Basílica de San Pedro, la catedral de Angoulême _ Francia

La impresionante Basílica de San Pedro de la catedral de Angoulême, se levanta en el mismo lugar en el que, en la época galo romana, había un templo dedicado a Júpiter, situada en la ciudad de Angulema_ Francia.

Su realización se debe a Girard II, uno de los personajes más célebres de su tiempo. Sucesivamente profesor, obispo y delegado de cuatro papas, amigo de los duques de Aquitania y consejero de las cuentas de Angulema, se revela además como un artista de primer plano que dirige los trabajos de su catedral. Los trabajos comienzan hacia 1110 y fue consagrada en 1128.

Fue destruida por los visigodos, de manera que debió reconstruirse en el siglo VI. El segundo edificio también fue destruido, esta vez por un incendio. La catedral actual, inspirada en las de Perigueux y Cahors pero con su propia originalidad.

La fachada está dominada por dos torres que flanquean la fachada; varios arcos arcos pequeños se dividen en la base de las torres, y dos bahías gemelas ocupan el último nivel. Las torres están cubiertas de piñones y rodeadas de pináculos.

Totalmente cubierta de tallas románicas, como la de Notre-Dame la Grande de Poitiers, los pórticos del primer nivel están finamente decorados con motivos vegetales y animales, y los lados tienen hermosas caras haciendo muecas. La torre se levanta hacia el lado norte: es de base cuadrada, con aperturas. El conjunto se completa con arcos ciegos y grandes ventanas, y una elegante ventana flanqueada por dos leones.

En total la fachada tiene más de 70 esculturas y bajo relieves algunos de los cuales representan el Juicio Final, la Evangelización y la Ascensión de Cristo. Esta fachada es la gran protagonista de la Catedral. En el año 2000 comenzaron nuevos trabajos de restauración y embellecimiento que aún continúan, para devolverle su brillo original.

Convertida en un Templo de la Razón durante la Revolución, finalmente fue radicalmente restaurada en base a un diseño del arquitecto Paul Abadie, el mismo de la basílica de Sacré Coeur de París, que sumó la fachada del hastial, pináculos y estatuas ecuestres y reconstruyó la cúpula del crucero y la torre del campanario.

Bibliografía : https://sobrefrancia.com/

El ramo de flores obra de Federico Zandomeneghi

El ramo de flores obra de Federico Zandomeneghi del año 1894 y con unas dimensiones de 90 x 50. Actualmente se encuentra en el Museo Cívico de Mantua _ Italia.

Pintor impresionista italiano (1841-1917) miembro del grupo macchiaioli .La elección del camino de Federico Zandomeneghi no fue una sorpresa para su familia: tanto el abuelo (Luigi Zandomeneghi) como el padre (Pietro Zandomeneghi) del artista eran escultores famosos. Por lo tanto, nadie se sorprendió cuando Federico ingresó en la Academia de Artes de Venecia y luego continuó su educación en Pavía.

Zandomenogi participó en la campaña militar de Giuseppe Garibaldi en Sicilia, al final de la cual se instaló en Florencia y se acercó a un grupo de artistas de la escuela Macchiaioli (sus representantes: Giuseppe de Nittis, Silvestro Lega, Telemaco Signorini). La estética de la escuela está en muchos aspectos cercana al impresionismo, de hecho, muchos participantes se volvieron posteriormente hacia él.

La estética de la escuela está en muchos aspectos cercana al impresionismo, de hecho, muchos participantes se volvieron posteriormente hacia él. La palabra "macchiaioli" se deriva del italiano macchia - mancha. Los macchiaiolistas preferían un estilo de escritura libre, contornos borrosos y preferían el color sobre la línea y el aire libre al trabajo minucioso en el taller.

Es cierto que, a diferencia de los impresionistas, los artistas de la escuela Macchiaioli dedicaron la mayor parte de sus obras a cuestiones sociales, en particular, describieron episodios de la lucha de liberación nacional. Esto acercó a los artistas a la dirección realista, que en Italia se llamó verismo.

