El Museo Nacional de San Carlos

El Museo Nacional de San Carlos ocupa un caserón del siglo XVIII que doña María Josefa de Pinillos obsequió a su hijo, el Conde de Buenavista. Esta construcción fue realizada por el célebre arquitecto valenciano Manuel Tolsá, quien también estuvo a cargo de importantes obras en la ciudad, como la culminación de la Catedral Metropolitana, el Palacio de Minería y el Caballito.

El arquitecto Manuel Tolsá, en la plaza que lleva su nombre,
en su localidad natal: Enguera  en Valencia.

La edificación tiene un estilo neoclásico y destaca por su sobriedad y dimensiones monumentales. Un elemento notable es el patio central de forma elíptica, único en la arquitectura de la ciudad.

Manuel Vicente Agustín Tolsá y Sarrión (1757-1816) un reconocido arquitecto, ingeniero y escultor español, que vivió y desarrolló su actividad en México, desde 1791 en donde quedó encargado, hasta su muerte, como Director de Escultura de la Academia de San Carlos.

El Museo Nacional de San Carlos abrió sus puertas en 1968 con un importante acervo de arte europeo, el mismo que perteneció a la Galería de la Academia de San Carlos, el primer museo de arte del continente americano.

En la colección del museo se puede encontrar pintura gótica de la España de los siglos XIII y XIV, obras del Renacimiento, del Manierismo italiano, arte holandés del siglo XIII, pintura francesa del siglo XIX y pintura española costumbrista.

La vocación del Museo Nacional de San Carlos es la de preservar, difundir y estudiar el arte europeo desde el siglo XIV hasta principios del XX, a través de la presentación de los máximos exponentes de su colección, considerada una de las más importantes de Latinoamérica.

Obras de Pedro Berruguete, Lucas Cranach, Jacopo Carrucci el Pontormo, Alonso Sánchez Coello, Francisco de Zurbarán y Jacopo Robusti el Tintoretto, Cristobal de Villalpando o Franz Hals, se albergan en su interior.

De 1899 a 1932, el antiguo palacio de los Marqueses de Buenavista proyectado por Manuel Tolsá, sirvió de asiento a la fábrica de tabaco “La Tabacalera Mexicana”. Ello dio nombre a la zona actualmente conocida como colonia La Tabacalera. Posteriormente, el edificio pasó a ser ocupado por la Lotería Nacional, Secretaria de Comunicaciones y Obras Públicas, y por otras varias oficinas de gobierno hasta su restauración en 1965.

El edificio construido en cantera gris está distribuido en dos plantas, la superior de mayor altura. La escalera de excepcional belleza recuerda la del Palacio de Minería. Por la organización simétrica de las partes que componen la fachada, así como la disposición de balaustradas y copones que rematan los muros, recursos formales distintivos de la obra arquitectónica de Tolsá.

La singularidad de este palacio radica en la conjunción de dos estilos: el barroco y el neoclásico, que ofrecen a quien lo visita una placentera sensación de hospitalidad, debido a las formas curvas presentes en diversos espacios, el ordenamiento de los mismos y a la escala humana con la que fueron proyectados.

Bibliografía : https://veritasonline.com

                     https://masdemx.com

"La Madonna de Mánchester", obra de Michelangelo Buonarroti

"La Madonna de Mánchester", obra de Michelangelo Buonarroti del año 1497 y con unas dimensiones de 105 x 76cm. Actualmete se encuentra en National Gallery de Londres _ Inglaterra.

La Madonna de Mánchester es una pintura sobre madera, están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.

Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. 

El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche». Entre 1496 y 1501, Michelangelo Buonarroti se encontraba en Roma, donde esculpió en mármol la 'Piedad' (1497-1500; Roma, San Pedro), obra que le lanzó a la fama como escultor. 

Miguel Ángel se consideraba más escultor que pintor. Pintó menos que esculpió y siempre a la fuerza. Pero todo lo que pinta es monumental gigantesco y escultórico. Trabajó mucho y le agobiaron siempre pero él siempre creó arte.

Su estilo proviene de su escultura. Se desentiende del paisaje y de lo anecdótico. Tiene un concepto de la pintura monumental. Pinta grandes héroes, arquetipos de Mesías, hombres grandes en cuerpo y en alma.

Bibliografía : Los Grandes Maestros de la Pintura: Miguel Ángel. Pere Rubiés

El Palacio Altemps _ Roma

El Palacio Altemps es una de las 5 sedes que conforman el Museo Nazionale Romano, se encuentra en la Piazza di Sant’Apollinare en Roma _ Italia. Pues entonces es en definitiva una cita imperdible con la historia y el arte.

