El Alberg Mare de Déu de Montserrat

En 1906, la familia fundadora de la Banca Marsans hizo construir una casa de veraneo cercana a Vallacarca, Barcelona _ España. El arquitecto Juli Marial fue el elegido para llevar a cabo la obra que se convirtió en la residencia de Josepa Marsans i Peix.

El edificio resulta muy llamativo por su acertada combinación de estilos modernista y arquitectura morisca.

La Casa Marsans, rodeada de jardines y pinos, es una vivienda unifamiliar de planta cuadrada organizada alrededor de un patio centralizado, que en el interior se traduce en un espacio a modo de claustro desarrollado en la primera planta con arcadas de diseño neoárabe. Su interior es pura fantasía arabesca. Su ornamentación, serigrafía, colorido y arquitectura confiere al espacio un espectacular juego de luz y color.

Tras una puerta de hierro forjado. En el inmueble principal, al que se accede por un camino recubierto de vegetación, destacan las tejas exteriores, que reflejan la luz solar.

Pero lo que quizás llama más la atención es su interior, que combina el estilo modernista con detalles neomoriscos, en un ambiente que bien podría transportarnos a la Alhambra de Granada.

Aquí, la planta cuadrada del edificio se organiza alrededor de un pequeño patio interior, formado con arcos de diseño neoárabe, columnas y suelo de mármol blanco, que lucen al entrar la luz a través de los colores vivos de la cristalera del techo. Las paredes, con los típicos tonos azules, rojos y dorados de los grabados moriscos.

Sin embargo, si su decoración llama la atención, quizás lo hace más su historia. La Casa Josepa Marsans i Peix fue expropiada durante la guerra civil española, pasó a convertirse en hospital y, poco después, en cuartel militar. Pero pronto se utilizó como residencia de huérfanos de la segunda guerra mundial. Así, «acogió a decenas de niños de Alemania y Polonia», explica David Barrera, director del Alberg Mare de Déu de Montserrat. De hecho, frente a las escaleras de la entrada, en el jardín, hay una placa conmemorativa de este hecho.

Los niños llegaron a la Residència Vallcarca de Barcelona - actual Alberg Mare de Déu de Montserrat - entre 1946 y 1956, en diferentes turnos. Y es por este tipo de detalles que «la historia de los albergues es un valor turístico y cultural en sí mismo, tal y como demuestra el gran interés que despierta el Alberg Mare de Déu de Montserrat entre los visitantes».

Bibliografia : http://www.elperiodico.com/

Bacante, de Bouguereau

"Bacante", obra de William Adolphe Bouguereau, de 1849, con unas dimensiones de 152,5 x 70,5 cm, perteneciente a una colección particular.

Pintor francés, encarnó el modelo de artista académico tradicional, ajeno a cualquier aire de renovación e imbuido por el ideal de belleza clásica, que llevó a sus lienzos con exquisita técnica y minucioso acabado, en equilibradas y evocadoras composiciones de temática idealizada.

Bacchante, de 1849, colección particular 

Entre las obras del pintor William-Adolphe Bouguereau (1825-1905), se cuentan muchos lienzos que representan personajes y escenas de la mitología clásica. En este aspecto quiero exponer y presentarlas los trabajos de Bacante de Bouguereau por orden cronológico, aunque dejaremos para una segunda parte los relacionados con Cupido y Psique, un tema que abordó en bastantes ocasiones, sobre todo en la parte final de su carrera y de su vida.

Bacante lutinat , de 1862, 115 x 185cm, en el
 Museo de bellas Artes de Burdeo 

Las bacantes eran mujeres griegas adoradoras del dios Baco, conocido también como Dioniso. A veces se confunden con las ménades, que eran las ninfas que le servían.

El conocimiento del culto ha llegado hasta nuestros días de la mano de Eurípides y su obra Las Bacantes. En cuanto al rito de despedazar animales, representaba a Baco siendo devorado por los titanes. Según la mitología, este hecho permitió a los titanes tener una chispa de divinidad. Así el hombre, que tiene una parte divina y otra terrestre, al comer al dios Baco intentaba ser más divino.

Bacchante, 1899, 100 x 70,5 cm, Colección particular 

Su considerable obra (más de setecientos cuadros) era característicamente académica: técnica depurada para los numerosos bocetos previos, buen acabado (que cuidaba con esmero), colorido variado y temática narrativa y sentimental desde una perspectiva clásica. Fue quien sin ayuda abrió las academias francesas a las mujeres, y fue el quién podría decirse que fue el mayor pintor de la figura humana en toda la historia del arte. Sus figuras cobraron vida como ningún artista lo había hecho antes o hasta entonces. 

