lunes, 8 de enero de 2018

Otto Wagner

La iglesia de San Leopoldo en Steinhof, es obra del arquitecto vienés, Otto Wagner (1841- 1918). A lo largo de su carrera Wagner continúo buscando un estilo que resumiera los principios en los que creía y que enseñó a sus discípulos y a partir de 1898 inició la renovación estilística que supuso todo un revulsivo en su país Austria. 


La iglesia de Sant Leopold es una de las iglesias modernistas más famosas e importantes del mundo. Considerada la primera iglesia vienesa de Jugendstil (modernista), está situada en el distrito 14, un poco alejada de cualquier zona turística. De hecho, está en el complejo hospitalario de Otto Wagner, básicamente el sanatorio más grande de la ciudad.


La construcción de esta iglesia permitió a Wagner la materialización de las ideas que trazó en su estudio de 1899. La modernidad en la construcción de iglesias, a la vez que desarrolló un tema muy importante para él, la colaboración intensa con otros artistas. Otto Wagner creó una iglesia moderna, aunque siempre manteniendo los aspectos tradicionales, como la forma en cruz o la iluminación y cambiando la imagen, las vidrieras o el cuenco del agua bendita entre otras.


Las influencias que recibió el arquitecto en este proyecto son varias, la estructura es neoclásica, la organización del espacio evoca el Renacimiento, mientras que la última sugerencia es barroca, creando la mezcla un magnífico juego de luces, espacios y formas.


Los cuatro ángeles ubicados sobre la entrada principal son obra de Othmar Schimkowits, es más la Iglesia de San Leopoldo en Steinhof es una “obra de arte total”, concepto secesionista, ya que fue diseñada desde los cimientos hasta el más mínimo detalle, todo planeado de antemano por el arquitecto y sus colaboradores


Exteriormente la iglesia está revestida con placas de mármol ornamentadas con tachones dorados y apoyadas sobre un alto basamento de piedra que rodea el recinto. Conjuntamente con el terreno rocoso sobre el que se construyó le valieron el nombre de Kirche am Steinhof “Iglesia del patio de piedra” por el que también se la conoce.


El interior de la iglesia es diáfano, con capillas laterales poco profundas. La decoración principal consiste en unos frisos blancos y dorados y planchas de mármol blanco tachonadas en dorado. La luz natural ilumina el recinto a través de las magníficas vidrieras azules de Kolo Moser.


La planta de cruz griega tiene cabida para 800 personas, 400 sentadas. La entrada principal fue dividida en tres de forma funcional: a la derecha se encontraba la entrada para los hombres, a la izquierda para las mujeres y la entrada central se reservaba para ocasiones especiales.

Obra de Kolo Moser

Las paredes del templo tienen una altura de hasta tres metros rodeando un recinto que se encuentra abovedado por un “firmamento” blanco intenso decorado con una especie de red cuadriculada formada por retículas doradas que conjuntamente con los remaches dorados ayudan a sujetar las placas Rabitz del techo suspendido.


Pese a tener un estilo palladino con una depuración formal y decorativa, su espíritu es de una modernidad evidente. Es el resultado del pensamiento arquitectónico de la temprana arquitectura moderna vinculada a elementos industrializados. La estructura es metálica, con muros de mampostería y revestimiento de piedra y mármol sujeto con pernos.

Catedrático de Arquitectura de la Academia de Bellas Artes, es autor de las estaciones del tren metropolitano de Viena y creó edificios tan icónicos como la Caja Postal de Ahorros en Viena o la primera iglesia moderna de Europa, San Leopoldo, en Steinhof que hoy hemos analizado. Su arquitectura se caracteriza especialmente por el uso de ornamentos: chapados de oro, elementos florales, estuco de.colores, azulejos, vidrio, apliques de metal, entre otros. 

Un homenaje del Poder del Arte a la figura de Otto Wagner para recordar el centenario de su muerte.



Bibliografía : http://www.vienayyo.com

jueves, 4 de enero de 2018

La Adoración de los Reyes Magos obra de Gentile da Fabriano

"La Adoración de los Reyes Magos", obra de Gentile da Fabriano. Fue realizada sobre retablo pintado al temple sobre madera, del año 1423 y con unas dimensiones de 303 x 282 cm. Procedía de la Capella Strozzi de Santa Trinità, y desde 1919 se encuentra en la Galería de los Uffizi en Florencia _ Italia.


La sala 7 de la Galería de los Uffizi acoge la famosa obra maestra de Gentile da Fabriano (sobre 1370 – 1427), la Adoración de los Magos. La obra es considerada una de las obras maestras del Gótico internacional. Fue realizada para Palla Strozzi, uno de los más grandes humanistas de la Florencia del siglo XV.


Su pintura poética y fabulosa, el gusto por la línea y un uso incomparable de los elementos decorativos lo llevaron a la cúspide de la escuela italiana de la época, recibiendo encargos de grandísimo prestigio. Al visitar Florencia, entró en contacto con el naciente Humanismo en el arte y, aunque sin renunciar al estilo propio, inició una consciente transición entre el decorativismo tardogótico y la esencia renacentista.


