Ángel Caído y Venus

"Ángel Caído y Venus", obra de Alexandre Cabanel, de 1874 y con unas dimensiones de 121 x 190 cm, de 1847, ubicado en el Musée Fabre en Montpellier _ Francia.

Cabanel reutiliza un famoso episodio de la mitología de la Antigüedad: Lucifer, que significa "El que da Luz". Este tema, que tuvo mucho éxito en el siglo XIX, proporciona a algunos artistas la oportunidad de abarcar el erotismo, sin chocar al público, gracias a la coartada de un tema clásico. 

Detalle de la obra 

Será también en Italia donde Cabanel beba, como ya hicieron otros tantos artistas, de la tradición de los grandes maestros de la pintura italiana. En su Ángel Caído realiza un estudio anatómico muy manierista de la figura de Satán, donde abandona la clásica representación de la cohorte de ángeles empujada hacia el Infierno.

Es retratado por Alexandre Cabanel como un ser revestido de una imponente belleza física. El ángel más bello de los cielos acaba de ser desterrado por su soberbia y orgullo. 

Ángel Caído y Venus obra de Alexandre Cabanel

Si bien presenta un verdadero estudio anatómico del cuerpo humano recreándose en la belleza del mismo a través de líneas sutiles, un colorido espectacular y una luz que se difunde por toda la composición. El ángel caído fue pintado por el artista durante su estancia en Roma; los músculos fuertemente marcados se combinan en este lienzo con una iracunda mirada de desprecio y rabia contenida. Como sea, el otrora ‘Hijo del Alba’ aparece en el lienzo de Cabanel con un divino esplendor corpóreo, en actitud de ocultar su rostro ante las huestes de San Miguel que están esparcidos por el cielo. 

Su obra fue especialmente conocida y reclamada por los coleccionistas internacionales y por las instituciones, y fue uno de los artistas preferidos de los emperadores Napoleón III y Eugenia de Montijo. 

Bibliografiía: http://arte.laguia2000.com

Mercado de esclavos con aparición del busto invisible de Voltaire

"Mercado de esclavos con aparición del busto invisible de Voltaire", obra de Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, de 1940, con unas dimensiones de 46´5 x 65´5 cm, en The Salvador Dalí Museum (San Petersburgo), Florida _ Estados Unidos.

Desde mitad de los años treinta, Dalí y Gala visitaron Norteamérica con regularidad. Durante la segunda guerra mundial, con Europa ocupada por las tropas de Hitler, optaron por refugiarse en Estados Unidos. Allí pudieron reconstruir el mercado para sus obras y alternaron la residencia entre la costa Oeste, en el Del Monte Hotel, en Pebble Beach, California.

Uno de los primeros cuadros que pintó en Estados Unidos tiene como tema la esclavitud. El Mercado de esclavos con aparición del busto invisible de Voltaire (1940), donde se recurre a la figura de Voltaire (según la imagen de Houdon), pero con un cambio importante de actitud.

Mercado de esclavos con aparición
del busto invisible de Voltaire,
obra de Salvador Dali

El cuadro presenta en primer plano a Gala, que apoya los brazos en una mesa donde hay un busto de Voltaire y un frutero. Gala contempla a un grupo de mujeres, vestidas según el estilo del siglo XVII, que están bajo unos arcos, mezcladas con unos mendigos. Gracias al juego de las imágenes múltiples, aparece y desaparece el busto de Voltaire.

El Busto de Voltaire, de 1781, obra de Jean-Marie Houdon

Por regla general, los inmensos agujeros que aparecen en los edificios como imágenes dobles muestran la destrucción originada por los obuses. El propio Dalí ya lo había manifestado cuando se produjo la guerra civil española en el que se había expuesto la imagen esquelética de España. Para muchos historiadores, la aparición de la ruina significa también el final de su etapa surrealista y de su periodo clásico para dar paso al clasicismo místico.