Baranche de laurier, de 1900, 115,5 x 70 cm, colección particular 

Fue popular en Francia y en la corte de Napoleón III, pero quedó en cierto modo al margen a causa del creciente aprecio por nuevos estilos como el impresionismo, al que curiosamente había vetado para el Salón de París por considerar que a los cuadros de ese estilo les faltaba acabado. Ello no impidió que sus telas fueran adquiridas en gran número por coleccionistas americanos e ingleses. Los estudiosos del arte actuales lo consideran un pintor decimonono importante. Muy trabajador, metódico y lo más importante es que ayudó a muchos pintores.

Bibliografía : Chilvers, Ian (2007). Diccionario del arte. Alianza Editorial.

                      Francastel, Pierre: Historia de la Pintura Francesa. Alianza Editoria

La Ruta del Renacimiento en Bückeburg _ Alemnia

La Ruta del Renacimiento del Weser es una ruta cultural que se extiende a lo largo de 400 km, desde la ciudad medieval Hannoversch Münden hasta la ciudad Bückeburg, o Schloss Bückeburg, enlazando importantes monumentos arquitectónicos del Renacimiento del Weser del siglo XVI y principios del XVII. XVII.

De gran importancia histórica y artística es El Palacio de Bückeburg, que recuerda el Alto Renacimiento florentino

El Palacio de Bückeburg, se encuentra en la Baja Sajonia, Alemania. Era la residencia de los Príncipes de Schaumburg-Lippe y a pesar de que esta familia rindió su poder político en el año 1918, aún viven allí. Este lugar, que tiene una historia que data desde hace más de setecientos años, tiene una parte que está abierta al público y es un gran atractivo turístico de la ciudad de Bückeburg con sus piezas de arte y su importante biblioteca.

Este palacio es considerado como uno de los mejores ejemplos del Renacimiento del río Weser de Alemania, como acaba de mencionar, con decoraciones como aquellas que recuerdan a las conchas marinas que son muy típicas de este estilo. Con vistas al  jardín, que tiene un diseño que refleja el estilo barroco con laberintos, fuentes y caminos de pérgolas, que usualmente tienen las construcciones de ese estilo.

Una de las partes más importantes de este palacio es el mausoleo, que es un edificio con un domo que tiene cuarenta y dos metros de altura y se encuentra justo al lado del palacio. El interior de este lugar fue hecho por el arquitecto de Berlín Paul Baumgarten y es el monumento funerario privado más grande del mundo, siendo utilizado hasta el día de hoy como lugar de entierro de la familia que aún viven en el palacio de  Bückeburg.

Otro lugar de interés es el Gran Salón de Banquetes de estilo barroco que es realmente espectacular. Este lugar fue construido en 1893 y tiene dos plantas que alcanzan los nueve metros de alto. Lo que más debes mirar es el techo que fue pintado sobre lienzo por el pintor de Múnich el profesor Ferdinand Wagner y claro que este lugar sigue siendo utilizado para las celebraciones familiares.

El Salón Amarillo que es de estilo neobarroco y que alguna vez fue usado como el salón de las damas. Se dice que después de la cena, las damas se retiraban a este salón para conversar sobre la cultura mientras que los hombres iban al salón de fumar para hablar sobre la política. 

Como curiosidad el compositor Johann Christoph Friedrich Bach, hijo de Johann Sebastian Bach, trabajó en la corte de Bückeburg desde 1751 hasta su muerte, primero como clavicembalista y después (desde 1759) como Konzertmeister (en español, Director de Orquesta) del Hofkapelle de la ciudad.

Bach hizo famosos muchos escritos de Johann Gottfried Herder, quien residió en la corte de Bückeburg como superintendente y vocero oficial desde 1771 hasta1776.

Bibliografía : http://sobrealemania.com

"La expulsión de los mercaderes", obra de El Greco

"La expulsión de los mercaderes", obra de El Greco, entre 1571-1576, con unas dimensiones de 118 cm × 150 cm, en el Instituto de Arte, Minneapolis _ Estados Unidos.

Doménikos Theotokópoulos fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez. Su llegada a Roma fue el día 16 de noviembre de 1570. Cuando el Greco vivió en Roma, Miguel Ángel y Rafael habían muerto, pero su enorme influencia seguía vigente. La herencia de estos grandes maestros dominaba el escenario artístico de Roma.