Los maquiaiolistas se reunieron en el café de Miguel Ángel y discutieron hasta el punto de la ronquera sobre el papel del color y la luz en la pintura, su estilo es la libertad de la creatividad, paleta de colores brillantes, decoratividad, estilización, textura densa, pincelada gruesa. En el período temprano - socialmente crítico la naturaleza de las pinturas.

De los impresionistas, Zandomenogi estaba especialmente cerca de Edgar Degas y Toulouse-lautrec y en Renoir. El problema financiero fue resuelto a fondo por el artista solo en 1893, cuando transfirió los derechos de sus pinturas a un coleccionista. Paul Duraine-Ruel...

Antes de eso, Zandomeneghi tuvo que ganar dinero como ilustrador en revistas de moda, ya que el producto de la venta de pinturas no le permitía proporcionar el nivel de material deseado. En 1898 tuvo lugar una exposición personal de Federico Zandomeneghi en la galería Durand-Ruel, y desde entonces se han realizado con regularidad. Pero su tierra natal lo reconoció solo después de su muerte, aunque en 1914 Venecia acogió su exposición retrospectiva.

Bibliografía : https://arthive.com/

La estatua de Antinoo

La estatua de Antinoo fue descubierta por un equipo de arqueólogos franceses en verano del año 1894, cerca del Templo de Apolo en el santuario de Delfos.(es un yacimiento arqueológico (declarado Patrimonio Mundial de la Unesco) _ Grecia.

La mayoría de los trabajadores eran lugareños del pueblo de Kastri que, antes de ser reubicado, se construyó casi encima del antiguo sitio religioso,  el equipo desenterró la exquisita estatua de Antínoo, que había sido encargada por el emperador Adriano en el año 130 d. C.

Antínoo fue un joven de gran belleza, favorito y amante del emperador romano Adriano.​ Tras su muerte fue deificado y se le rindió culto. Muchos de los retratos que se hicieron de él se han conservado hasta nuestros días. Desde el Renacimiento hasta la actualidad, Antínoo ha sido muy representado en el arte, especialmente en la escultura, y su enigmática figura ha captado la atención de numerosos artistas.

Adriano, que era un admirador y un apasionado partidario de la antigüedad clásica griega, así como un benefactor del Oráculo de Delfos, ordenó que las estatuas del apuesto joven a quien había amado con tanta pasión, fueran erigidas en todos los santuarios y ciudades de su vasto imperio.

Además, ordenó la institución y el establecimiento de juegos atléticos en honor a Antínoo, quien luego fue honrado y adorado como un dios.

En consecuencia, se erigió una estatua de Antínoo dentro del santuario de Delfos después de su muerte en el año 130 d.C. Es universalmente reconocida como una de las estatuas de culto más hermosas e impresionantes de todos los tiempos.

Durante las excavaciones, la estatua fue descubierta en posición vertical sobre su pedestal, junto a la pared de una cámara de ladrillos, junto al Templo sagrado.

De las monedas romanas acuñadas en honor a Αntínoo, se sabe que la representación de la estatua iba acompañada del epíteto “Propylaeus”.

Por lo tanto, es legítimo asumir que originalmente se colocó a la entrada del santuario.

Posteriormente, sufrió daños y se rompió a la altura de la rodilla, por lo que tuvo que ser trasladado más cerca del templo de Apolo, en una especie de capilla, donde fue encontrado durante las excavaciones, en relativamente buen estado.

Bibliografía : https://es.greekreporter.com

El pintor italiano Guido Borelli

El pintor italiano Guido Borelli nació en Caluso en el año 1952. Proviene de una formación artística, y su familia siempre lo alentó a desarrollar su talento, desde la niñez. Ganó un concurso a los trece años y realizó su primera exposición a los diecisiete años en la Galería Ars Plauda de Turín. Después de la secundaria, recibió su formación artística en la Accademia Albertina de Turín.

Su estilo está influenciado por los pintores realistas italianos de principios del siglo XX, especialmente por los artistas Boldini y De Nittis. Afirmaba que “el realismo, que reproduzco en el lienzo, proviene de una cosa real que luego transformo pintando el recuerdo que ha quedado en mi mente”.

