Palacete Zuccari, construido por el pintor, arquitecto y escritor Federico Zuccari (1542-1609)

Detalle del Palacete Zuccari, construido por el pintor, arquitecto y escritor Federico Zuccari (1542-1609), es un edificio ubicado en la plaza Trinità dei Monti en Roma_ Italia.

En el corazón de Roma, muy cerca de Piazza di Spagna hay un edificio singular, poco conocido pero fundamental para los amantes del arte italiano. El palacio Zuccari, fácil de reconocer por el mascherone, una gran máscara labrada en piedra que adorna la entrada, alberga la Biblioteca Hertziana.

Sin embargo, es más conocido popularmente como "Palazzetto dei Mostri", la "Casa de los Monstruos". Esto se debe al distintivo portal en Via Gregoriana, 30, que es el único elemento que se conserva del muro original. Este portal daba acceso al jardín trasero de la propiedad, y en él, el artista recreó bocas monstruosas abiertas, donde las mejillas y los ojos enmarcan los tímpanos, mientras que la nariz actúa como piedra angular.

Zuccari se inspiró en las esculturas del Parque de los Monstruos, obras del arquitecto Pirro Ligorio, que adornan el cercano Bosque Sagrado de Bomarzo en Viterbo. En 1904, Henriette Hertz compró el Palacio Zuccari, que pronto modificó sustituyendo el jardín por un edificio de tres plantas. Recogió aquí una importante biblioteca que fue donada al gobierno alemán a su muerte para establecer un centro de estudios.

Paul Gauguin frente a su pintura "Te Faaturuma" en su exposición de 1893

Paul Gauguin frente a su pintura "Te Faaturuma" en su exposición de 1893 en Durand-Ruel. En agosto de 1893, Gauguin regresó a Francia, donde continuó realizando cuadros de temática tahitiana como Mahana no atua (Día del Dios) y Nave nave moe (Primavera sagrada, dulces sueños).

Una exposición en la galería Durand-Ruel en noviembre de 1894 tuvo un éxito moderado, vendiendo a precios bastante elevados once de los cuarenta cuadros expuestos. Se instala en un apartamento en el número 6 de la calle Vercingétorix, en la periferia del barrio de Montparnasse, frecuentado por los artistas, y comienza a dirigir un salón semanal. Se hace pasar por un personaje exótico, vistiendo trajes polinesios, y mantiene una relación pública con una joven aún adolescente, «medio india, medio malaya», conocida como Annah la javanesa

A pesar del moderado éxito de su exposición de noviembre, posteriormente perdió el patrocinio de Durand-Ruel en circunstancias que no están claras. Mathews califica este hecho como una tragedia para la carrera de Gauguin. Entre otras cosas, perdió la oportunidad de introducirse en el mercado americano. A principios de 1894 preparó xilografías con una técnica experimental para su propuesta de cuaderno de viaje Noa Noa. Regresa a Pont-Aven para pasar el verano. En febrero de 1895, intenta una subasta de sus cuadros en el Hôtel Drouot de París, similar a la de 1891, pero no tiene éxito. El marchante Ambroise Vollard, sin embargo, expuso sus cuadros en su galería en marzo de 1895, pero desgraciadamente no llegaron a un acuerdo en esa fecha.

La malhumorada o El silencio es un cuadro de Paul Gauguin hecho en 1891 durante su primera estancia en Tahití. Se conserva en el Worcester Art Museum de Worcester Massachusetts _ Estados Unidos.

La modelo es una chica tahitiana, probablemente su amante Tehemana, vestida con una camisa blanca, sentada en el suelo con las piernas cruzadas junto a unas frutas, un sombrero y un cuenco humeante. Al fondo, en el exterior de la cabaña, hay unas figuras muy esquemáticas de un perro y un jinete en su caballo. Los colores son claros, destacando el malva del fondo que se refleja en el traje de la modelo.

La mujer silenciosa y meditativa transmite el sentido de misterio que los polinesios provocaban en el artista: «Soy capaz de entender por qué esta gente puede estar durante horas interminables, incluso días, sentada sin decir una palabra, limitándose a mirar melancólicamente el cielo. Soy capaz de sentir como todo esto me embarga, y en estos momentos experimento un sentimiento de descanso absoluto.»

