"Retrato de un hombre" obra Antoon Van Dashort Mor

"Retrato de un hombre" obra Antoon Van Dashort Mor, del año 1561 y con unas dimensiones 69.2 x 55.8 cm. Actualmente se encuentra en el museo Mauritshuis en Den Haag _ Paises Bajos.

En España se le conoce como Antonio Moro (1519 - 1576-78) debido a su fama internacional, su nombre se adaptó a diversos idiomas. Uno de los más destacados retratistas de la historia. Aunó la tradición flamenca con las enseñanzas de los italianos en general y de los venecianos en particular. Como resultado, sus retratos «son de gran dignidad, muy objetivos, verdaderos prototipos del retrato de corte de su tiempo»´

Se formó con Jan van Scorel en Utrecht, del que fue discípulo y ayudante hacia 1540. Sus primeras pinturas revelan las enseñanzas de su maestro. Destacado retratista y excelente conocedor del mundo cultural italiano por su estancia en la península en varias ocasiones. Así el joven artista conoció los principios de la técnica y la estética aplicada a la representación de efigies

 

El estudio de las creaciones de Tiziano le permitió concebir una tipología de imágenes dotada de elegancia y dignidad, cualidades necesarias a la hora de revelar el elevado origen de los modelos. 

El retrato es un magnífico ejemplo de ese "estilo cortesano" con su fondo oscuro, en el que destacan los pormenores del rico atuendo, recogiendo con minuciosidad preciosista sus bordados, joyas y encajes. El rostro, tratado con sutiles veladuras, es de una verdad asombrosa, con mirada inquisitiva y un tanto desdeñosa, que dice mucho del carácter del personaje. Antonio Moro es maestro en desvelar la psicología de sus retratados.

El pintor, que viajó por diferentes países, regresó a España por última vez a comienzos del reinado de Felipe II (1556-1598), acompañando al soberano con objeto de elaborar obras para su círculo próximo. En 1560 retornó a su tierra natal y permaneció allí, sin atender a las peticiones del monarca para que volviese a España, hasta su fallecimiento en Amberes antes de cumplir los sesenta años de edad.

Esta tabla muestra al todavía príncipe Felipe, futuro Felipe II (1527-1598), con entre veintidós y veinticinco años, vestido con un lujoso traje con mangas acuchilladas, al cuello una gruesa cadena de oro de la que pende el Toisón, y al cinto una espada de rica empuñadura. Apoya la mano derecha sobre una mesa cubierta con un tapete de terciopelo rosa, y sujeta con la izquierda los guantes.

Al rey Felipe II, a quien retrató múltiples veces. La tradición del retrato cortesano tiene su origen en este maestro, que definió el estilo que pasará a su discípulo Alonso Sánchez Coello y de éste a sus sucesores, hasta la llegada de Velázquez.

Bibliografía : https://www.museobilbao.com

                     https://www.museodelprado.es

Marga Gil Roësset

Marga Gil Roësset (1908-1932), escultora, ilustradora, poetisa española perteneciente a la Generación del 27. Se la considera una niña prodigio y una escultora formidable e inclasificable, que fue admirada en su época por la intelectualidad.

  

Hija de una familia bohemia y acomodada, creció bajo la influencia de una madre culta y refinada que motivaba a sus 4 hijos a experimentar con las artes. Fue una joven de extraordinario talento para la plástica y la poesía, una niña prodigio que a los 24 años ya empezaba a ser conocida como escultora e ilustradora, nacional e internacionalmente.

Tanto ella como su hermana mayor, Consuelo Gil Roësset, tres años mayor que ella, crecieron en un ambiente ilustrado y fueron educadas en casa bajo la tutela de su madre, Margot Roësset, que les inculcó el gusto por el arte, las apremió a crear cuentos y las instruyó para ser cultas, hablar cuatro lenguas, viajar, visitar museos y asistir a conciertos de música clásica.

​Gil Roësset fue una niña prodigio. A los siete años ya mostraba una extraordinaria capacidad para el dibujo. Es de esta edad la obra más temprana que se conserva de ella, un cuento que escribió e ilustró para su madre. Pero este talento queda patente con la publicación en 1920 de un cuento de su hermana titulado El niño de oro, primorosamente ilustrado por ella.