La expulsión de los mercaderes
obras del Greco en  Minneapolis

Los pintores romanos de la década de 1550 habían establecido un estilo llamado manierismo pleno o maniera basado en las obras de Rafael y Miguel Ángel, donde las figuras se fueron exagerando y complicando hasta convertirse en artificiales, buscando un virtuosismo preciosista. Por otro lado, las reformas de la doctrina y de las prácticas católicas iniciadas en el Concilio de Trentoempezaban a condicionar el arte religioso.

La estética del Greco estaba profundamente influida por el pensamiento artístico miguelangelesco, dominado por un aspecto capital: la primacía de la imaginación sobre la imitación en la creación artística. En los escritos del Greco, se ve que compartía plenamente la creencia en un arte artificial y los criterios manieristas de la belleza.

El periodo italiano se considera como un tiempo de estudio y preparación, pues su genialidad no surgió hasta sus primeras obras de Toledo en 1577. En Italia, no recibió ningún encargo de importancia, ya que era extranjero, y Roma estaba dominada por pintores como Federico Zuccaro, Scipione Pulzone y Girolamo Siciolante, de menor calidad artística pero más conocidos y mejor situados.

Esta obra es una de las primeras muestras de la madurez de El Greco. El pintor mantuvo las líneas básicas de su primera versión y consiguió crear dos grupos contrapuestos. La figura de Cristo, símbolo de martirio y eternidad, preside la escena en medio de un complejo marco arquitectónico.

Las figuras de la composición están perfectamente tratadas. La obra presenta una gran influencia de la escuela venenciana, especialmente de Tiziano y Correggio, quienes aparecen en la esquina inferior derecha junto con Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Giulio Clovio.

Existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano. En ésta desaparecen figuras laterales de versiones anteriores y tanto el grupo de mercaderes expulsados de la izquierda como el de la derecha adquieren prácticamente la composición definitiva que se conservó en el resto de versiones.

La expulsión de los mercaderes,obras del Greco
de 1568, en Galeria Nacional de Arte, Washington

Cristo adquiere respecto a los cuadros anteriores más jerarquía quedando totalmente exento de las figuras que lo rodean, también mediante efectos de luz adquiere más protagonismo, básicamente apagando el resto de personajes. La arquitectura sigue siendo la romana que corresponde a la segunda versión pero en ésta se ha reducido su importancia, ahora solo ocupa la cuarta parte superior, también el color de la misma es más apagado. En esta versión predomina la importancia de las figuras.

La expulsión de los mercaderes, obra de El Greco
de 1600 en la National Gallery de Londres

Existe otra versión también realizada en 1600, que se conserva en la Frick Collection de Nueva York, prácticamente igual a ésta pero de menor tamaño. Greco consideraba a Miguel Angel un excelente dibujante y escultor pero un deficiente colorista, criticando en numerosas ocasiones la obra del florentino, lo que le valió la enemistad de algunos artistas como Giorgio Vasari. Algunos especialistas opinan que su marcha de Roma fue motivada precisamente por las críticas al Juicio Final de la Capilla Sixtina. Con esta obra El Greco se incorpora al lenguaje del Renacimiento, olvidando sus raíces bizantinas. Sin embargo, aún le quedaba mucho camino por recorrer.

La expulsión de los mercaderes,obras del Greco
de 1600, en el Museo del Prado, Madrid

Bibliografia: ÁLVAREZ LOPERA, José, El Greco, Madrid, Arlanza

                    SCHOLZ-HÄNSEL, Michael, El Greco, Colonia, Taschen

El Palacio de Catalina en Pushkin

El Palacio de Catalina se encuentra en la ciudad de Pushkin en los alrededores de San Petersburgo. Se llama también Tsarskoe Selo y se traduce como "El pueblo del zar". El palacio fue construido en el siglo XVIII para la esposa de Pedro el Grande.

Después de la muerte de su hija la Emperatriz Isabel reconstruye el palacio según a su gusto en el estilo barroco ruso. El exterior destaca por su impresionante fachada de 306 metros de longitud; el patio de color turquesa, los tejados en plata y los capiteles y frisos en dorado.

La residencia tiene su origen en el año 1717, cuando Catalina I de Rusia contrató al arquitecto alemán - ya que, por cierto, ella era de Alemania - Johann-Friedrich Braunstein para construirle un palacio de verano. La ampliación del palacio duró 4 años.

