Jean-Paul Aubé

El escultor francés Jean-Paul Aubé (1837- 1916) estudió en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes en París . Alumno de los profesores Dantan y Duret. En el año 1866 recibió una beca y viajó a Italia, pero su trabajo apenas se vio influenciado por el arte renacentista. Su estilo pertenece al estilo neo rococó.

Retrato del escultor, obra de Paul Gauguin

Expuso su obra en el Salón de París, ganando la medalla de Oro del Salón entre los años 1874 y 1876. En el año 1878 presentó su estatua de mármol Galatea. Se especializó principalmente en la realización de bustos, y como la mayoría de los escultores en monumentos y decoraciones de edificios públicos.

La pintura de bronce obra Jean-Paul Aubé

En sus obras, como la mayoría de los contemporáneos de estilo neo rococó,  nos pide que desterremos de nuestra vida el horror, la enfermedad, la tristeza, la melancolía y todo aquello que nos inquiete. Nos pide, en resumidas cuentas, que ignoremos la realidad.

Expuso su obra en el Salón de París, ganando la medalla de Oro del Salón entre lis años 1874 y 1876. En el de 1878 presentó su estatua de mármol Galatea. Se especializó principalmente en la realización de bustos, y como la mayoría de los escultores en monumentos y decoraciones de edificios públicos.

En sus obras, como la mayoría de estilo neo rococó nos pide que desterremos de nuestra vida el horror, la enfermedad, la tristeza, la melancolía y todo aquello que nos inquiete. Nos pide, en resumidas cuentas, que ignoremos la realidad.

Los materiales preferidos de Aube fueron el bronce y el mármol blanco. Se puede hablar sin embargo, sobre las cualidades del estilo rococó en un trabajo de escultura, debido a las características de informalidad, alegría, preocupación por los asuntos del corazón y una evitación consciente de la seriedad.

Así, en el siglo XVIII se abrió en Francia en un estado de ánimo de reacción contra la formalidad extrema de la corte de Louis XIV, este nuevo espíritu, que se expresa en la academia francesa, en el que puede verse también el naturalismo no forzado de los bustos, aún cuando en ese momento, la escultura sólo podía presumir de ser apenas un medio adaptado para expresar las sutilezas del comportamiento humano.

Dante de bronce del año 1882

Bibliografía : http://www.stillwellhouseantiques.com

La iglesia Memorial de Stanford

La iglesia Memorial de Stanford, más conocida informalmente como MemChu es una iglesia en la Universidad Stanford, ubicada en el centro del campus, en el 450 Serra Mall, Stanford, California _ Estados Unidos.

Está bellamente reconstruida, ya que gran parte de la estructura se perdió durante los terremotos de San Franciscoen 1906 y 1989. Destacan sus coloridos vitrales, mosaicos, y sus hermosos jardines. Su arquitectura es de estilo neorrománico. 

En la fachada, destaca bajo un cielo amarillo, los apóstoles que se acercan a la figura del Cristo con túnicas de todos los colores. En el interior de la iglesia se palpa una mezcla aparente de estilos diferentes. Leland Stanford y su mujer Jane fueron los que lo fundaron el día uno del año 1890, en la hoy prestigiosa Universidad de Stanford. 

Barajaron varias posibilidades, como un museo o una escuela técnica, pero al final se decidieron por una universidad en California (aunque, finalmente, también crearon un museo). 

Al otro lado del prado que presenta a la universidad, continúan las facultades, y en un rincón inesperado está el Cantor Arts Center, un museo con pinturas y esculturas de todos los continentes, en el que las pancartas anuncian la reciente adquisición de un cuadro de Edward Hopper. Con todo, el principal atractivo del museo es la amplia exposición de esculturas de Auguste Rodin. 

En la universidad se encuentra una de las copias de la obra de Auguste Rodin, el grupo escultórico "Los Burgueses de Calais", una de las más famosas esculturas. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calai. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.

Como anécdota, Steve Jobs, deseaba estudiar en esta Universidad, pero no pudo permitírselo. El creador de Apple dio en junio de 2005 un emotivo discurso en la Universidad Stanford, en la ceremonia de graduación, dirigiéndose a cientos de estudiantes dijo para quienes vayan a salir a la vida, a enfrentar sus dificultades y sus maravillosas oportunidades. "Stay hungry, stay foolish" fueron las palabras con las que acabó Jobs su discurso.

Bibliografía : https://www.teknoplof.com

                     http://deeuropayamerica.blogspot.com

"La cortesana" obra Vincent Van Gogh

"La cortesana" obra Vincent Van Gogh del año 1887 y con unas dimensiones de 105,5 x 60,5 cm. Actualmente se encuentra en Museo Van Gogh en Amsterdam _ Países Bajos.

Japonaiserie fue el término usado por el pintor holandés del género post-impresionista Vincent van Gogh para referirse a la influencia del arte Japonés en el resto del mundo.

Antes de 1854 el comercio con Japón fue delimitado a un monopolio holandés y los productos japoneses importados a Europa eran en su mayoría de porcelana y laca. La Convención de Kanagawa marcó un fin para los 200 años de una política exterior japonesa recluida y abrió un vasto comercio entre Japón y Occidente.

Artistas tales como Manet, Degas y Monet, seguidos por Van Gogh, comenzaron a recolectar grabados en madera a color de bajo precio llamados grabados ukiyo-e. Por un tiempo Vincent y su hermano Theo negociaron con estos grabados y eventualmente reunieron cientos de ellos (actualmente conservados en el museo Van Gogh, Ámsterdam).