Detalle de la obra con mujeres,
vestidas según el estilo del siglo XVII

El tema del Mercado de esclavos con aparición del busto invisible de Voltaire muestra otra obsesión del artista, el miedo mezclado con el amor. El miedo y el peligro que surgen en el mundo exterior, en la vida diaria son destruidos por su amante. Se ha escrito que, al pintar este cuadro, Dalí recitaba uno de los versos del poema de Joan Salvat-Papasseit: "El amor y la guerra. La sal de la tierra". 

Él mismo escribe al respecto: "Por su amor paciente, Gala me protege del mundo irónico y bullicioso de los esclavos. En mi vida, Gala aniquila la imagen de Voltaire y de cualquier posible vestigio de escepticismo".

Finalmente, termino con esta frase de Voltaire, que tendríamos que escribirla con letras de oro: "Hay alguien tan inteligente que aprende de la experiencia de los demás".

Bibliografia: http://www.tusquetseditores.com

La Mansión Shapoori en Shiraz

Shiraz es una ciudad al suroeste de Irán, capital de la provincia de Fars. Se encuentra al pie de los montes Zagros. Fue capital de Persia durante la dinastía Zand, entre 1750 y 1794. Se la conoce como la ciudad de la poesía, el vino, las rosas y las luciérnagas.

En 1503 la ciudad recuperó su esplendor durante el mandato de Allahverdi Jan, gobernador de la provincia de Fars durante el reinado de Abbas I. Su hijo, Emamqoli Jan, promovió el embellecimiento de la ciudad al construir una madraza de palacios, los jardínes de cipreses piramidales y el jardín real.

La Mansión Shapoori en Shiraz

Asentada en un fértil valle, y gozando de un clima benigno a 1500 m de altitud, la calidad de sus viñedos era proverbial, y aún hoy las uvas de Shiraz son apreciadas en todo el mundo. Otro cultivo que le dio fama fue el de las rosas, que se convirtieron en una especie de símbolo de la ciudad, siendo la imagen de esta flor profusamente utilizada como motivo pictórico en los revestimientos de azulejo de la arquitectura zandí, fácilmente identificable por su abundancia en colores rosados y fucsias.

Detalle de la fachada obra de
 arquitecto Abolghasem Mohandesi

La Mansión Shapoori, cuenta con 840 metros cuadrados y 4.635 metros cuadrados de zona ajardinada. Esta espectacular casa de 2 plantas perteneciente a Abdolsaheb Shapuori fue diseñada por el arquitecto Abolghasem Mohandesi y construida entre 1930 y 1935. 

Este edificio es único y muy innovador. La casa histórica de Shapouri pertenece, en principio, a la dinastía Pahlavi, en Persia _Irán. Esta bonita casa se encuentra en el centro de la ciudad de Shiraz y se registra como un monumento nacional iraní.

La dinastía Pahlavi en Persia 

El jardín es un gran ejemplo de como los jardines persas sacan partido de las mejores condiciones de un lugar y de su clima. El estilo arquitectónico es único en su tipo, en la fachada con sus 14 columnas con motivos vegetales, las decoraciones de yeso y las columnas de colores le hacen unas decoraciones con simetría única en torno a una identidad específica al balcón del edificio. 

 La fachada con sus 14 columnas en La Mansión Shapoori 

La mansión a finales de los 70 fue comprada por el patrimonio cultural de su propietario y se registró en la Lista Nacional. Pero el esfuerzo fue abandonado durante varios años para reparar y reactivar la inversión privada y ahora es una de las más bellas atracciones turísticas de Shiraz, que se ha convertido en atractivo turístico.

Detalle la columa con con motivos vegetales

La luz del sol y sus efectos han sido un factor de suma importancia en la estructuración de los jardines persas, así como las texturas y las formas escogidas por el arquitecto para reducir el impacto de la luz. Debido a la posición geográfica en la latitud de Irán, la sombra es extremadamente importante en los jardines, sin ella no se obtendrían espacios utilizables (los árboles y los emparrados ofrecen una sombra natural; los pabellones y las paredes sirven, asimismo, para bloquear al sol).