Conocido mundialmente por sus paisajes líricos y escenas de pueblos italianos, ha creado una colección exclusiva de sus obras llamada "El regreso del maestro", una muestra de arte inspirada por el movimiento de las sombras.

Sus obras reflejan la naturaleza como puntos focales que representan paisajes italianos, casas y villas del norte de Italia y los Alpes, capturando la inocencia de los tiempos perdidos y la nostalgia de antaño con historias del viejo país que escuchó en las rodillas de su abuelo. Unas obras que son una maravillosa combinación de estilos tradicionales y, sin embargo, se sienten muy contemporáneas, impregnadas de una luz romántica, rica en pinceladas impresionistas y sensibilidad de color.

Vanitas con violín y bola de cristal obra de Pieter Claesz

Vanitas con violín y bola de cristal  obra de Pieter Claesz del año 1628  y con unas dimensiones de 36 x 59. Actualmente se encuentra en El Museo Nacional Germánico de Nuremberg_ Alemania.

El pintor barrco neerlandés Pieter Claesz.(1597/15981660), especializado en la pintura de bodegones. Nació en Amberes donde consta activo en 1620 y un año más tarde se instaló en Haarlem, donde desarrolló la mayor parte de su trabajo.

Pieter Claesz y Willem Claeszoon Heda, trabajaron en Haarlem, fueron los exponentes más importantes del “ontbijt” o pieza de la cena. Pintaron con paletas suaves, prácticamente monocromáticas, siendo el manejo sutil de la luz y la textura el principal medio de expresión. Claesz eligió generalmente los objetos de una clase más casera que Heda, aunque su trabajo posterior llegó a ser más colorido y decorativo.

Comparando el cuadro metafóricamente con un ojo que dirige su mirada al observador , el motivo de la esfera de cristal cautiva por su particularidad temática .
Como si estuviera hechizado por el arte, en su superficie se refleja el autorretrato del pintor. Como está presente en " effigie "( es decir, con su retrato ) el artista puede renunciar a poner su nombre en la tabla , que se convierte en un documento. autobiográfico " : el pintor está en la tabla.

 El autorretrato reflejado en una " naturaleza muerta "probablemente deba entenderse como una referencia a que todo cuadro oculta más de lo que revela . Además es un claro indicio de que los objetos reproducidos están distantes e inmaculados gracias a su relieve , marcado y llevado a la cercanía, y el ritmo de las formas redondas , convexas y cóncavas , animan en un primer momento a ser tocadas . La ausencia de las cosas reales se ha transformado en el momento de la participación visual e intelectual por el observador , en una presencia viva.

Pieter Claesz desarrolla un teorema de su arte . La luz conduce la mirada a los diferentes detalles . El vaso volcado, vacío hasta la última gota , parece simbolizar la brevedad de los placeres terrenos . El reloj de bolsillo , caído del revés y abierto, parece insinuar que alguien ha intentado sondear la misteriosa naturaleza del tiempo. El violín con su arco en oblicuo lleva diagonalmente al fondo . El instrumento alude probablemente a la comparación y a la pugna entre las artes de la pintura y la música . La pluma y su estuche con el libro hacen referencia a la escritura, la literatura y el carácter logocéntrico de la vanitas.

Con su fragilidad reflectante , la esfera de cristal recuerda además una pompa de jabón , un símbolo tradicional en la pintura de la naturaleza muerta de la fugaz fragilidad de la vida humana , que el pintor comparte con el observador . " Homo bulla " el hombre es una pompa de jabón.

El reflejo de una ventana cerrada llama la atención por su forma de cruz , una alusión ( como puede presuponerse ) al pensamiento cristiano. Con su arte,el pintor ha desafiado a la naturaleza y superado la extraordinaria dificultad que conlleva escenificar en una superficie ( como por arte de ensalmo ) un mundo de tres, si no de cuatro dimensiones . De este modo, la tabla pintada resulta ser un espejo mental, una auténtica superficie de proyección, en condiciones de ofrecer un espacio asociativo y mover el alma del observador.

Al comienzo de su carrera, Claesz pintó colores todavía vivos, más tarde su trabajo siempre fue cubierto y más íntimo, utilizando una paleta virtualmente monocromática. Este desarrollo también tuvo lugar en los paisajistas holandeses, como fue el caso del hijo de Claesz.