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Existen dos dibujos preparatorios de la tahitiana sentada. Esta misma figura vuelve a salir en el cuadro Calle de Tahití. La pintura representa una escena exótica y misteriosa, con figuras femeninas tahitianas en un entorno natural. Gauguin solía retratar a las mujeres tahitianas en sus obras como símbolos de una belleza primitiva y en armonía con la naturaleza. En "Te Faaturuma", las figuras femeninas se encuentran en poses y gestos enigmáticos, rodeadas de vegetación exuberante.

La paleta de colores utilizada por Gauguin en esta obra es vibrante y saturada, con tonos intensos de verde, rojo y amarillo, creando una sensación de exotismo y emotividad. A través de su estilo artístico característico, Gauguin buscaba expresar su visión personal de la belleza y la espiritualidad en la cultura tahitiana.

Las Salas Bergl obra Johann Wenzel Bergl

Las Salas Bergl son un conjunto de habitaciones ubicadas en el Palacio de Schönbrunn en Viena_ Austria. Estas salas llevan el nombre de su diseñador y decorador, Johann Wenzel Bergl, quien las creó en el siglo XVIII.

Las Salas Bergl están diseñadas en estilo rococó, que era popular durante la época en la que fueron creadas. Estas habitaciones presentan una exquisita decoración con elementos ornamentales, estucos elaborados y detalles intrincados. Los techos están pintados con frescos que representan escenas mitológicas y alegóricas, mientras que las paredes están revestidas con paneles de seda y papel pintado.

Johann Wenzel Bergl fue un destacado pintor paisajista austriaco del siglo XVIII. Nació en 1721 y trabajó principalmente en Viena. Bergl fue conocido por sus habilidades en la representación de paisajes y naturaleza en sus obras, especialmente en la técnica del fresco.

Uno de los proyectos más destacados de Bergl fue la creación de los murales paisajísticos en las Salas Bergl del Palacio de Schönbrunn en Viena como acabo de mencionar.  Estos murales, que se encuentran en las paredes de las habitaciones, capturan la belleza y la serenidad de diversos paisajes naturales.

Cada sala de las Salas Bergl tiene su propia temática y características únicas. Algunas de las habitaciones notables incluyen la Sala China, decorada con motivos orientales y una colección de porcelana china; la Sala India, con elementos decorativos inspirados en la cultura india; y la Sala de los Espejos, una habitación lujosamente decorada con espejos y dorados.

Estas salas no solo son impresionantes desde el punto de vista estético, sino que también tienen una importancia histórica. Fueron utilizadas por la familia imperial de los Habsburgo como espacios para recibir invitados importantes y celebrar eventos ceremoniales.

Estos murales, que se encuentran en las paredes de las habitaciones, capturan la belleza y la serenidad de diversos paisajes naturales.

Los murales paisajísticos de Bergl en el Palacio de Schönbrunn representan una combinación de elementos reales y ficticios. Utilizando una paleta de colores vibrantes y una técnica detallada, logró crear composiciones pictóricas impresionantes que transportan a los espectadores a un mundo de belleza natura

Durante un tiempo, estos murales estuvieron ocultos detrás de pantallas de lienzo gris, pero afortunadamente fueron restaurados y devueltos a su esplendor original en 1965. Hoy en día, los murales paisajísticos de Johann Wenzel Bergl en las Salas Bergl del Palacio de Schönbrunn son una atracción destacada para los visitantes, admirando su habilidad para capturar la majestuosidad de la naturaleza en la pintura.

La Casa De Vijf Werelddelen, que significa "La Casa de Los Cinco Continentes"

La Casa De Vijf Werelddelen, que significa "La Casa de Los Cinco Continentes", es una obra arquitectónica realizada por el arquitecto Frans Smet-Verhas en el año 1901. Se considera una de las obras más originales y extravagantes del estilo Art Nouveau en Amberes, Bélgica.

Este imponente edificio en esquina está repleto de elementos característicos del estilo Art Nouveau. Sin embargo, lo que llama inmediatamente la atención del transeúnte es la proa de un barco que parece emerger de la esquina del edificio, entre el primer y segundo piso. Esta estructura curva lleva las iniciales de P. Roeis, un armador de Amberes y patrocinador del edificio.