Interior de la mansion Shapoori, salón principal

El estilo persa intenta, frecuentemente, integrar las partes «interiores» con las partes «exteriores» (lo que se realiza, a menudo, a través de un jardín que rodea el patio interior). Los elementos arquitectónicos como los arcos abovedados permiten conectar el espacio entre el exterior y el interior. 

Finalmente os dejo con unos detalles formidables de la mansión, llenos de rincones fabulosos y repletos de historia.

Detalle de uno de los espectaculares frescos de la mansión 

Sala del té en el interior de la mansion Shapoori 

Detalle de motivos vegatales
en el balcon de la mansion Shapoori

"Mujer sentada tocando la espineta" obra de Johannes Vermeer

"Mujer sentada tocando la espineta" obra de Johannes Vermeer, hacía 1675, con unas dimensiones 51,5 cm × 45,5 cm, en National Gallery, Londres _ Reino Unido.

"Mujer sentada tocando la espineta" es una de las obras tardías de Vermeer. Después de la perfección del arte de la pintura era difícil seguir progresando y Vermeer decidió cambiar de estilo buscando la estilización. Luces y sombra se ordenan de manera más rigurosa. Además para mostrar esa realidad más simplificada vuelve a cambiar de técnica. Abandona las transiciones progresivas de color y opta por la yuxtaposición de colores claros y oscuros. 

Según los expertos de la historia del arte, la obra ha perdido la frescura, convirtiendo el sistema de distribución de los objetos en el espacio en un estereotipo. Aparece, además, un fondo con sombras de negro profundo. En este cuadro ya no es la luz la protagonista, cuando en sus obras anteriores el argumento del cuadro era, en realidad, «la penetración de la superficie de los objetos.

Mujer sentada tocando la espineta"
 obra de Johannes Vermeer

A lo largo de su vida, Vermeer trabajó lentamente y con sumo cuidado usando colores brillantes, así como algunos caros pigmentos: como el azul intenso que destaca en algunas de sus obras. No hay dibujos que puedan atribuírsele exactamente a Vermeer y sus pinturas ofrecen pocas claves sobre métodos preliminares. No hay otro artista del siglo XVII que haya utilizado sus trabajos, en forma tan exuberante, el caro pigmento que manifiesta el tono lapislázuli o ultramarino natural. 

Detalle de la obra de Verrmeer

Vermeer no solo empleaba esta técnica en elementos de este tono; los colores terrosos y ocres debían ser entendidos como luz cálida, que reflejaba sus múltiples tonos en la pared. Este método fue inspirado muy probablemente por la comprensión que Vermeer tenía de las observaciones de Leonardo, donde manifestaba que la superficie de todo objeto compartía el color del objeto adyacente. Esto significa que ningún objeto es visto propiamente en su color natural puro.

Mujer sentada tocando la espineta
 en National Gallery de Londres 

La mayoría de las representaciones de mujeres en los cuadros de Vermeer están relacionadas con una narrativa en la que instrumentos musicales u objetos del hogar influyen en la percepción de la acción. Solo tres cuadros se desvían de forma importante de esta tónica y se pueden denominar retratos.

Es muy probable que las modelos, dadas las edades y aspectos de las representadas, las jóvenes mujeres que con una minuciosidad cariñosa pintara Johannes Vermeer, se trataran de sus propias hijas.

Las mil y una noches de Vittorio Zecchin

A comienzos del siglo XX, las artes decorativas son, en Italia, las herederas de una larga tradición artesanal y artística, y se convierten en las protagonistas del afán de progreso de una nación que acaba de encontrar su unidad. El Art Nouveau, conocido en su versión italiana como “estilo Liberty” o “arte floreal”.

El gran panel del artista veneciano Vittorio Zecchin Las mil y una noches, es uno de los ejemplos más importantes de la pintura decorativa italiana, de comienzos del siglo XX. Formaba parte de un ciclo de once paneles, realizado en 1914, para el comedor del Hotel Terminus de Venecia.