Construido en el siglo XV por la familia Riario y reconstruido por el arquitecto Martino Longhi para el cardenal Marco Sittico Altemps en el XVI. Desde 1894 hasta 1971 fue la sede del Colegio Español de San José. Devuelto a la Santa Sede, será adquirido por el estado italiano y entregado al museo en año 1982, fue inaugurado finalmente el año 1997.

Esta construcción se divide en dos porciones, por un lado tenemos la planta baja en donde se ubica un patio, un vestíbulo y tres salas temáticas. En la primera planta se encuentra una capilla privada, la alcoba del cardenal, dos galerías y diversas salas nombradas de acuerdo a los elementos más representativos que en ellas se exhiben.

La primera ubicación de la colección del museo fue colocada en el claustro construido por Miguel Ángel en las Termas de Diocleciano. Posteriormente, en 1990, la colección se dividió en cuatro diferentes lugares: Cripta Balbi, Palacio Altemps, Palacio Massimo alle Terme y las Termas de Diocleciano.

En el Palacio Altemps, por otra parte, se encuentra parte de la colección del Museo Nacional Romano y ostenta parte de la decoración y los frescos originales del palacio. 

Los techos formar parte del atractivo ya que algunos están bellamente pintados, mientras que los pisos cumplen con lo propio y aportan mucho más que simple decoración.

Las autoridades italianas han encontrado en el edificio el marco ideal para exhibir la colección Ludovisi, el más impresionante conjunto de esculturas clásicas en manos privadas que quedaba en Roma, y que fue comprado por el Estado italiano en 1901.

Un palacio cardenalicio que se restaura para albergar en él la más valiosa colección privada (160 obras) de esculturas clásicas, propiedad, a su vez, de otro cardenal.

Las esculturas griegas y romanas adquiridas en el siglo XVII por el cardenal Ludovico Ludovisi y restauradas magistralmente por artistas de la talla de Bernini y Algardi, ganan en dignidad y belleza en las 33 salas imponentes del Palazzo Altemps, distribuidas en dos planta.

Phrodite or Persephone and dates to the decade 480-470 BC

Pueden contemplarse algunas piezas exquisitas del arte clásico reinterpretado por los maestros del Seiscientos. Entre las obras más famosas de la colección está el Galata suicida, que se traspasa el pecho con una daga, junto al cuerpo de la esposa asesinada para evitar su apresamiento.

Statue of Athena Parthenos,

Las figuras de Orestes y Electra, la colosal cabeza de Juno y un Marte definido en alguna ocasión como "la más hermosa estatua del Dios de la guerra esculpida en la antigüedad". 

The head of Antonia Minor,

Uno de los más impresionantes artistas-artesanos del siglo XVII, así como el sarcófago Ludovisi, y el célebre Trono Ludovisi. El palacio también incluye el teatro privado histórico, en la actualidad usado para albergar exposiciones temporales, la iglesia de San Aniceto y la colección egipcia.

Galería de imagines

Gaul killing himself and his wife), marble copy of original bronze by Epigonos

Bibliografia : https://elpais.com/cultura/

"El retrato de joven dama", obra de Antonio di Jacopo Benci

"El retrato de joven dama", obra de Antonio di Jacopo Benci, del año 1465 y con una dimensiones de 52,2 x 36,2 cm. Actualmente se encuentra en Gemäldegalerie,Staatliche de Berlin _ Alemania.

Antonio di Jacopo Benci más conocido como Antonio del Pollaiulo fue un artista renacentista que investigó diferentes campos en la escultura del último cuarto del siglo siglo XV. Procedía de una familia de orfebres y quizás fue alumno de Donatello (del que muestra influencia en sus obras). Fue pintor, escultor, orfebre y grabador cuatrocentista italiano, que asimismo perfeccionó el arte del esmaltado.

El “Retrato de una jovén dama”, en el que la búsqueda del artista se centra en las tensiones aplicadas a la propia anatomía humana, la modelo aparece en la clásica postura de perfil, pero la presenta totalmente alerta, como respondiendo a la presencia del artista. Este movimiento lo ha captado el artista en el movimiento ascendente de su espalda, ligeramente curvada, que se continúa en la curva opuesta que supone su cuello.

La línea contornea después su perfil un tanto caprichoso, sobresaliente y dentado, en el que marca todos los detalles, desde el labio inferior metido hacia adentro, hasta la enérgica barbilla. Estos ángulos se repiten en el triángulo del velo que tiene sobre la oreja, que la estira hacia atrás y sostiene el sofisticado y decorativo peinado. Pollaiuolo penetra en los rasgos de la desconocida modelo, en una especie de análisis psicológico, como queriendo plasmar su espíritu.