Un desarrollo en la composición también es evidente durante la vida de Claesz. Al principio colocó los objetos a menudo en forma de cruz o en una diagonal estricta, más tarde hizo más uso de la superposición entre los objetos, dando lugar a una mayor profundidad. En el curso de su vida, también pintó desde un punto de vista cada vez más bajo, lo que significa que uno se ve menos desde la cima de la mesa con la naturaleza muerta, pero desde el lado.

El uso de la luz y la sombra de Claesz. Es brillante. Pinta reflexiones de luz entre diferentes objetos, y explica además el efecto de luz de diferentes superficies, haciendo una diferencia entre una lata o una placa de plata, un vaso de roemer, una olla de cerámica. Sin embargo, este control de la expresión del polvo se produce en más pintores holandeses del siglo XVII. En algunas obras Claesz tiene. Se pintó, sentado detrás de su caballete, aunque discreto, a través del reflejo en un vaso. La pintura de vidrio era una especialidad de Claesz.

Prácticamente toda la naturaleza muerta de Claesz. Refiérase al dado ya la temporalidad de la vida y del placer. Esto también se llama vanitas. Utiliza una gran cantidad de velas extinguidas o salientes, instrumentos musicales, relojes, libros antiguos, papelería como una pluma de ganso, cráneos, etc. También pinta muchos alimentos como pan, queso, vino, ostras, pescado, aves de corral, jamón, aceitunas y Nueces El limón también apareció mucho, como una llave amarilla en la paleta monocromática. El limón se usaba a menudo para condimentar el vino blanco dulce.

Bibliografía: https://fundacionreneenavarreterisco.org

                    https://pinturasdiversas-demeza.blogspot.com

Aristóteles contemplando el busto de Homero en el año 1960 en la Galerías Parke .Bernet en Nueva York en Estados Unidos.

"Aristóteles contemplando el busto de Homero", en el año 1960 en la Galerías Parke .Bernet en Nueva York en Estados Unidos.

Parke-Bernet Galleries fue una casa de subastas estadounidense , activa desde 1937 hasta 1964, cuando Sotheby's la compró. La empresa fue fundada por un grupo de empleados de la American Art Association , entre ellos Otto Bernet, Hiram H. Parke, Leslie A. Hyam, Lewis Marion y Mary Vandergrift. En 1964, la compañía era la casa de subastas más grande de Estados Unidos. 

Aristóteles contemplando el busto de Homero es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt del año 1653 con unas dimensiones de 143,5 x 136,5 cm, Actualmente Se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York _ Estados Unidos.

Es la primera obra de un tríptico que comprende a Alejandro Magno y Homero, en conmemoración de los más grandes hombres de la Grecia antigua. Aristóteles tiene la mano derecha sobre la escultura representativa de Homero, mientras que la izquierda se posa sobre la cadena de oro de la que pende un retrato de Alejandro Magno, su alumno. Aparecen así en el cuadro, a través de una sutil alusión, las dos obras posteriores. El vaciado en yeso para el busto de Homero se encontraba en la casa de Rembrandt.

La obra le fue enviada a Mesina en 1654. Ruffo, en 1660, encargó a Guercino una tela que representara una figura que pudiera hacer juego con el cuadro de Rembrandt: con este fin, envió un esbozo de la obra que Guercino interpretó como un Fisionomista que estuviese estudiando sobre una escultura las alineaciones de un rostro, proponiendo pintar en correlación un Cosmógrafo que estuviera estudiando un mapamundi.

Francis van Bossuit (1620- 1692)

El escultor belga Francis van Bossuit (1620- 1692) perteneció a la corriente flamenco.  Su obra muestra una inclinación por el clasicismo que probablemente se deriva de su exposición al arte italiano antiguo y contemporáneo durante su estancia en Roma, así como de su conocimiento del clasicismo barroco de los escultores activos en Versalles. La exuberancia de algunas de sus obras refleja también su formación en la escultura barroca flamenca.