Pasó de utilizar el papel, la acuarela y la tinta a la madera, la escayola y el granito y estilo del modernismo a la vanguardia en un tiempo muy breve. En poco más de diez años, menos de la mitad de su corta vida, despliega su pericia como ilustradora, usando tinta china y acuarela sobre papel. Después domina la técnica del vaciado en escayola y bronce para alcanzar a continuación una sorprendente maestría en la talla de madera, aplicando, a finales de su vida, martillo y cincel a la piedra y al granito-

Gracias a su escultura, Marga Gil, quien se instruyó por sus propios medios, fue aceptada en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de 1930 y de 1932. Su mejor escultura fue el busto Zenobia Camprubí. En el ámbito de la ilustración, combinaba modernismo y simbolismo e ilustraba los cuentos que escribió Consuelo Gil Roësset de Franco, su hermana. Es probablemente uno de los ejemplos más duros y singulares del expresionismo español.

Marga Gil Roësset y su hermana Consuelo eran admiradoras de Zenobia Camprubí, conocida por ser traductora del poeta bengalí Rabindranath Tagore, y casada con Juan Ramón Jiménez. En 1932, en un recital de ópera, Marga Gil Roësset y el matrimonio fueron presentados por la austríaca Olga Bauer-Pilecka. La escultora quedó enamorada del poeta. Por otra parte decidió de inmediato hacer un busto de su admirada Zenobia Camprub.

Se unieron diversos factores (falta de confianza, su juventud y un amor arrebatado e imposible hacia Juan Ramón Jiménez), que la hacían infeliz y decidió suicidarse. Marga Gil Roësset se pegó un tiro en la sien a la edad de 24 años el jueves 28 de julio a las seis de la tarde. Justo antes le había entregado a Juan Ramón Jiménez una carpeta amarilla, pidiéndole que no la leyese en ese momento. Dentro de la carpeta, Juan Ramón encontró el diario de esta precoz ilustradora y escultora en el cual le confesaba su amor por él

Sus últimos meses de vida fueron los más productivos creativamente. Su hermana Consuelo pudo salvar algunas de sus obras, entre ellas un diario personal que escribió una semana antes de quitarse la vida, y que resultó ser su mejor poemario. Los motivos de su suicidio permanecieron ocultos durante décadas, hasta bien entrados los años ochenta. Parece ser que la causa fue el amor imposible con un hombre casado. Actualmente sigue siendo una artista olvidada.

Bibliografía : http://mujeresextraordinariasfrancesdearanda.blogspot.com

El Castillo Powderham

El Castillo Powderham es una casa de campo fortificada situada en Powderham, Exminster , Devon _ Reino Unido. El castillo fue ampliado y modificado ampliamente en los siglos XVIII y XIX, sobre todo por el arquitecto James Wyatt(1796-1813) en la década de 1790. Castillo sigue siendo la sede de la familia Courtenay,  Earls of Devon.

El castillo de Powderham goza de un entorno pintoresco y único dentro de un antiguo parque de ciervos. Se pueden descubrir más de 600 años de historia dentro de las paredes de una de las casas familiares más antiguas de Devon. Powderham llegó a la familia Courtenay en la dote de la nieta de Edward I, y su hijo, Sir Philip Courtenay, comenzó a construir el Castillo en 1391.

El entorno mágico y la ubicación conveniente hacen de Powderham el lugar perfecto para su evento especial. El edificio nunca ha sido un verdadero castillo, es decir, con torreón y foso , aunque poseía un muro cortina y un patio en el lado este (ahora el jardín de rosas) como se muestra en el grabado de 1745 de Buck. Leland mencionó una barbacana o baluarte en esta área, pero estos fueron demolidos como parte de los trabajos de paisajismo del siglo XVIII diseñados para brindar una vista ininterrumpida desde las habitaciones inferiores hacia el estuario de Exe. Muchos elementos parecidos a un castillo en el frente oeste (entrada principal) se agregaron en el siglo XIX.

Wyatt era un diseñador brillante pero superficial, cuyo trabajo no se caracterizaba por ningún estilo marcadamente personal. En el momento en que comenzó su práctica profesional, los arquitectos de moda eran los hermanos Adam, cuyo estilo de decoración interior procedió a imitar con tal éxito que ellos se quejaban de plagio en la introducción de sus Works in Architecture, que apareció en 1773.