Esta nueva manera de investigar los aspectos de la experiencia humana, de hallar modos cada vez más sutiles y afinados de expresar la transitoriedad, apunta hacia una nueva manera de entender el arte en la sociedad renacentista de finales del siglo XV que, tras haberlo aprendido todo del mundo físico, dirige su atención hacia el universo espiritual y sus manifestaciones, a través de un cambio de actitudes y de acciones.

 Así la luces y las direcciones cambiantes, intentarán captar los estados de ánimo más imperceptibles a simple vista, que se traducen en un rostro sensible. Los tejidos más delicados apenas si peden disimular la palpitación de las venas en el cuello de una mujer o el latido de su corazón bajo el pecho. Todos estos recursos se van a convertir en nuevos medios de expresión para los artistas de finales del siglo XV, que sin duda pueden denominarse como “de lo imperceptible”.

Bibliografía : arte.laguia2000.com

El Museo Charles Dickens

El Museo Charles Dickens, se encuentra en el distrito de Holborn en Londres _ Inglaterra. Ocupa una típica casa adosada de Georgia, que fue el hogar de Charles Dickens. Charles Dickens es, junto con el insigne William Shakespeare, uno de los escritores más emblemáticos de Inglaterra. Este museo dedicado a su figura en la que fuera su vivienda familiar durante casi tres años, desde  1837 a 1839.

Bajo el nombre de Museo de Charles Dickens descubrimos un edificio de cuatro plantas estilo georgiano donde se conservan todo tipo de objetos y manuscritos del ilustre escritor, como plumas, cartas, muebles, una interesante colección de pinturas o ediciones originales.

Arquitectura georgiana es el nombre dado en los países de habla inglesa al estilo arquitectónico llevado a cabo entre 1720 a 1840, llamado así por los cuatro reyes británicos llamados Jorge (George) que reinaron en el Reino Unido desde 1714 hasta 1830.

Construido en la segunda mitad del siglo XVIII, que constituye uno de los ejemplos más bellos de la aplicación de este estilo a la arquitectura pública,

Desde 1760 se fueron mostrando otros tipos de arquitectura georgiana, distinta del palladianismo, con las variantes inglesas del estilo rococó.

Una de las pinturas más destacadas es el retrato inacabado del escritor que realizó RW Buss y que se conoce como Dream Dickens. En él aparece Charles Dickens en el estudio que poseía en Gads, la casa de campo que el escritor tenía en la localidad inglesa de Higham, en el condado de Kent.

Los arquitectos georgianos que seguían en sus construcciones las formas palladianas que ponían de manifiesto un estado natural de orden y proporción, fueron a la vez los creadores del denominado jardín inglés que proponían un tipo de diseño natural, las colinas, los árboles y los demás elementos debían adoptar sus propias formas con libertad, sin sometimiento a ninguna norma geométrica, despojado de la artificiosa de los jardines franceses. Estas concepciones suponían, en algunos casos, visiones contrapuestas de una misma realidad.

La historia de una mujer que vivió en las sombras de un trágico matrimonio y que quizá te haga mirar con otros ojos algunos libros de este famoso autor.

Ser la esposa de uno de los más grandes escritores de la historia no debe ser tarea fácil, mucho menos en pleno siglo XIX, donde ya de por sí la mujer ocupaba un rol secundario.

Sin duda, Charles Dickens escribió algunas de las historias de Navidadmás memorables, pero la de su matrimonio con Catherine Hogarth, entra mas bien en la categoría de terror y suspenso.

Ella era la hija de su jefe y se conocieron en su fiesta de cumpleaños en 1835 cuando él no era todavía un escritor famoso, sino que trabajaba como periodista.

El amor parecía construirse año tras año y, de hecho, los describían como una “pareja enamorada”. Tuvieron 10 hijos, viajaron, hacían fiestas en casa para compartir con amigos, todo parecía marchar de maravilla y luego la relación fue mermando hasta terminar en una terrible y pública separación legal en 1858.

Se quedaría aquí hasta 1839, después se trasladó a los hogares más grandiosos a medida que su riqueza y su familia creció. Sin embargo, ésta es la única casa que queda de las que él habitó en Londres.

Lo que sí poco se conoce es que Dickens había estado muy interesado en una de las hermanas menores de Catherine, Mary, a quien incluso invitó a vivir con ellos poco tiempo después de su luna de miel.

Quizá fue lo que lo inspiró a escribir “La Batalla de la Vida” en 1846, una historia de amor donde el protagonista está enamorado precisamente de dos hermanas (¿casualidad?).