La característica más distintiva de este edificio es su diseño ecléctico, que combina elementos arquitectónicos de diversas culturas y estilos. Cada fachada del edificio representa un continente diferente, incorporando elementos propios de la arquitectura característica de cada región.

La casa cuenta con cinco plantas, una por cada continente representado. Cada planta está decorada de manera única y detallada, reflejando la cultura y el estilo arquitectónico del continente correspondiente. A lo largo de su historia, el edificio ha sido utilizado con diferentes propósitos, incluyendo viviendas, oficinas y espacios comerciales.

 

"Glaucus y Nydia· obra de Lawrence Alma-Tadema (1836- 1012) fue realizada en el año 1867 y con unas dimensiones de 55.5 x 81 cm. Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Cleveland es el museo de bellas artes y arqueología de la ciudad de Cleveland _ Estados Unidos.

Lawrence Alma-Tadema fue un destacado pintor neerlandés-británico del siglo XIX y principios del siglo XX. Es conocido por sus pinturas históricas y escenas de la antigua Roma y Grecia. Entre sus muchas obras, hay un cuadro titulado "Glaucus and Nydia, the Blind Girl of Pompeii" que representa una escena inspirada en la historia de Glaucus y Nydia.

En esta pintura, Alma-Tadema captura el momento en el que Glaucus, el dios marino, y Nydia, la joven ciega, se encuentran en las ruinas de Pompeya. Nydia está enamorada de Glaucus y le muestra su amor y devoción. La escena está ambientada en una villa romana, con detalles arquitectónicos y decorativos precisos y realistas, características distintivas del estilo de Alma-Tadema,

En la historia de Glaucus y Nydia, Nydia es descrita como una joven ciega de verdad. No es una metáfora, sino una característica física del personaje. La ceguera de Nydia es importante en la trama, ya que añade un elemento de vulnerabilidad y compasión hacia ella. Su discapacidad también juega un papel en la relación entre Nydia, Glaucus y Scylla, ya que Nydia siente que su ceguera la hace menos atractiva para Glaucus. Por lo tanto, la ceguera de Nydia es una parte integral de su personaje y de la historia en general.

En la obra "Glaucus and Nydia, the Blind Girl of Pompeii" de Lawrence Alma-Tadema, la corona de flores que Nydia sostiene en su mano no representa un ritual en particular. Más bien, es un elemento simbólico que enfatiza su conexión con la naturaleza y su participación en la belleza y la fragilidad de la vida.

La corona de flores en la mano de Nydia podría interpretarse como un símbolo de la inocencia, la juventud y la belleza efímera. Además, en el contexto de la historia de Nydia, que sufre por su amor no correspondido hacia Glaucus, la corona de flores podría reflejar su deseo de agradarle y su anhelo de ser amada.

En muchas de las pinturas de Alma-Tadema, se le da gran importancia a los detalles arquitectónicos y decorativos para crear una ambientación precisa de la época romana. El tapiz en el fondo de la obra puede formar parte de esa representación cuidadosa de los espacios y los elementos decorativos de la antigua Roma.

Sin embargo, en cuanto a un significado simbólico o narrativo específico del tapiz en relación con la historia de Glaucus y Nydia, no se ha establecido ningún consenso. En última instancia, el tapiz en esta obra puede ser interpretado tanto como un elemento decorativo como un elemento que enriquece el contexto visual y temático de la pintura.

Lawrence Alma-Tadema fue uno de los principales exponentes del academicismo en la pintura y sus obras fueron muy populares en su época. Su estilo preciso y detallado, junto con su fascinación por la historia antigua, le valieron reconocimiento y éxito tanto en Europa como en Estados Unidos.

Julie Manet

Julie Manet, cuyo nombre completo era Julie Manet Gobillard, nació el 14 de noviembre de 1878 en París, Francia. Fue la hija única de la reconocida pintora Berthe Morisot y del hermano de Édouard Manet, Eugène Manet. Desde temprana edad, Julie estuvo inmersa en un entorno artístico y creativo, rodeada de artistas y figuras destacadas de la época.