La casa se centra en el edificio rectangular de doble altura de muros gruesos de los siglos XIV y XV. La siguiente sala es llamada ; la de mármol, llamada así por su piso de mármol blanco y negro , se completó en 1755 y forma la parte inferior y sur de la antigua gran sala medieval, que estaba dividida por un muro interno a principios del siglo XVIII en sala de escaleras y sala de mármol. Originalmente era de doble altura, tan alta como el pasillo de la escalera al norte, antes de que se añadiera el techo en el siglo XVIII para formar los dormitorios de arriba. Al mismo tiempo, la escalera se insertó en la parte superior para formar el pasillo de la escalera. 

   

El vestíbulo de mármol se utiliza como salón con una chimenea del siglo XVIII. El contenido de la sala incluye un reloj de caja larga de 4,3 m (14 pies) de alto hecho alrededor de 1745 por William Stumbels de Totnes ; un gran tapiz de Bruselas del siglo XVII con un paisaje rústico de un patio de granja después de Teniers encima de la chimenea; y una repisa de repisa de madera tallada de 1553 decorada con los brazos de Courtenay. Dos retratos del actual conde de Devon y su esposa cuelgan de la pared norte sobre los paneles de madera. 

La casa tiene una mezcla de elementos medievales y una fina decoración del siglo XVIII. Arriba, el solar original tiene una colección de juguetes. También hay una colección de pinturas y retratos familiares de muchos artistas notables. 

El castillo de Powderham ha sido un edificio catalogado de grado I desde 1952 y está reconocido como una estructura de importancia internacional. La escalera, el vestíbulo, la sala de música y el dormitorio principal de la casa se utilizaron como locaciones para la película de 1993 The Remains of the Day . La casa también se utilizó como escenario de una comedia cinematográfica reciente, Churchill: The Hollywood Years . 

Bibliografía : https://www.powderham.co.uk/

Pedro Pablo Rubens

"El Retrato de la Marquesa Brígida Spinola-Doria" obra Pedro Pablo Rubens (1577-,1640) 1606 y con unas dimensiones de 152xr 98 cm. Se encuentra actualmente en la Galería Nacional de Arte en Washington D C._ Estados Unidos.

Rubens fue la gran figura del Barroco en la Europa septentrional. Las fuentes lo recuerdan como un gran humanista, un idealista clarividente, un hombre reservado y honesto que despreció la actitud arrogante de los poderosos. 

En razón de las creencias religiosas de su padre, un abogado calvinista, Pieter Paul Rubens pasó su primera infancia en Siegen y Colonia. En 1587, la muerte de su progenitor le permitió desplazarse a Amberes, donde estudió pintura con tres artistas poco conocidos; uno de ellos, Otto Vaenius, le indujo a realizar el tradicional viaje a Italia, que resultó decisivo para la formación del artista.

 

A lo largo de ocho años (1600-1608), Rubens recorrió los principales centros artísticos italianos y copió obras maestras para la colección de su mentor, el duque de Mantua. Durante el período italiano produjo sus primeras obras (La exaltación de la cruz, El bautismo de Cristo), muy influidas todavía por la pintura italiana y alejadas de su estilo de madurez. Lo más relevante de esta época es seguramente la serie de retratos aristocráticos que pintó en Génova.

La marquesa posa en un entorno opulento para transmitir sensación de lujo; adornada con joyas, lleva un voluminoso vestido de satén a la moda española, con una espectacular gorguera de encaje alrededor del cuello. La luz se emplea para enfatizar la textura de su vestido de boda y la retratada mira al espectador de manera que se deduce que el cuadro fue pensado para ser colocado más elevado que el espectador.

En su faceta de retratista, Rubens se inclinó por la idealización de los rostros y la magnificencia de las actitudes; además de personajes importantes. Las pinturas de Rubens se caracterizan por la viveza de su colorido, tomado de la escuela veneciana, en especial de Tiziano. También por el movimiento y vitalidad de la composición y por el uso de figuras de gran carnalidad, musculosas las masculinas (influencia de Miguel Ángel) y sensuales las femeninas, representadas mediante una pincelada suelta y frecuentemente en escorzo.

Pinturas.

Bibliografía : https://www.biografiasyvidas.com

Cattolica de Stilo

La Cattolica de Stilo, una pequeña iglesia bizantina del siglo IX, se encuentra al pie de la falda del monte Consolino en la pequeña localidad de Stilo, en Reggio Calabria _ . Italia.