En 1756 el arquitecto Francesco Bartolomeo Rastrelli le presento el palacio de 325 metros de longitud de la fachada a la Emperatriz Isabel.

Aunque el palacio se asocia popularmente con Catalina la Grande, realmente ella consideró su arquitectura de «nata batida» como anticuada. Cuando ascendió al trono, una serie de estatuas del parque fueron cubiertas con oro, de acuerdo con el último deseo de la emperatriz Isabel, pero la nueva emperatriz hizo que todas las obras se suspendieran al ser informada de los costes.

En sus memorias censuró la imprudente extravagancia de su predecesora: «El palacio se estaba construyendo entonces, pero era la obra de Penélope: lo que se hacía hoy, se destruía mañana. Esa casa que había sido demolida seis veces hasta sus cimientos, luego vuelta a construir hasta que alcanzó su estado actual. Se gastó en la construcción la suma de un millón seiscientos mil rublos. Existen cuentas que lo prueban; pero aparte de esta suma, la emperatriz gastó mucho dinero de su propio bolsillo en él, sin contarlo nunca».

El Salón Dorado o Salón del Trono, llamada en el siglo XVIII Galería Ligera, es una estancia formal dentro del palacio en el estilo barroco ruso diseñado por Bartolomeo Rastrelli entre 1752 y 1756. El Salón del Trono estaba pensado para albergar las recepciones más importantes como bailes, cenas de gala y mascaradas. El salón estaba pintado en dos colores y tiene una superficie aproximada de 1000 m2.

Ocupa toda la anchura del palacio, las ventanas en el lado oriental que dan al parque mientras que las ventanas del lado occidental miran a la plaza del palacio. Por la tarde se encienden 696 bombillas sobre 12-15 candelabros ubicados cerca de los espejos. Las tallas y las ornamentaciones escultóricas y doradas del salón fueron creados según esbozos de Rastrelli y modelos de Johann Franz Dunker.

No es sorprendente que la Sala de Ambar del Palacio de Catalina sea considerada la Octava Maravilla del Mundo - imaginense la habitacion completa, cubierta de paneles de ambar, brillantes y reflejando la luz del sol. El rey aleman Friedrich Wilhelm I de Prusia obsequió la habitacion como un regalo diplomatico al zar Pedro el Grande, en 1717, despues de que Pedro el Grande la hubiese admirado siendo huesped en Charlottenburg, Berlin.

La decoración de los interiores pasmaba por su magnificencia: las puertas lucían sutil veteado dorado, la enfilada de habitaciones daba sensación de estar adornada con encajes brillantes.

Entre las estancias del palacio destaca el gran Salón Dorado o Salón del Trono que es obra de Rastrelli. La visita a este salón puede abrumar al mas escéptico por la profusión de dorados que están presentes en cada minúsculo detalle de esta estancia, y que se multiplican hasta el infinito por la multitud de espejos.

En el techo podemos ver el fabuloso plafon de Giuseppe Valeriani "El triunfo de Rusia" de 1755. Otras estancias son: las Anticamaras, el comedor de caballeros, el comedor de cazadores, el salon de pilastras rojas de cristal, la Pinacoteca, el comedor verde de Cámeron, y de época mas tardía el despacho de Alejandro I y la escalera principal.

Uno de mis sueños es pasear por las avenidas sombreadas entre los pequeños y bonitos pabellones del Parque de Catalina, es ideal para quién busca tranquilidad y paz de espíritu. Un rasgo interesante del Parque es que consiste en dos partes, cada una con su propio estilo: el Parque Francés (arquitectónico) distinguido por el diseño geométrico de sus anchos paseos y el Parque Inglés que se caracteriza por un decorativismo que imita la naturaleza.

Bibliografía: www.petersburgo.info

"Las cuatro bailarinas" de Edgar Degas

"Las cuatro bailarinas", obra de Edgar Degas, de 1899, con unas dimensiones de 151 x 180 cm. Se encuentra en The National Gallery of Art, Washington_ Estados Unidos.

Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas, fue un pintor y escultor francés. Es característico en él su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas en obras al pastel. 

Admiraba a Ingres y los maestros del renacimiento italiano, pero también recibió la influencia del arte japonés y las tendencias simbolistas.