Julie Manet creció en una familia de artistas y se vio influenciada por sus padres y sus conexiones en el mundo del arte. Su madre, Berthe Morisot, fue una de las principales figuras del movimiento impresionista y una talentosa pintora en su propio derecho. Eugène Manet, su padre, era un reconocido crítico de arte y hermano del famoso pintor Édouard Manet.

La influencia artística en la vida de Julie Manet fue evidente desde su infancia. Fue retratada en numerosas ocasiones por artistas destacados, como su madre, Berthe Morisot, y Pierre-Auguste Renoir, quien era un amigo cercano de la familia. Estos retratos revelan la belleza y la gracia de Julie, así como su estrecha relación con el mundo del arte.

A pesar de crecer rodeada de artistas, Julie Manet no se dedicó profesionalmente a la pintura. En cambio, se interesó en el campo de la música y se convirtió en una talentosa pianista. Además, se casó con el también músico Ernest Rouart en 1900, quien provenía de una familia de artistas y coleccionistas de arte.

Después de su matrimonio, Julie Manet se convirtió en una figura destacada en la escena cultural parisina. Junto a su esposo, organizó reuniones y salones literarios en su hogar, donde se reunían escritores, músicos y artistas prominentes de la época. Julie también se dedicó a la escritura y publicó varios artículos y ensayos sobre arte y música.

A lo largo de su vida, Julie Manet mantuvo un vínculo estrecho con el legado artístico de su madre, Berthe Morisot. Tras la muerte de su madre en 1895, Julie se dedicó a preservar y promover su obra. Participó activamente en la organización de exposiciones y la publicación de catálogos sobre la obra de Berthe Morisot.

Julie Manet falleció el 14 de julio de 1966, a la edad de 87 años. Su contribución a la historia del arte radica en su papel como figura importante en el mundo del arte del siglo XIX, tanto como musa y retratada por artistas destacados, como por su dedicación a preservar el legado artístico de su madre.

Luisa Ignacia Roldán

El entorno de la España de finales del siglo XVII la miró con extrañeza cuando se casó por voluntad propia sin el consentimiento familiar, y siguió haciéndolo cada vez que daba un paso hacia su emancipación. El empeño de Luisa Ignacia Roldán le permitió convertirse en la primera escultora española reconocida oficialmente.

Nacida el 8 de septiembre de 1652 en Sevilla, Luisa Ignacia Roldán, más conocida como la Roldana, aprendió el oficio en el taller de su padre, Pedro Roldán, un reconocido escultor de la capital andaluza. Puesto que el negocio recibía una gran cantidad de encargos, la mayoría de los doce hijos del matrimonio (además de otros ayudantes) trabajaron en él. Un lugar que estaba destinado a determinar por completo la vida de la joven.

Luisa Ignacia fue quien más provecho sacó de este aprendizaje, absorbiendo todos lo detalles de las técnicas de su progenitor y poniéndolas en práctica en muchos de los encargos. A pesar de que no hay documentos que lo avalen, muchos estudios atribuyen algunas obras de esta época producidas en el taller a la escultora. Fue también en el taller de su padre donde conoció a Luis Antonio de los Arcos, quien se convertiría en su marido en contra de la opinión familiar. 

El suceso es conocido como el rapto de la Roldana. Puesto que una mujer debía permanecer bajo tutela masculina, salió de su casa avalada por un mandamiento judicial y pasó varios días bajo la custodia de otro hombre hasta que se celebró el matrimonio, el cual tuvo lugar el 25 de diciembre de 1671 en ausencia del padre de la novia. 

Para casarse con quien quería tuvo que acogerse a un mandamiento judicial y pasar varios días bajo la tutela de otro hombre

Su carrera profesional independiente del núcleo familiar comenzó también en Sevilla junto a su marido, con quien trabajaba codo con codo formando equipo y produciendo una gran cantidad de obras para satisfacer los encargos de conventos y cofradías. La pareja se hizo un hueco en el panorama artístico y pronto los encargos empezaron a llegar desde fuera de la ciudad. El Ecce Homo (1684) de la Catedral de Cádiz, donde el matrimonio residió por un tiempo, es la primera obra documentada oficialmente de la Roldana.

Su talento personal le hizo ganar fama y empezó a conseguir encargos importantes. En 1686, el cabildo de la catedral de Cádiz la contrató para la realización de diferentes tallas. Tras este cargo, su éxito le llevo a Madrid donde sus figurillas tuvieron mucha fama y decoraron muchos oratorios de palacios de nobles.