En una carta dirigida a Theo su remitente Vincent el 5 de junio de 1888 le comentó Sobre nuestra estancia en el sur, aún si es más costoso, Mira, nosotros amamos la pintura japonesa, hemos experimentado su influencia todos los impresionistas tienen eso en común; así que por qué no vamos a Japón, en otras palabras, a lo que es equivalente de Japón, el sur? Sigo creyendo que el futuro de las nuevas artes después de todo es el sur.

El interés de Van Gogh por el arte japonés del grabado ukiyo-e data del tiempo en que vivió en Arnhem donde también se interesó en la teoría del color por Delacroix en la cual se basó para decorar su estudio.

sin embargo pintó el cuadro en Paris y copió la portada usando una trama. Añadió los colores característicos de su estilo post-impresionista, y acabó la obra componiendo la figura de la cortesana sobre un fondo amarillo, y a su vez puso el conjunto sobre otro fondo de cañas de bambú y flores de loto, que en cierto modo remarcaban el exotismo y el orientalismo de la obra.

Durante su siguiente estancia en París, donde el japonismo se había convertido en una moda que influenciaba el trabajo de los impresionistas, el comenzó a coleccionar grabados ukiyo-e y eventualmente comerciar con ellas junto con su hermano Theo. Durante ese periodo el hizo tres copias de estampados ukiyo-e, The Courtesan y los dos estudios después de Hiroshige.

Utagawa Hiroshige fue un pintor japonés. Perteneció a la Escuela Utagawa, una de las más reputadas del estilo ukiyo-e. Hiroshige fue uno de los principales exponentes del paisajismo japonés, llevando esta disciplina a un nivel artístico y de estilo de gran calidad. 

Inspirándose en la portada de la revista Paris Illustré de mayo de 1886, Vincent Van Gogh, que ya era admirador y coleccionista de arte japonés, pintó en 1887 el lienzo “La cortesana”. Hay que añadir que tanto la portada de la revista como el cuadro de Van Gogh están girados (la cortesana mira a la izquierda) mientras que en la obra original mira a la derecha.

Van Gogh admiraba era el dibujo sencillo pero que era capaz de emocionar igualmente, las líneas claras y los colores brillantes. Sin embargo, en el cuadro de La Cortesana, no hay una correspondencia entre el estilo utilizado y esta admiración, a pesar de los colores brillantes, pues los trazos gruesos se alejan de las líneas claras de los grabados japoneses. De todos modos, algunos autores sugieren que el estilo de pintura estriada de Van Gogh a finales de 1887 intentaba imitar el papel crepé de algunas ilustraciones japonesas

Parque de ciruelos en Kameido (1857) by Hiroshige

Floración de un árbol de ciruelo ,1887 obra  Vincent Van Gogh

Ducha repentina sobre el puente, 1857,  obra Hiroshige

El puente en la lluvia (1887) por Vincent Van Gogh

Bibliografía : Hiroshige: Yui, Pico de Satta, bloque de madera a color, British Museum, London

                      http://ingeniero.abranera.com

William Sergeant Kendall

William Sergeant Kendall (1869-1938), nació en Spuyten Duyvil, Nueva York. Pintor estadounidense, más famoso por sus escenas evocadoras de la vida doméstica; su esposa y tres hijas fueron frecuentes en sus creaciones artísticas.

A los 12 años, Kendall comenzó a pintar sus primeros cuadros. Se inscribió en el Brooklyn Art Guild cuando tenía catorce años. No podría haber sido mejor su aprendizaje al encontrar a Thomas Eakins, pintor, fotógrafo, escultor y educador de bellas artes estadounidense, que había comenzado a enseñar el año anterior. Se convirtió en el primer maestro de Kendall y en una gran influencia en su elección del tema. 

Kendall comenzó su entrenamiento en el Brooklyn Art Guild y en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania como alumno de Thomas Eakins. Regresó a la ciudad de Nueva York en 1886 para estudiar en la Art Students League.

En el año 1888 viajó a París para perfeccionar su aprendizaje, incluyendo un período en la École des Beaux-Arts, y continuó pintando, obteniendo reconocimiento en el Salón de París en 1891. Como muchos artistas estadounidenses en Francia, que tantas veces hemos hablado y estudiado sus obras. 

En 1892 regresó a Nueva York y estableció su estudio. Finalmente se quedo en New Haven donde fue profesor y director de la Escuela de Bellas Artes de Yale desde 1913 hasta 1922. 

En el año 1901, fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño como miembro asociado y se convirtió en académico en 1905. Dejó Yale en 1922 y se mudó al condado rural de Bath, Virginia, donde continuó pintando hasta su muerte.

Kendall recibió numerosos premios y galardones a lo largo de su carrera. Aunque principalmente pintó, también modeló y esculpió esculturas a lo largo de su carrera. Podemos ver sus obras en la colección del Museo Metropolitano de Arte, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, el Museo de Bellas Artes de Boston, y el Museo de Arte de Baltimore. 

Sin llegar a ser un impresionista, en sus cuadros se pueden apreciar varias cosas en común con su profesor Thomas Eakins, como la plasmación del instante, que se vea la hora del día, los matices del clima, la época del año… Algo que influyó notablemente en su obra fue la fotografía, que usó tanto como apoyo de su pintura como un arte aparte e igual de importante.