerta de la iglesia de Wittenberg, Alemania, en 1517. Gracias a la invención de la imprenta, este texto se difundió rápidamente por toda Europa y consiguió numerosos adeptos, entre ellos muchos de los príncipes que gobernaban los más de 300 Estados en los que se dividía el Sacro Imperio Romano Germánico.



La torre principal de la Marktkirche, de estilo neogótico, se eleva muy por encima de las demás casas del casco antiguo, por lo que es literalmente el punto culminante de una visita a Wiesbaden, la capital de Hesse. Construida entre 1853 y 1862 como Catedral del Estado de Nassau,



El edificio de la iglesia se hizo necesario después de que la iglesia medieval de Mauricio fuera destruida en un incendio en 1850. Carl Boos hizo la planificación y ejecución del nuevo edificio. Optó por el material ladrillo, atípico en la región, y lo modeló sobre la iglesia Friedrichswerder de Berlín, proyectada por Karl Friedrich Schinkel. Boos fue muy criticado por ello, ya que la iglesia se convirtió así en el primer edificio totalmente de ladrillo del Ducado de Nassau.



La altura de las torres también fue controvertida en el momento de su construcción, ya que la torre principal mide casi 100 metros. Una basílica de tres naves sin crucero sirvió de modelo, una arquitectura impresionante que todavía hoy deleita a los numerosos visitantes. En las visitas guiadas a la iglesia y la torre, el público interesado puede conocer muchos detalles y hacerse una idea de la nave, que está rodeada de galerías. Bajo el techo abovedado, pintado como un cielo estrellado, se crea un espacio de silencio que permite olvidar por un momento el ritmo frenético de la ciudad y la vida cotidiana.




Las cinco estatuas de tamaño natural de la sala del coro también dejan una gran impresión: Jesucristo y los cuatro evangelistas Marcos, Juan, Mateo y Lucas. Las figuras fueron realizadas en mármol blanco en 1863 y restauradas en 2015. Muchos visitantes también acuden a la Marktkirche para asistir a un concierto de órgano, ya sea un evento nocturno o la popular "Música de órgano a la hora del mercado". El órgano principal es el más grande del distrito de la Iglesia Protestante de Hesse y Nassau. Además, hay otro órgano de coro disponible para la música de la iglesia. Muchos aficionados tienen otra atracción, que no se inauguró hasta 1986.




Desde entonces, un carillón compuesto por 49 campanas de bronce se encuentra en la torre principal a una altura de 65 metros. Es uno de los pocos carillones tocados a mano en Hesse y se puede escuchar en todo el centro de la ciudad de Wiesbaden. El carillón es un complemento armonioso de las cinco campanas de bronce que tocan las horas y el servicio de la iglesia.





Bibliografía : https://enciclopediadehistoria.com
                     https://www.travelguide.de/es

lunes, 19 de febrero de 2024

La pintura Gabriele Munter - Wassily Kandinsky


La pintura "Gabrielle Münter - Wassily Kandinsky", una obra de arte colaborativa del año 1905 con dimensiones de 45 x 45 cm, se encuentra actualmente en la Galería Municipal en la Lenbachhaus, un museo de arte alemán en Múnich_ Alemania. 



Gabrielle Münter, nacida en Berlín en 1877, no solo fue la amada de Wassily Kandinsky, sino también una talentosa artista expresionista. A pesar de las limitaciones de la época, Münter desarrolló su talento pictórico, llegando a Munich donde conoció a Kandinsky en la escuela del grupo de arte Phalanx. Su relación amorosa se consolidó a pesar de la complicación de la situación matrimonial de Kandinsky. El estilo artístico de la obra es una fusión de expresionismo y abstracción, con una composición interesante que refleja formas geométricas y líneas dinámicas. Creada en un momento de agitación política y social durante la Primera Guerra Mundial, la pintura testimonia la creatividad y la resistencia de los artistas en tiempos difíciles.



Las referencias a Gabrielle Münter en libros y artículos sobre arte se encuentran con mayor frecuencia junto con el nombre de Wassily Kandinsky. Sin embargo, ella no solo fue la mujer amada del gran pintor, sino también una talentosa artista expresionista. A lo largo de su carrera, Kandinsky pintó muy pocos retratos, pero inmortalizó a su amada en varios lienzos. Sin embargo, la pintura de Gabrielle Münter merece una atención especial, ya que la representa en su trabajo.