Tal fue su éxito, que, en 1692, fue nombrada escultora de cámara del Rey Carlos II. Un privilegio que hasta entonces había sido reservado para pocos hombres y para ninguna mujer, al menos, de manera oficial. La única mujer que tuvo este cargo de forma clandestina fue Sofonisba Anguissola.

Patrimonio Nacional ha restaurado la escultura 'El arcángel San Miguel venciendo al demonio' de Luisa Roldán, más conocida como La Roldana. La pieza, que mide 2,6 metros de altura y pesa casi 160 kilos, ha recuperado su aspecto original y ha revelado inscripciones realizadas por la autora, como, por ejemplo, en la peana. En ella se reivindica como escultora de Cámara en la Corte. Pero también firmó su escultura en uno de los pies del arcángel.

La escultura ya está instalada en la planta A de la Galería de las Colecciones Reales. Dada la envergadura de la obra se han necesitado más de 20 personas para el traslado, una precisa operación que ha requerido de una jaula protectora y de una grúa telescópica para bajar la pieza desde los talleres en la cuarta planta del Palacio. "Ha sido uno de los traslados más emocionantes, al ver al arcángel hacer su último vuelo para dirigirse a la Galería", ha asegurado Leticia Ruiz, directora de las Colecciones Reales.

Luisa representa una mujer independiente, un personaje inusual para la época por varias razones. Primero, porque se enfrenta a su padre casándose con un hombre que éste no aprueba. Y, segundo, porque se convierte en el sostén económico de la familia siendo la principal trabajadora y artista del taller.

Sus contemporáneos la reconocieron, sin embargo, su arte no siempre ha sido bien valorado. En algunos momentos de la historia, fue criticada y, ¡sorpresa!, un hombre intentó emborronar su talento. Es el caso de Ceán Bermúdez que, aunque muy amablemente destaca su inteligencia y talento, rompe todo tipo de halago considerando que Luisa se centró en las figuras pequeñas de barro porque la realización de estas era más sencilla y conforme a la delicadeza de su sexo

Bibliografía : https://historia.nationalgeographic.com

                     https://khronoshistoria.com

"Julie Manet" obra de Pierre-Auguste Renoir (1841- 1919) del año 1887 y con unas dimensiones de 82,5 x 71,5 cm. Actualmente se encuentra en Musée d’Orsay, en París _ Francia.

Julie Manet fue una figura destacada en la escena artística de su época y también fue retratada por varios artistas, incluido Pierre-Auguste Renoir.

Julie Manet, cuyo nombre completo era Julie Manet Gobillard, nació el 14 de noviembre de 1878 en París. Era la hija única de la pintora Berthe Morisot y del hermano de Édouard Manet, Eugène Manet. Como resultado, Julie Manet creció en un entorno artístico y estaba rodeada de influencias artísticas desde una edad temprana.

Renoir, uno de los principales pintores impresionistas, era amigo cercano de Berthe Morisot y Eugène Manet. Pintó varios retratos de Julie Manet a lo largo de los años. Uno de los retratos más conocidos es el "Julie Manet con gato" 

En esta pintura, Renoir captura la dulzura y la juventud de Julie Manet mientras sostiene a un gato en sus brazos. La obra refleja la técnica característica de Renoir, con pinceladas sueltas y una paleta de colores vibrantes. La relación entre Renoir y la familia Manet muestra la conexión cercana entre los artistas de la época y cómo colaboraban e influenciaban mutuamente en sus obras.

El retrato de Julie Manet por Renoir es un testimonio de la importancia de la figura de Julie en el mundo del arte y su papel como musa para algunos de los pintores impresionistas más renombrados. Su participación en el movimiento impresionista, tanto como figura retratada como persona relacionada con destacados artistas, la convierte en una figura relevante en la historia del arte del siglo XIX.

El talento artístico de Pierre-Auguste Renoir fue evidente desde su infancia, pero mostró un talento más prometedor para el canto, que se le animó a seguir. Desgraciadamente, tuvo que interrumpir sus clases de música a los trece años debido a las condiciones económicas de su familia.