Four Dancers, 1899, by Edgar Degas,
 National Gallery, Washington DC

Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. No obstante, su estilo se desmarca del grupo en varios aspectos, fundamentalmente en su preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros miembros del grupo; su formación académica se evidencia en que no abandona el dibujo sino que lo convierte en elemento esencial de sus elaboraciones de figuras, predominando pues la línea sobre el color; abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel; utiliza encuadres que lo acercan a la fotografía. Aunque a finales de la década de 1870, Degas dominaba tanto el óleo sobre lienzo como el pastel.

Ballet Dancers on the Stage, 1833
 Dallas Museum of Art

Degas retrató bailarinas ensayando o preparándose tras el escenario, enfatizando su estatus de profesionales haciendo su trabajo. A partir de 1870, las obras de bailarinas aumentaron considerablemente, en parte por la necesidad de pagar las deudas de su hermano, que habían dejado a la familia en bancarrota, ya que las pinturas de esta temática se vendían bien.

Dancers, by Edgar Degas, by Edgar Degas,1885
 Orsay Museum, Paris 

El estilo de Degas se distingue por sus zonas inacabadas, incluso en pinturas altamente detalladas. Frecuentemente culpaba dichas faltas a sus problemas en la vista, ya que al inicio de la Guerra franco-prusiana de 1870, Degas se une a la Guardia Nacional en defensa de París, por lo que se ve obligado a dejar de pintar por un tiempo. Durante una práctica de tiro con rifle le fue detectado un problema en la vista. Durante el resto de su vida, la mala visión fue una preocupación constante para él, argumento que fue refutado por varios colegas y coleccionistas que creían poco probable que "alguien con problemas de vista pudiera pintar de tal manera".

Swaying Dancer, ( Dancer in Green), by Edgar Degas, 1879,
 Thyssen -Bornemisza Museum 

Para terminar, Degas se ayuda de la fotografía que le muestra aspectos o momentos que escapan a la vista. Con la fotografía se captura un instante. La pintura en cambio sintetiza el movimiento, por lo que no puede ser sustituida por la ésta, conocía a varios miembros de la orquesta, de esta manera tenía acceso a este mundo de entre bastidores. Todos los días se sentaba en el escenario o detrás de el. Sus cuadros que mostraban a las bailarinas atándose las zapatillas o poniéndose las mallas, son como fotos instantáneas tomadas por alguna lente oculta. La forma en que las figuras son a veces decapitadas por el borde de la imágen es algo típico en fotografía. Esta era una técnica que Degas utilizaba para mostrar algo de forma casual.

Degas era capaz como nadie de convertir los momentos mas oscuros del baile y los momentos de cansancio en algo encantador y fascinante.

"Kedleston Hall", obra de Robert Adam

"Kedleston Hall" es una enorme y majestuosa residencia que hoy se considera como un Tesoro Nacional en Derbyshire _ Inglaterra. Es el hogar ancestral de la familia Curzon, de origen normando, y las tierras les han pertenecido desde 1297, viviendo en distintas residencias cerca de donde se alza ésta o en el mismo lugar, hasta la construcción de este palacio en 1759.

La casa que vemos hoy en día data de ese año y fue diseñada en un estilo paladiano siguiendo los planos de una villa diseñada por el mismo Andrea Palladio que nunca fue construida. El arquitecto fue Robert Adam, haciéndose cargo de la mansión y de sus jardines.

Es uno de los mejores representantes de la arquitectura de la Ilustración inglesa de la segunda mitad del siglo XVIII. Su obra, basada en una libre interpretación de la arquitectura de la antigüedad, supuso la superación del estilo y la teoría del entonces reinante neo-palladianismo - movimiento arquitectónico desarrollado en Gran Bretaña durante la primera mitad del siglo -, estableciendo a partir de 1758 una alternativa innovadora inmersa en un momento histórico caracterizado por la nueva sensibilidad iluminista. 

El interior es de estilo neoclásico y al entrar parece uno que lo está haciendo a una villa romana, con un vestíbulo, un salón con hall de mármol y todo con un excelente estilo romano. Su arquitectura, fundamentada en la resolución de la tipología residencial, tanto a través de la creación de casas de campo, country-houses, como de vivienda colectiva urbana, conllevó la ruptura con las frías y austeras formas de la ya decadente escuela de Burlington -los neo-palladianos ingleses del siglo XVIII-; a su vez se impuso como el estandarte de la libertad creadora del artista iluminista, independizando la creación arquitectónica de las restricciones impuestas por la tratadística renacentista. 