Gabrielle Münter nació en Berlín en 1877. A pesar de las costumbres de esa época, sus padres apoyaron firmemente su deseo de convertirse en artista. Desde pequeña, Gabrielle tomó clases particulares de dibujo y asistió a clases en la Escuela de Arte para Mujeres, ya que no se le permitió ingresar a las instituciones educativas para hombres. Tras perder a ambos padres, a los 21 años, Münter se convirtió en una rica heredera, lo que le permitió viajar mucho y desarrollar su talento pictórico. En su búsqueda, finalmente llegó a Munich, específicamente a la escuela del grupo de arte Phalanx fundada por Wassily Kandinsky. Comenzó a asistir a sus clases en 1902, donde pronto se dio cuenta de que admiraba a Kandinsky por algo más que ser un buen maestro. Además, en ese momento, Kandinsky fue el único que tomó en serio al joven artista. Su interés mutuo rápidamente se convirtió en algo más serio.que ser un buen maestro. Además, en ese momento, Kandinsky fue el único que tomó en serio al joven artista. Su interés mutuo rápidamente se convirtió en algo más serio.

Todo se complicó debido a que Kandinsky ya estaba casado, lo que inicialmente obligó a ocultar su romance con Gabrielle. Sin embargo, el artista rompió con su esposa muy pronto y comenzó a vivir abiertamente con Münter, aunque nunca registraron oficialmente su relación. Viajaron juntos, trabajaron duro y compraron una casa en Murnau donde Kandinsky comenzó sus primeros experimentos abstractos. Sin embargo, su relación amorosa se fue desvaneciendo gradualmente y terminó con el estallido de la Primera Guerra Mundial. Después de su separación, Münter no pintó durante varios años, pero luego retomó su pincel, desarrollando y mejorando su propio estilo. Hasta el final de sus días, Gabrielle Münter vivió en la casa de Murnau.




Su interés mutuo se convirtió rápidamente en algo más serio. Todo se complicó por el hecho de que Kandinsky ya estaba casado, y al principio tuvo que ocultar su romance con Gabrielle. Sin embargo, el artista rompió con su esposa muy pronto y comenzó a vivir abiertamente con Münter, a pesar de que nunca registraron oficialmente su relación.





Viajaron juntos, trabajaron duro y compraron la misma casa en Murnau en el que Kandinsky comenzó sus primeros experimentos abstractos. Pero su relación amorosa se fue esfumando gradualmente y terminó con el estallido de la Primera Guerra Mundial. Después de su separación, Münter no pintó durante varios años, pero luego retomó su pincel, desarrollando y mejorando su propio estilo. Hasta el final de sus días, Gabrielle Münter vivió en la casa de Murnau.



El estilo artístico de esta obra es una mezcla de expresionismo y abstracción, lo que la convierte en una obra única y fascinante. La composición de la pintura es muy interesante, ya que presenta una serie de formas geométricas y líneas que se entrelazan entre sí para crear una imagen compleja y dinámica.

Un aspecto poco conocido de esta pintura es que fue creada durante un período de gran agitación política y social en Europa. La Primera Guerra Mundial estaba en pleno apogeo y muchos artistas se vieron afectados por los acontecimientos de la época. Esta pintura es un testimonio de la creatividad y la resistencia de los artistas en tiempos difíciles.



En resumen, la pintura Gabriele Munter - Wassily Kandinsky es una obra de arte excepcional que combina el estilo artístico, la composición, el color y la historia para crear una imagen impresionante y fascinante. Es una obra que merece ser admirada y apreciada por su belleza y su significado histórico.




Münter utilizaba colores audaces y vívidos en sus pinturas, a menudo aplicados en grandes áreas planas. Sus formas tienden a ser simplificadas y geométricas, lo que contribuye a la sensación de intensidad emocional en su trabajo.


Conocida por su habilidad para representar paisajes, tanto urbanos como rurales, así como naturalezas muertas. Sus composiciones suelen ser equilibradas y armoniosas, con una atención cuidadosa a la luz y la atmósfera.


Sus obras muestran influencias del fauvismo, un movimiento artístico francés caracterizado por el uso audaz del color y la simplificación de las formas. Münter adoptó esta técnica en algunos de sus trabajos, particularmente en su paleta de colores vibrantes y su enfoque en la expresión emocional.