Mary murió repentinamente al poco tiempo de vivir con ellos (se cree que de una deficiencia cardíaca) y Dickens le guardó luto por años,  le quito el anillo para ponérselo en él. Lo llevó hasta su muerte. Siendo su musa para muchas de sus historias y hasta se dice 

Los dos años que Dickens vivió en la casa fueron muy productivos, ya que aquí completó The Pickwick Papers (1836), escribió la totalidad de Oliver Twist (1838) y Nicholas Nickleby (1838-1839) y trabajó en Barnaby Rudge (1840-1841).

Repartidas en cuatro plantas, el Museo de Charles Dickens posee la colección más importante del mundo de pinturas, ediciones raras, manuscritos, muebles originales y demás temas relacionados con la vida y obra de Dickens.

48 Doughty Street fue amenazado de demolición en 1923, pero fue salvado por la Hermandad Dickens, fundada en 1902, que levantó la hipoteca y adquirió el dominio absoluto de la propiedad. La casa fue renovada y la Casa Museo de Dickens fue inaugurada en 1925, bajo la dirección de un consorcio independiente. El museo ha sido renombrado como Museo de Charles Dickens.

Galería de imágenes :

Bibliografía: https://es.aleteia.org.
                     Charles Dikenes Museum

"El festín de Baltasar"​ obra de Rembrandt Van Rijn

"El festín de Baltasar"​ obra de Rembrandt Van Rijn , del año 1635 y con unas dimensiones de 209 x 167 cm. Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres _ Inglaterra.

El cuadro representa un episodio del Libro de Daniel donde Baltasar de Babilonia celebra un banquete en el que los comensales toman bebidas y comen en cuencos y vasos saqueados del templo de Jerusalén por Nabucodonosor, durante la conquista de la capital de los judíos que condujo a la cautividad de Babilonia. 

La obra, recoge un episodio de la historia de Baltasar, rey de Babilonia. Durante el sitio de la ciudad por el general persa Ciro, Baltasar reunió a todos sus nobles y sirvió el vino en la vajilla procedente del saqueo de Jerusalén.

Durante el banquete apareció una mano misteriosa que escribió un texto indescifrable en la pared, referente a la división de su reino. Esa noche murió Baltasar. De nuevo resulta sorprendente cómo Rembrandt ha captado las expresiones de las figuras, en este caso de sorpresa y temor ante la inscripción misteriosa, sobre todo Baltasar, que se retrae al contemplar la aparición.

En medio del festín surge una misteriosa mano que escribe un enigmático mensaje en la pared: “mené, téquel, fares”. Su interpretación es la siguiente: “mené” quiere decir “contado”, es decir: Dios ha contado los días de tu reinado y ha determinado su fin; “téquel” quiere decir “pesado”, es decir: has sido pesado en la balanza y te falta peso; y “fares” quiere decir “dividido”, es decir: tu reino ha sido dividido y entregado a medos y persas“.

La luz clara es la otra gran protagonista, creando fuertes contrastes de luz y sombra característicos del tenebrismo. La pincelada del pintor se ha hecho un poco más suelta, como se puede apreciar en la capa del rey, aunque, a pesar de dicha soltura, aún se distinguen claramente los detalles, como el bodegón de frutas sobre la mesa, las joyas de las mujeres o el turbante.

El colorido es oscuro, aunque tiene notas claras, como el precioso vestido rojo de la mujer de la derecha, la capa del rey o el turbante blanco. Sin duda es una obra maestra. La historia nos dice que el rey Baltasar ofreció un gran festín a mil de sus dignatarios, y todos fueron testigos de la cantidad de vino que bebió. 

Actualmente los historiadores del arte no tienen ninguna duda de que tanto el tema como la inscripción se deben a la amistad que el artista tenía con el sabio y cabalista judío Samuel Manasés ben Israel, vecino suyo.

Rembrandt no sólo había realizado un retrato de Manasés, sino que también ilustró su libro ‘Piedra Gloriosa’ con cuatro grabados. Hoy sabemos que Manasés había escrito un libro que analizaba precisamente la inscripción sobrenatural mencionada en la Biblia, y en dicho trabajo explicaba que había que leerla de arriba hacia abajo y de derecha a izquierda, y no de forma horizontal y de derecha a izquierda, como es habitual en la lengua hebrea. Eso explicaba, según Manasés, que los sabios babilónicos de Baltasar no hubieran sabido interpretar la inscripción y advertir el aviso de muerte contra su monarca.

Bibliografía : http://despiertaalfuturo.blogspot.com

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