Sometida al imperio bizantino hasta finales del siglo XI, la Calabria actual conserva muchos testimonios de arte orientalde esa época, siendo la Cattolica un buen ejemplo.

Una iglesia de arquitectura bizantina, similar al tipo de iglesia en cruz inscrita en un cuadrado, típica de la época media bizantina. El aspecto general del edificio es de forma cúbica, realizado con un entretejido particular de grandes ladrillos unidos entre sí con mortero.

El uso de material cerámico (más costoso en la época, pero más fácil de usar) y la técnica utilizada por los constructores no tiene explicación unánime: Paolo Orsi, superintendente del Museo Nacional de Reggio Calabria, data los ladrillos como «cortinas cerámicas de la buena época imperial», a diferencia de otros estudiosos que piensan que se utilizaron para «disolver la plasticidad de la pared acentuando el grano y el color del material».

En el interior cuatro columnas dividen el espacio en nueve partes aproximadamente iguales. El cuadrado central y los angulares están cubiertos por cúpulas sobre columnas de parecido diámetro; la cúpula central es ligeramente más alta y tiene un diámetro mayor. En uno de los lados tiene tres ábsides.

La particular disposición de las fuentes de luz en el interior resalta el espacio y confiere mayor impulso (con un sutil recordatorio del mecanismo simbólico de la jerarquía y la escala humana). Esta expansión del espacio sirvió para destacar los frescos que recubrían originalmente por entero las paredes de la iglesia, decoraciones pictóricas a las que se le dio la tarea de descontextualizar la superficie muraria.

De planta central y forma cuadrada, el pequeño ambiente en la iglesia dispone de tres ábsides en la parte oriental, el del medio aloja el propio altar, el norte acogía el rito de preparación del pan y del vino, mientras que el sur custodiaba los vasos sagrados y servía para vestir a los sacerdotes antes de la liturgia.

Quedan restos de pinturas murales que abarcan desde el Siglo .X al XVII. La recuperación de este edificio se debe a Paolo Orsi, quien la identificó en 1911 y la sometió a una larga restauración hasta 1927.

Bibliografía : https://plantacentral.wixsite.com

María Roësset Mosquera

María Roësset Mosquera (1882-1921)​ es la primera gran conocida de la saga de las Roësset, pues era tía de la pintora Marisa Roësset Velasco, de la escultora Marga Gil Roësset. Nacida en el seno de una familia burguesa, se formó con el pintor Eduardo Chicharro. Comenzó su actividad artística copiando obras del Museo del Prado. Más tarde realizó escenas de género y retratos, en los que predomina el color sobre el dibujo debido a la influencia de Cecilio Pla y Joaquín Sorolla.

A lo largo del siglo XIX las artistas proyectaron una imagen pública de sí mismas que contrasta en buena medida con la de sus predecesoras. Salvo excepciones, eligieron no representarse en el acto de pintar ni con los instrumentos propios de una actividad que, profesionalizada, podía comprometer su estatus social.

El estilo de María Roësset evoluciona a lo largo de sus escasos años de producción: desde artistas como Wisthler, Sargent, Sorolla, Vázquez Díaz o Paula Modersonh-Becker; a movimientos como el simbolismo, el costumbrismo o el expresionismo.

Su pintura tuvo como objeto central a las mujeres de su familia, a las que a menudo hizo posar como modelos para sus composiciones, para subrayar su carácter oriental, a veces cosía cuentas y adornos.​ Dicho discurso pictórico no implica que María pintase únicamente por afición o exclusivamente retratos sino que plasmaba su propio universo femenino compuesto por sí misma y sus familiares más directas.

La pintora Solía firmar sus cuadros como MaRo​, pintaba sin voluntad de profesionalización, afirmación muy fácil de hacer en relación a las mujeres creadoras y parte de la descripción romántica y plagada de silencios que nos han llegado de esta pintora. Esta descripción no casa con la rotundidad de sus imágenes, en especial de sus autorretratos, si los analizamos en relación a las muy particulares coordenadas de este género, clave para el examen de la autoría artística.