Van Bossuit probablemente nació en Bruselas aunque no se ha encontrado evidencia de su nacimiento en los archivos de esta ciudad. También es posible que 1635 fuera el año en que comenzó su aprendizaje en Bruselas. Si comenzó su aprendizaje en 1635, probablemente nació alrededor de 1620. ​ Según fuentes más antiguas, trabajó en Amberes durante los años 1645-1650.

Se fue a Italia probablemente con la esperanza de ser aceptado como miembro de una de las cortes, donde tradicionalmente existía un gran interés por la talla de marfil. Los Médici de Florencia, por ejemplo, tenían una gran colección de tallas de marfil. Se supone que por eso fue primero a Florencia, donde, probablemente a mediados de la década de 1650, habría estado en contacto en la Academia de Florencia con el escultor alemán Balthasar Permoser. Pudo haber trabajado en Módena a mediados de la década de 1650. Probablemente esta hipótesis se base en la presencia de dos de sus primeras obras en la Galleria Estense. 

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Se cree que residió en Roma entre 1655 y 1680. Se supone que se asoció principalmente con el círculo de estudiantes de la academia florentina. ​ El Gabinete de Arte de la Escultura menciona que en Roma se convirtió en miembro de los Bentvueghels, una asociación de artistas principalmente holandeses y flamencos que trabajaban en Roma. Era costumbre que los Bentvueghels adoptaran un apodo atractivo. Se dice que Van Bossuit adoptó el sobrenombre de "Waarnemer" (Observador), porque "observaba las hermosas piezas y las hizo suyas". Sin embargo, este nombre no aparece en las listas de apodos de los Bentveughels que se conocen actualmente. Durante su residencia en Roma, se dice que hizo muchas copias de estatuas antiguas. 

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Alimentada por su larga estancia en Italia, su obra destaca por la infinita ternura que le da a sus personajes. También muestra una gran inclinación por el clasicismo, probablemente debido a la exposición durante su estancia en Roma al antiguo arte italiano y a los escultores contemporáneos como el flamenco François Duquesnoy y los escultores italianos Gian Lorenzo Bernini y Alessandro Algardi. También muestra que había absorbido el clasicismo barroco de los escultores activos en Versalles. La exuberancia de algunas de sus obras, también refleja su exposición a la escultura barroca flamenca practicada por los escultores flamencos Artus Quellinus el Joven y Rombout Verhulst que estuvieron activos durante mucho tiempo en Ámsterdam donde llevaron a cabo importantes proyectos.

Sus obras fueron populares entre los coleccionistas de esculturas de gabinete y los artistas clasicistas, que copiaron las esculturas e incorporaron composiciones y motivos en sus pinturas. Especialmente los grabados de sus obras, publicados en el "Gabinete del Arte de la Escultura" de Matthys Pool a partir de que los dibujos de Barend Graat, sirvieron como modelos para los artistas hasta el siglo XVIII. Graat probablemente comenzó a dibujar las esculturas de van Bossuit en la década de 1680.

Los pequeños relieves coleccionables de Van Bossuit en marfil fueron muy buscados por los coleccionistas privados en la República Holandesa. Los coleccionistas holandeses Petronella de la Court y su esposo Adam Oortmans eran dueños de otros diez marfiles de van Bossuit. Es posible que Oortmans incluso haya estudiado la escultura de marfil con van Bossuit. ​

Van Bossuit permaneció en Ámsterdam hasta su muerte el 22 de septiembre de 1692.

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"El retrato de Eleonora de Toledo con su hijo Giovanni" obra del pintor italiano Agnolo Bronzino (1503–1572) del año 1545 y con unas dimensiones de 115x 96 cm. Actualmente se encuentra en La galería de los Uffizi en Florencia _ Italia.

La obra retrata a la hermosa Duquesa de Florencia Eleonora de Toledo, esposa de Cosme I De Medici, en compañía de uno de sus once hijos, Probablemente Juan nacido en 1543 y destinado a convertirse en cardenal. El retrato fue pintado en el verano de 1545, durante una estancia de la familia Ducal en la Villa Medici de Poggio a Caiano, que se puede ver en el fondo.