El tema de la Adoración de los Magos permitía a los artistas representar a la riqueza y la cultura de sus clientes. Al mismo tiempo, la presencia de numerosos detalles daba al artista la oportunidad de mostrar su habilidad.


La formación de Gentile, se cree que fue en la escuela sienesa y que pudo haber sido aprendiz de algún pintor toscano. Comenzó a pintar dentro de la tradición fabrianesa, y no se puede excluir una formación más lejana a la vista de la complejidad y la riqueza de sus obras posteriores, en Milán o en Venecia que eran los grandes centros artísticos del norte de Italia. Desde joven empezó a trasladarse por los centros de las Marcas y Lombardía.


El 6 de agosto del año 1420 está documentado en Florencia, donde se inscribió Gentile, en el Arte dei Medici e Speziali (21 de noviembre de 1422) como «Magister Gentilis Nicolai Joannis Massi de Fabriano pictor, habitator Florentiae in populo Sancte Trinitatis».


En Florencia abrió un taller donde pintó la que será su pieza más famosa, la Adoración de los Magos, llamada Pala Strozzi. El retablo fue encargado para la capilla familiar de los Strozzi en la iglesia de la Santa Trinidad de Florencia.


La atmósfera donde se mueven los personajes es fabulosa, elegante, típica del Gótico internacional. En la obra no hay un solo núcleo, sino el observador tiene que poner sus ojos en varias escenas. Los Magos son representados en el curso del viaje, hasta la llegada y la adoración de Jesús.


El uso del oro – aplicado en hojas delgadas, luego grabadas a mano libre – hace la obra rica y brillante. El marco también es rico y particular, da a la obra una forma especial que la hace única.


La obra está construida en perspectiva simbólica,​ en la que los elementos procuran crear una ilusión de profundidad (el establo y la mesa colocados en diagonal, por ejemplo), el tamaño de los personajes en la lejanía... Una pintura que usa la narración continua con varias escenas figuradas en el cuadro. Desplegó en esta obra el cortejo de los Magos, formando en segundo plano diversos focos secundarios de la acción, no unidos entre sí.

Natividad, detalle del lado derecho de predela del retablo

Los trucos del género permiten ver la obra desde diversos puntos de vista, sobre los que el espectador es invitado a detener la mirada y a analizar cada detalle en particular en momentos sucesivos.

Huida a Egipto, detalle central inferior del retablo

Gentile es realista y minucioso en su representación de los detalles. Las texturas, especialmente de las telas, está muy lograda. Se trata de un pintor medieval, y ello se aprecia en el rico cromatismo o en el uso del dorado de tradición bizantina. No obstante, hay en él rasgos que prefiguran el renacimiento: intenta dar volumen a sus figuras, modelarlas, y hacerlas expresivas.

Actualmente se pone énfasis en su moderno tratamiento de la luz y también por haber usado el dibujo libre en sus estudios y esbozos.

  


Bibliografía : http://www.uffizi.org/es/

jueves, 14 de diciembre de 2017

"La Virgen del jilguero", obra del Rafael Sanzio, hacia 1506. fue realizada sobre tabla con unas dimensiones de 107 x 77 cm. Se conserva en la Galería Uffizi de Florencia _Italia.



Un joven Rafael Sanzio se acercó al ambiente florentino a través de su maestro Perugino, en aquel tiempo jefe de un exitoso taller en la capital Toscana. Pero fue gracias a la familia de los Duques de Urbino, quienes escribieron a la República de Florencia para invitar al artista a permanecer en Florencia la cuna del Renacimiento.


En Florencia Rafael, absorbió los logros del arte florentino que en su momento estuvo a la vanguardia en Europa.  La influencia del gran Leonardo, es evidente en la estupenda Virgen del Jilguero, obra que fue restaurada en el año 2008  en manera hábil y muy sabia.


Rafael acepta el enfoque de la impostación de las figuras en manera piramidal, los efectos de luces suaves y el dialogo emocional entre los personajes que eran elementos típicos de la pintura de Leonardo. No obstante esto, son evidentes al mismo tiempo, aquellas que serán las características propias del gran artista de Urbino: la extrema dulzura de los rostros, sobre todo de las Vírgenes, el uso magistral del color, la representación naturalista del paisaje y la profunda intimidad entre las figuras.


Durante su estancia en Florencia, Rafael dibujo otras célebres obras, pero es la Virgen del Jilguero la que representa mejor la estética del gran artista.

La pintura fue gravemente dañada a finales del siglo XVI a causa del colapso del palacio en donde se encontraba. Sufrió graves daños: presentaba cortes largos y profundos que habían desfigurado el panel de madera.


En el cuadro están representadas la virgen María, en el centro, que sostiene el libro de la Sabiduría en su mano, el niño Jesús, entre las piernas de su madre. San Juan Bautista, primo de Jesús, está vestido con piel de camello (hace alusión al pasaje del evangelio en que se dice que así vestía en el desierto) y tiene entre sus manos un jilguero, símbolo de la muerte cruenta, que ofrece a Jesús, como anticipo de lo que ocurrirá.