Su Autorretrato de cuerpo entero del 1912, donado por su hija al Museo del Prado en 1985 ​ y hoy ubicado, aunque no expuesto, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,​es seguramente su obra maestra. En él, la autora se pinta como una mujer singular, cuyo rostro posee una gran fuerza expresiva, acentuada por su mirada analítica, profunda y delicada.

De pie ante un fondo neutro de color rojizo, ofrece al espectador su porte de viuda elegante, no exento de cierta atractiva extravagancia, en el que se funde la sed de orientalismo con el reconocimiento de la tradición del retrato barroco español, concentrado y sintético, del que había bebido en el Museo del Prado.

De su producción también destacan, por su particularidad y la controversia que en la época causaban este tipo de obras realizadas por mujeres artistas, los desnudos de jóvenes y adolescentes. Pinta en varias ocasiones a su hija Eugenia, es el caso de Desnudo de niña con brazos cruzados conservado en el Museo de Bellas Artes de la Coruña, y a su sobrina Marisa Roësset (que tiempo después seguirá sus pasos como pintora y que está presente en las exposiciones de "Pintoras de España)

Una actitud desafiante frente a los convencionalismos sociales de la época en sus respectivos campos. Así, desde la propia MaRo hasta su sobrina Marisa, «el apellido Roësset encarna en España la lucha de género, con sus avances y retrocesos».

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Bibliografía  :Enciclopedia online del Museo del Prado

"Moisés con los diez Mandamientos" obra de Philippe de Champaigne del año 1648 y con unas dimensiones de 99.06 × 76.2 cm. Actualmente se encuentra en El Museo de Arte de Milwaukee en Milwaukee, Wisconsin _ Estados Unidos.

Philippe de Champaigne (1602- 1674) pintor francés de origen brabanzón. Realizó pinturas decorativas y retratos, pero se le conoce sobre todo por los austeros cuadros que pintó para la Iglesia. Trabajó para María de Medici, Luis XIII y, a partir de 1635, principalmente para el primer ministro del reino, el cardenal de Richelieu, quien le encargó la decoración del palacio Real, la cúpula de la Sorbona y otros edificios.

En la década de 1640 fue atraído por el jansenismo, movimiento de reforma del catolicismo. Su hija, paralítica, profesó como religiosa en la abadía jansenista ( El jansenismo fue un movimiento religioso iniciado por el teólogo y obispo Cornelio Jansenio (1585-1638), que gozó de cierta popularidad en Europa durante los siglos XVII y posteriores, y que fue condenado como herético por la Iglesia católica debido a sus tesis sobre la salvación, que en último término negaban el concurso de la libertad humana), de Port Royal. Su enfermedad fue curada milagrosamente, y el artista obsequió a la abadía con un hermosísimo ciclo de frescos.

El jansenismo, como movimiento puritano, enfatiza el pecado original, la depravación humana, la necesidad de la gracia divina que salvará solo a aquellos a quienes les fue concedida desde su nacimiento y la creencia en la predestinación, sin libre albedrío. Generalmente, el jansenismo es considerado como sinónimo de intransigencia.

Los Diez Mandamientos, también conocidos como el Decálogo son un conjunto de principios éticos y de adoración, que juegan un papel importante en el judaísmo y el cristianismo. Incluyen instrucciones de como adorar solo a un Dios y guardar el día de reposo, así como también prohibiciones en contra de la idolatría, asesinato, robo, deshonestidad y adulterio. Diferentes grupos religiosos siguen distintas tradiciones en cuanto a la manera de interpretarlos y enumerarlos.

Fue pintor de corte de la reina madre María de Médici, como acabo de mencionar la protectora de Rubens, y del rey Luis XIII. A lo largo de su vida fue reduciendo los desmanes del Barroco en pro de un estilo contenido y grandioso. 

Tal vez sea su obra la que mejor puede ilustrar ese barroco clasicista que imperó en Francia durante el siglo XVII. Fue uno de los miembros fundadores de la Real Academia de Pintura y Escultura en 1648, y en 1655 se hizo profesor de la misma. Sus conferencias sobre pinturas de Tiziano se enmarcan en la pugna estética que se vivía en la pintura francesa, entre el clasicismo que daba prioridad al dibujo y el colorismo más afín a Tiziano y la pintura veneciana.

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Bibliografía :  https://www.nga.gov/collection/artist-info.

                      https://www.biografiasyvidas.com

                      https://www.britannica.com/biograph