Bibliografía : https://arthive.com/es
                     https://kuadros.com/es

viernes, 9 de febrero de 2024

El desaparecido Palacio de Anglada

El Palacio de Anglada, también conocido como Palacio de Larios, fue un edificio ubicado en la ciudad española de Madrid, actualmente desaparecido. Se encontraba situado en el Paseo de la Castellana. El edificio, diseñado por el arquitecto Emilio Rodríguez Ayuso, fue erigido en la década de 1870.



El Palacio de Anglada fue construido alrededor de un gran patio cerrado, en un estilo árabe que estaba de moda en ese momento. La calidad del edificio era excepcional, con escayolas que imitaban las formas de la Alhambra de Granada de manera perfecta, lo que dejaba una impresión duradera en los visitantes. En su interior se distribuían distintas dependencias como dormitorios, comedor, despachos, gabinetes y tocadores, y contaba con la participación de los mejores pintores y escultores en la decoración interior.



El estilo ecléctico del palacio se reflejaba en su interior, con un patio que recordaba al de los Leones de la Alhambra. El eclecticismo en arquitectura, originado en Francia a mediados del siglo XIX, se caracterizaba por la combinación de estilos y elementos arquitectónicos de distintas tradiciones y épocas históricas. Este enfoque aspiraba a crear un estilo mixto que incorporara los mejores elementos de toda la historia del arte.












En junio de 1895 se abrió al público para una exposición de arte que alcanzó gran notoriedad en la prensa de la época debido a las maravillas que mostraba. Posteriormente, el edificio permaneció cerrado hasta que en los comienzos del siglo XX pasó a ser propiedad del marqués del Genal y sus sobrinos los marqueses de Larios.


Bibliografía : https://gatopormadrid.com
                     https://www.larazon.es



miércoles, 7 de febrero de 2024

El Museo "El Castillo en el barrio El Poblado de Medellín _ Colombia.

El Museo "El Castillo" es un museo ubicado en el barrio El Poblado de Medellín _ Colombia. La construcción del palacio comenzó en 1930 por el arquitecto Nel Rodríguez, en estilo gótico medieval similar a los castillos del Loira en Francia. Posee jardines de estilo francés, bibliotecas, salas de exhibición y conciertos. Originalmente fue la casa de campo de José Tobón Uribe, quien trajo los planos, hasta su fallecimiento en 1942, momento en que Diego Echavarría Misas, un importante industrial del municipio de Itagüí al sur de Medellín, lo adquirió como residencia para su familia.




Es reconocido como un monumento arquitectónico de la ciudad, acompañado de grandes jardines de cipreses traídos de Villa Adriana en Italia, convirtiéndolo en un referente cultural de Medellín.




Recorrer cada uno de sus espacios permite descubrir los tesoros que alberga el museo, como reliquias en porcelana, cristal, vitrales, gobelinos, pinturas y esculturas únicas de diversas manifestaciones artísticas. El Museo también cuenta con salas de arte utilizadas para conciertos y clases de pintura, danza y piano. Las opciones para visitar el museo son amplias e interesantes, desde visitas guiadas hasta exposiciones permanentes y temporales que hacen de la visita una aventura histórica y cultural.






La historia del museo se remonta a cuando José Tobón Uribe, hermano de Pablo, decidió construir un castillo al estilo de los del Loira francés en su finca de recreo en El Poblado. Para ello, encargó los planos a Francia y luego comenzó la construcción. Desde entonces, el área se conoce como El Castillo.

En aquella época, durante los años 30 y 40, la finca se extendía desde la carretera a Envigado hasta la zona por la que construyeron la Transversal Inferior muchos años después.

José Tobón Uribe vendió su castillo a Diego Echavarría Misas, reconocido filántropo e hijo del industrial Alejandro Echavarría y Josefa Misas.




Diego, educado en Europa y conocedor del arte y la cultura del viejo continente terminó la construcción del castillo y lo convirtió en su residencia habitual, en ese entonces alejada del ruido de la ciudad.

Su padre vivía en el Parque Bolívar y tenía como finca de veraneo a Vizcaya. Era rutinario en esa época que las familias pudientes de Medellín tuvieran su finca para temperar en esta zona, pero Diego prefirió convertirla en su residencia permanente porque le permitía dedicarse a las tres cosas que más le gustaban: las artes plásticas, la música y la naturaleza. Su afición a la jardinería lo llevó a traer de Italia las semillas de los cipreses que forman la alameda de la entrada.





Bibliografía : https://vivirenelpoblado.com