Las mil y una noches, obra de Vittorio Zecchin
Museo dê Orsay, Paris _ Francia 

El fastuoso séquito de princesas y de guerreros que rinden homenaje a la esposa de Aladino, brinda la oportunidad de desplegar un suntuoso cromatismo, cuyo valor decorativo queda subrayado por el uso de dorados en forma de lunares. La influencia de Klimt es aquí particularmente evidente, pero se presenta, no obstante, mediante un lenguaje cuyos orígenes proceden de la tradición veneciana, las obras de Vivarini, los mosaicos y vidrieras de la ciudad lagunar.

                                  

Obra de  Vittorio Zecchin

Su gusto por las líneas sinuosas, inspiradas por las formas de la naturaleza, con acentos a veces exóticos, se aproxima de las tendencias que se extienden por toda Europa, a la vez que mantiene una particular originalidad. En estas obras supo combinar el realismo del retrato con un decorativismo extremo en los fondos y los vestidos, en los que predominan los tonos rojos y dorados.

Detalle magistral de la obra de Vittorio Zecchin

Bibliografía: http://www.musee-orsay.fr/es

Villa Ruggeri en Pesaro_ Italia.

Fue diseñado por Giuseppe Brega y realizado en 1902. Se encuentra en Pesaro_ Italia. Destaca por su decoración inspirada en motivos vegetales y del mundo marino. Destaca su fachada oriental donde se encuentran ventanas en forma de ojo, mientras que la decoración floral por debajo de estos recuerda una nariz y ya a nivel de suelo la entrada asemeja una boca. Originalmente la fachada era más colorida aunque ahora los únicos colores son el blanco y el verde.

Villa Ruggeri obra de Giuseppe Brega

La ciudad italiana de Pesaro exhibe estos días el modernismo, que aquí se conoce como estilo liberty, de las villas marítimas que frente a los mares Mediterráneo, Jónico y Adriático fueron construidas a principios del siglo XX.

La exposición se aloja en la Villa Ruggeri, exponente del estilo liberty italiano, y en palabras de su comisario, Andrea Speziali, propone "un viaje que comienza en San Remo, recorre todo el Mediterráneo, el mar Jónico y después el Adriático, para terminar el viaje en la ciudad de Trieste".

Detalle floral de la fachada exterior 

Entender que el liberty era el estilo de moda en los primeros años del siglo XX en Italia. Se muestra cómo era la burguesía de inicios de siglo". Speziali pone como ejemplo la Villa Ruggieri en Pesaro, que para él representa "una de las obras maestras del estilo liberty", proyectada por encargo del industrial farmacéutico Oreste Ruggieri al arquitecto Giuseppe Brega y que "aún da que hablar" por los detalles de su fachada y del interior.

"Liberty es un nombre de marketing", comentó Speziali, quien recordó que el Art Nouveau es "una corriente artística que se difunde por todo el mundo (a finales del siglo XIX) y según los países asume un nombre diferente."

Inspirada en motivos vegetales

"En Italia hoy lo conocemos como liberty, pero si estuviéramos en Viena lo llamaríamos Secesión, y si estuviéramos en Alemania Jugendstil,", pero lo que según este experto diferencia el estilo italiano de las demás variantes europeas son ese estilo floral de líneas sinuosas, y "el periodo histórico y social de la época" en la que surge.

Interior de la Villa Ruggeri

España, cuya variante del Art Nouveau francés se denomina Modernismo, "enlaza en gran parte" con esta exposición, según Speziali, "porque la arquitectura gaudiana es el máximo nivel del Art Nouveau que podemos conocer en el mundo".

Detalle magistral de la Villa 

Excéntrico, sinuoso y elegante, el Liberty se impone gracias al trabajo del arquitecto  Giuseppe Brega combina la linealidad de los marcos de “litocemento” (masa de cemento con piedras) con la elegancia decorativa, haciendo coexistir las nuevas técnicas de producción industrial – Villa Ruggeri translúcid junto a formas estructurales. El interior es de gran riqueza decorativa: mármoles taraceados, techos y estucos dorados, además de marcos y estípites muy elaborados.

  

                                          

Bibliografía: http://eldia.es