Su primer maestro fue el pintor florentino Raffaellino del Garbo, de quien aprendió las bases del dibujo toscano. Hacia 1515 ingresó en el taller (o bottega) de Jacopo Carucci más conocido como Pontormo quien le hizo su hijo adoptivo y de este modo tuvo un papel fundamental en la carrera artística de El Bronzino.

Fue quizás para esta obra que, en 1545, Bronzino pidió el azul al mayordomo de la corte Pier Francesco Riccio. La identificación tradicional del niño era Garzia, séptimo hijo de la pareja, pero la fecha de 1545 que se suele aceptar hoy en día, solo hace posible que sea Juan, 1543 y que entonces en esa fecha tenía unos dos años.

Durante mucho tiempo se creía que Eleonora estaba enterrada con el mismo vestido en este retrato : esta noticia se difundió después de la encuesta en las capillas medici de 1857, en la que los actos fueron enumerados por primera vez genéricamente "las ricas prendas, hechas de acuerdo con la moda de mediados del siglo XVI, y algunas de las trenzas de color de pelo, rubio, rojo por un cordón de oro y similares a los pintado por Bronzino en el retrato de esta princesa",  que fue seguido por una descripción del vestido: "la prenda que lo reconstruye, no ligeramente rasgada, es de satén blanco, larga hasta el suelo y ricamente bordada en un galón en el busto, a lo largo de la enagua y en el volante de pie" Bronzino dedicó otros retratos tanto a la mujer como al niño, pero este es sin duda el más famoso, un verdadero manifiesto del arte de la Corte enrarecido en la época de Cosimo y uno de los resultados más emblemáticos del retrato del italiano del siglo XVI.

De las exhumaciones de 1857 no hay documentación fotográfica. La descripción proporcionada, aunque genérica, es consistente con la forma del vestido funerario real usado por Eleonora, pero también podría recordar vagamente el vestido más famoso del retrato Del Bronzino. Con la segunda exhumación de los cuerpos de los Medici, que tuvo lugar entre 1945 y 1949 bajo la dirección de Gaetano Pieraccini, el ataúd de Eleonora fue abierto de nuevo y, al igual que sus otros familiares, su cuerpo fue analizado y estudiado, después de haber sido privado previamente de las túnicas ricas. Estos últimos fueron conservados durante mucho tiempo, rotos, desgastados y apilados, en los almacenes del Museo del Bargello.

La mayor parte de sus pinturas son retratos de grandes literatos y de integrantes de la familia de los Médicis o de allegados Los retratos, la mayoría en estilo cortesano, llevan un cuidado tratamiento de las vestimentas y joyas, con colores fríos.

La sofisticación estética de Bronzino le permitió crear un tipo de retrato en el que, además de fijar el estatus social de sus modelos, capta la personalidad del retratado basándose en el intelecto más que en la observación de la realidad fisonómica. Además de sus retratos, cultivó otro género de pinturas para la corte, entre las que destaca "Venus, Cupido, la locura y el tiempo" (National Gallery, Londres), enviada como regalo al rey de Francia Francisco I, y que es ejemplo de su estudio constante de la escultura antigua y los modelos de Miguel Ángel.

Su mano afilada no usa anillos. Aunque el artista intentó crear un retrato ceremonial y dotado de abstracción, se leyeron varias emociones en los rostros de los protagonistas, desde una cierta melancolía de Eleonora (o más bien una cierta solemne alterigia), hasta la inquietud del niño, que parece buscar con sus ojos vispi una distracción a la pose.

El fondo oscuro, aparentemente plano, se ilumina alrededor de la cara de Eleonora, representada sentada con su hijo de pie a su lado. De hecho, en una inspección más cercana, resulta que no es una pared sino un cielo de plomo con, a lo lejos, una vista de una finca, probablemente la de Poggio a Caiano, a la que la familia Ducal estaba particularmente vinculada. Bronzino creó un retrato oficial que refleja el ideal del siglo XVI de poder absoluto: las formas de los protagonistas son suaves, carentes de fuertes contrastes de claroscuro, iluminados por una luz fría que los bloquea en la rigidez de la pose oficial.

Bibliografía : https://kripkit.com

                     https://www.museodelprado.es/