Robert Adam rechazó el estilo palladiano, tal como fue introducido en Inglaterra por Iñigo Jones, y abogó por Lord Burlington, como acabo de mencionar, Su obra, muy personal y de gran originalidad, supo retomar de la arquitectura antigua y moderna aquellos episodios arquitectónicos que la cualificaron, incorporándolos libremente en sus composiciones, creando, de este modo, un nuevo lenguaje arquitectónico. 

La doctrina de la tolerancia se convirtió en la base de la Ilustración tanto en Inglaterra como en Francia. Pero fue sin embargo el pensamiento británico el que abrió la actividad artística hacia esta tolerancia - más claramente aceptada por el pensamiento europeo en otros campos - dando lugar a la aparición de conceptos como gusto, imaginación, genio, placer estético, emoción... propios de esta nueva sensibilidad estética. Las categorías artísticas de lo sublime, lo original... implícitas en la nueva sensibilidad, llevaron a la creación hacia derroteros que superaban las restricciones de la tradición clasicista.

Al jugar con el contraste de tamaño de las habitaciones y con los esquemas decorativos, Adam aplicó el concepto de movimiento también a sus interiores. Su estilo de decoración, descrito por Nikolaus Pevsner como "rococó clásico", dibujado sobre decoración de estuco romana grotesca.

De todas las estructuras de la antigüedad, las termas romanas fueron las que mayor impacto causaron en el joven arquitecto. Su monumentalidad, tanto por sus dimensiones como por su grandeza, condujeron a Adam a la realización de levantamientos de estas tipologías, para lo cual se apoyó en los estudios previos tanto de Palladlo como del neo-palladiano Lord Burlington.

Aunque no podemos decir en ningún momento que Robert Adam fuera un pensador, sí es cierto, sin embargo, que supo unir sus inquietudes y sus intuiciones a las reflexiones ideológicas que fueron progresivamente dando pie al iluminismo arquitectónico europeo. Su relación con Henry Home, Lord Kames, autor de los Elements of Criticism, y con el pintor retratista Alian Ramsay, quien escribiese el Dialogue on Taste, todos ellos pertenecientes al pensamiento escocés, condicionó en gran parte la trayectoria teórico-profesional de Adam.

Bibliografia: oa.upm.es

"El sembrador", obra de Vincent van Gogh

"El sembrador", obra de Vincent van Gogh, de 1888, con unas dimensiones de 32 x 40cm, en Museo Van Gogh, Ámsterdam _ Países Bajos.

El 21 de febrero de 1888 llega a Arlés, al sur de Francia. Primero se instaló en una habitación situada en el Hotel-Restaurante Carrel, por la que pagaba cinco francos diarios; esto sobrepasaba sus posibilidades económicas y además el espacio era muy reducido para tener su taller.

No hay duda que Van Gogh quedó decepcionado por Arlés durante sus primeras semanas allí. En busca del sol, Vincent la encontró inusualmente fría de nieve. Esto debe haber sido descorazonador para él, puesto que dejó a todo el mundo que conocía para buscar calidez y renovación en el sur. Aún así, el duro clima fue corto y comenzó a pintar algunos de los trabajos más preciados de su carrera.

"El sembrador"

Van Gogh comenzó a pintar en 1880 después de muchos años de hacer dibujos en carboncillo. De hecho, no fue hasta 1888 que dejó de esbozar cada cuadro con un dibujo al carbón primero. Su formación en el dibujo hizo que muchos de sus primeros cuadros se determinaran en base a un patrón específico que se iniciaba con una "c" que dibujaba en algún lugar del centro del lienzo.

Dibujo de "El sembrador a la puesta del sol", 
de 1881, en el Museo Van Gogh

Entonces, él dibujaba líneas verticales con colores cálidos como el amarillo alrededor de la "c", seguidas por líneas verticales fuera del centro con colores fríos como el azul, escenas que nos recuerden a Millet, tan estimado por el holandés en su juventud. La figura del sembrador casi se inserta entre los tonos de la tierra mientras al fondo un resplandeciente y amarillento sol preside la composición.

"El sembrador a la puesta del sol", de 1881,
en el Museo Kröller Müller

El uso de Van Gogh del color representaba la emoción de una escena desde su perspectiva. Una gama de tonos anaranjados a su alrededor, motivando la aparición de sombras coloreadas - en tonos azules y malvas - que recuerdan al Impresionismo. La pincelada es muy suelta, trabajando con rapidez, apreciándose la textura del óleo claramente, lo que provoca un mayor acercamiento hacia el espectador. En la zona del sol emplea una serie de trazos radiales al círculo plano para obtener mayor luminosidad.