Pierre-Auguste Renoir comenzó como pintor de porcelana hasta que su necesidad de establecerse como pintor profesional le llevó a tomar lecciones de pintura con Charles Gleyre en 1862. 

En resumen, el legado artístico de Auguste Renoir radica en su papel fundamental en el movimiento impresionista, su estilo distintivo, su representación de la belleza femenina y su influencia duradera en el arte posterior. Sus obras siguen siendo apreciadas y admiradas en la actualidad, y su contribución al mundo del arte es incuestionable.

Auguste Renoir fue uno de los pintores más importantes del movimiento impresionista del siglo XIX. Su legado se destaca por su estilo distintivo, la representación de la belleza femenina y su influencia duradera en el arte posterior. Sus obras capturan la luz y la vida cotidiana con pinceladas sueltas y colores brillantes.

Renoir siguió pintando hasta su muerte en 1919, cuando la artritis le afectó gravemente, limitando su capacidad creativa. 

Françoise Gilot (1921-Manhattan, 2023)

La prolífica pintora y escritora francesa Françoise Gilot (1921-Manhattan, 2023) siguió creando e inaugurando exposiciones hasta 2021. Nos ha dejado el día 6 de junio de este mes, falleciendo a los 101 años. Fue introducida al arte a una temprana edad por su madre y abuela. Su madre pensaba que los artistas se volvían muy dependientes de las herramientas de borrar, por lo que la enseñaba a utilizar materiales como acuarelas y tinta india. De esta manera, si cometía un error, debía incorporarlo como parte de su obra. A los trece años comenzó a estudiar con Mlle Meuge, lo cual continuó durante seis años. A los catorce años, también incursionó en la cerámica, y un año más tarde estudió con el pintor posimpresionista Jacques Beurdeley.

Tenía solo 21 años cuando conoció a Pablo Picasso en 1943. El tenía 61 años. Una noche, en París, los dos estaban cenando en el mismo restaurante. Picasso estaba allí con su entonces pareja Dora Maar y amigos; Gilot con la suya. Al final de la comida, Picasso se acercó a la mesa de Gilot, le ofreció un plato de cerezas y una invitación para visitar su estudio en la Rue des Grands-Augustins. Picasso ya se había convertido en un artista de fama internacional.

A pesar de que Picasso influenció la obra de Françoise Gilot como pintor cubista, esta desarrolló un estilo propio. Evitaba los bordes afilados y formas angulares que Picasso solía utilizar y, en cambio, utilizaba figuras orgánicas. Durante la guerra, el padre de Gilot trató de salvar sus pertenencias más valiosas trasladándolas, pero el camión fue bombardeado por los alemanes, produciendo la pérdida de los dibujos y acuarelas de la artista.

Picasso y Gilot nunca se casaron, pero tuvieron dos hijos juntos. Su hijo, Claude, nació en 1947 y su hija, Paloma, nació en 1949. Durante sus diez años juntos, Gilot fue a menudo acosada en las calles de París por la esposa de Picasso, Olga Khokhlova. 

En 1964, 11 años después de su separación, Gilot escribió Vida con Picasso (con el crítico de arte Carlton Lake), un libro que vendió más de un millón de copias en docenas de lenguas, a pesar de las fracasadas acciones legales de Picasso para tratar de detener su publicación.​ A partir de entonces, Picasso rechazó ver a sus hijos Claude y Paloma más. Todos los beneficios del libro fueron destinados a ayudar a Claude y Paloma a hacer un requerimiento para ser reconocidos como herederos legales de Picasso.

Gilot también triunfó en el ámbito de las artes visuales. Sus obras se encuentran en una docena de museos, como el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y el Centro Pompidou de París. En su época con Picasso, las obras de Gilot adoptaron un estilo coloreado y abstracto que se inspiraba en la Escuela de París de la posguerra y que mantuvo a lo largo de las décadas. Hasta hace dos años, de hecho, la artista siguió trabajando prolíficamente e inauguró exposiciones en Europa y en Estados Unidos. También siguió escribiendo libros como Interface: the painter and the mask, las memorias de su vida como artista. En 1990 Francia le otorgó la Medalla de la Legión de Honor, una de las máximas distinciones del país.

Bibliografía : https://es.ara.cat/cultura/arte