Rafael Sanzio a pesar de haber tenido una vida muy corta, murió cuando apenas contaba con 37 años, su pintura caracterizada por equilibrio, orden , armonía tendrá gran influencia contribuyendo posteriormente a la creación de academias oficiales en diversos países, que tendrían en la pintura de Rafael el modelo perfecto hacia el que habían de encaminarse, es la llamada pintura academicista.






Bibliografía : http://www.uffizi.org.


lunes, 11 de diciembre de 2017

Fundación Monet en Giverny

La Fundación Claude Monet es un museo y jardín botánico, que se encuentra en la comuna de Giverny _ Francia. El jardín tiene una superficie de 15 hectáreas, incluyendo tanto la colección botánica, la vegetación local y un pequeño vivero para especies raras.

El 26 de abril de 1974 la propiedad fue inscrita en el título de los monumentos históricos (entrada, jardín, taller, estanque y pabellón). También está catalogado como jardín notable) en el 1976.


Claude Monet vivió en su morada de Giverny durante cuarenta y tres años, desde el año 1883 a 1926. Este largo período de tiempo le permitió acondicionar la casa a su gusto, adaptándola al mismo tiempo a su vida familiar y profesional.


Al principio, la vivienda llamada la casa de la Prensa ( una prensa de manzanas situada sobre la pequeña plaza vecina dio nombre a la barriada), es de reducidas dimensiones. Monet la agrandará de cada lado, hasta llegar a 40 metros de largo por solo 5 metros de ancho.

La escultura de Monet obra de Daniel Goupil

La granja adosada a la casa, se transforma en su primer taller mediante la instalación de un pavimento y de una escalera que comunica con la casa principal. Monet, que pinta sobre todo al aire libre, necesita un lugar para almacenar sus telas y efectuar retoques.


Encima de su taller, Monet añade un piso y se acondiciona un gran dormitorio y un cuarto de aseo. Todo el lado izquierdo de la casa está reservado para Monet, es allí donde tiene su espacio de trabajo y de descanso.


Las ampliaciones realizadas por Monet se distinguen por el tamaño de las ventanas, mucho más anchas que en la parte original.

Del otro lado de la casa, un cobertizo desaparece reemplazado por una cocina lo suficientemente vasta para preparar cotidianamente las comidas de una familia de diez personas habituada a recibir.


Es Monet quien eligió el color rosa de la fachada y el de las persianas. En esta época, la costumbre era pintar la carpintería en gris, Monet, que se preocupa poco del que dirán, decide pintarlas en verde. Instala una galería delante de la casa, una pérgola cubierta de rosales trepadores, y deja crecer una viña virgen sobre la fachada.


La casa dispone de tres entradas. La de la izquierda da acceso a los aposentos de Monet, en medio se encuentra la entrada principal, a la derecha, la tercera que lleva a la cocina sirve de entrada de servicio.
Fue Monet quien supervisó toda la decoración de la casa, dando rienda suelta a su amor por el color.
La pieza sorprende por los tonos azules en sus paredes así como en el mobiliario. Armonizan con las estampas japonesas coleccionadas con pasión por Monet durante toda su vida. Llegó a poseer más de doscientas. Le gustaba rodearse e inspirarse en ellas.

El salón Azul

El dormitorio de Claude Monet es espacioso y en esta cama tan sencilla donde Monet durmió, y en la que expiró el 5 de diciembre de 1926. El pintor disfrutaba de una magnífica vista sobre su jardín.


Hay que hacer notar la mesa de despacho finamente trabajada, y la cómoda, ambos del siglo XIX. En las paredes podemos ver telas de los artistas de la colonia de Giverny. Monet exponía en su habitación las telas impresionistas de sus amigos de renombre Cezanne, Renoir, Pissarro, Sisley, Morisot, Boudin, Manet, Signac…

Durante tres años, se realizó un considerable trabajo de restauración. Se restauran la casa, talleres, muebles y estampas. Gerald Van der Kemp y Gilbert Vahe, el joven jardinero jefe formaron la École nationale supérieure d'horticulture, que hacen resurgir los jardines. Los árboles muertos son talados, flores arados, pasarelas remontar y el "puente japonés" fue reconstruido exactamente, manteniendo la glicinas que plantó Monet.


El borde de los bancos se consolida con tablas. Los archivos, las innumerables fotografías y recuerdos de los que habían conocido el jardín ayudan a encontrar los planes y las variedades preferidas de Monet. Algunos cultivares han desaparecido, se sustituyen por otros similares. 

La ventana del primer estudio de Monet en su casa de Giverny

El 1 de junio de 1980, fue creada la Fondation Claude Monet, y la propiedad abre sus puertas al público. Muy rápidamente, se convirtió en un destino popular para un número creciente de visitantes de todo el mundo. Ocupa el segundo lugar como destino turístico más visitado en Normandía después de Mont-Saint-Michel, la casa y los jardines reciben aproximadamente 530 000 entusiastas de abril a noviembre.










Bibliografia : http://giverny.es