“La dama del mono'' obra de Camille Alaphilippe

“La dama del mono'' obra de Camille Alaphilippe (1874-1934), realizada en 1908 en bronce y arenisca esmaltada. Actualmente se conserva en el Museo del Petit Palais en París, en Paris _Francia.

Fue alumno de Laurens y de Barrias en la École nationale supérieure des beaux-arts de París. En 1901, se quedó fascinado con las posibilidades de la cerámica. trabajó junto a los ceramistas Bigot y Lavirotte en decoraciones arquitectónicas.

Tras una estancia en la Villa Médicis de Roma en 1901, se quedó fascinado con la cerámica vidriada sobre la escultura.. En cerámica ,se llama vidriado al proceso y técnica alfareros consistentes en aplicar a las piezas de barro, tras su primera cocción, una película o capa que, tras fundirse en un horno, toma una apariencia cristalina.

Viajó a Argelia, donde en la década de 1920 fue responsable de la sección de escultura de la Escuela de Bellas Artes de Argel, siendo profesor del escultor André Greck, donde murió en 1934.  

Las excavaciones de Khorsabad

Fotografía de las excavaciones de Khorsabad, obra de Gabriel Tranchand y Victor Place, del año 1852. "La fortaleza de Sargón" fue una ciudad amurallada situada cerca de la actual aldea de Jorsabad (zona habitada por el pueblo asirio), en el norte del Irak.

En marzo de 1843, tres años después de que Luis Felipe I de Francia creara el consulado francés en Mosul, Paul-Émile Botta partió para ocupar su puesto de cónsul. En 1842, mientras era cónsul en Trípoli, ya había excavado el Tell de Kuyundik a sus expensas, creyendo que había encontrado la Nínive bíblica. No excavó en el lugar correcto, y se fue sin ningún resultado.

Informado por los lugareños de que había restos cerca de la aldea de Jorsabad, a 16 km al noreste de Mosul, comenzó a trasladar su investigación allí, creyendo que había encontrado la ciudad que buscaba. Obtuvo subsidios de Francia y un dibujante, Eugène Flandin. Compró el sitio, compensando a los aldeanos que vivían allí y que fueron reubicados un poco más lejos, y luego comenzó a excavar la terraza del palacio en 1843, descubriendo ortostatos tallados, lo que le impulsó a seguir su empresa con más ambición a partir de octubre de 1844.

Todos los descubrimientos realizados en este sitio permitieron conocer mejor el arte asirio, gracias a los dibujos de Flandes y al envío de las primeras piezas a la metrópoli francesa, que se expusieron en el Louvre en la colección asiria inaugurada por el Rey en 1847.

Victor Place, asistido por Félix Thomas, arquitecto y dibujante, y Gabriel Tranchard, que se encargó de fotografiar la evolución de las excavaciones (lo cual era muy innovador en ese momento porque esta técnica estaba todavía en sus inicios), constituyeron así una valiosa documentación para este período de los comienzos de la arqueología oriental.

Place continuó las excavaciones de su predecesor en el sector palaciego, pero también en otras partes de la ciudad (Puerta n.º 3, Edificio G) hasta su partida en 1855. Su misión también era encontrar y enviar más objetos para las colecciones del Louvre. Pero solo 26 cajas de 235 llegarían a su destino: el 21 de mayo de 1855, mientras las antigüedades enviadas a Francia navegaban por el Tigris, el convoy fue atacado por las tribus locales y la gran mayoría de las antigüedades se hundieron en el fondo del río. No han sido encontrados hasta hoy, y solo se conocen por los dibujos que se hicieron de ellos anteriormente.

Las excavaciones en Jorsabad se detuvieron después de la época de Place, cuando los descubrimientos hechos en Kuyunjik revelaron que era este último el que contenía las ruinas de Nínive. Las excavaciones no se reanudaron hasta finales del decenio de 1920, cuando arqueólogos estadounidenses del Instituto Oriental de Chicago se hicieron cargo del sitio, bajo la dirección de Edward Chiera en 1929 y luego de Gordon Loud, hasta el año 1935. Gracias a la experiencia de las obras que se habían multiplicado, en particular, en las otras tres capitales asirias (Assur, Nimrud y Nínive), así como a los progresos más generales de la disciplina arqueológica, pudieron reanudar y ampliar la labor de los cónsules franceses, cuestionando repetidamente sus conclusiones.

Bibliografía: Frame, Grant (1997). «Khorsabad». En Meyers Oxford Encyclopaedia of Archaeology

"El Gran Hotel". Caixa Forum de Palma de Mallorca.

El histórico edificio que acoge Caixa Forum en Palma de Mallorca _ España, albergó en su día el Gran Hotel. Hoy, es un espacio polivalente, apto para realizar actividades culturales tales como conciertos, propuestas educativas, visitas comentadas a las exposiciones o conferencias, entre otras actividades. Todo un punto de encuentro para la cultura en el centro de la ciudad.

El Grand Hotel (originalmente utilizaba el nombre en francés, como los establecimientos más lujosos de su tiempo) se construyó entre 1901 y 1903, en un momento en que Mallorca comenzaba a atisbar las posibilidades de un desarrollo turístico aunque reducido a los viajeros de alto nivel económico, intelectuales y artistas.

El gran hotel representó una verdadera evolución para la época. Fue proyectado por el arquitecto catalán Lluís Domènec i Montaner, autor, entre otras obras, del Palau de la Música de Barcelona. El Grand Hotel se inscribía así en la corriente del modernismo, lo más avanzado en su tiempo, y combinaba la audacia estética con los requerimientos del confort.

La fachada del Grand Hotel ha sido recuperada después de un minucioso trabajo de investigación, basado en fotografías de época e incluso en los esbozos originales de Domènec i Montaner. El edificio, en la línea modernista, seguía una intención de arte total y combinaba arquitectura con escultura, cerámica e interiorismo. Tal como describe Miquel Seguí, “en la fachada predominan las líneas híbridas y orientalizantes”. Su desbordante floralismo decorativo aproxima la obra de Domènech al movimiento europeo en su vertiente naturalista. El elemento vegetal y floral se extiende a lo largo de todo el edificio, sobre balaustradas, capiteles y molduras, y en las decoraciones interiores.

Junto al ornamento naturalista aparece la cerámica policromada de influencia hispano árabe y elementos decorativos como aguiluchos o dragones”. Los años difíciles de la guerra civil supusieron el colapso del turismo y de los visitantes de prestigio. Durante la contienda, el Grand Hotel fue residencia de los oficiales y suboficiales de la aviación italiana. Finalmente el edificio fue vendido en la década de los cuarenta y se convirtió en la sede de las oficinas del Instituto Nacional de Previsión. Este nuevo uso supuso una importante transformación.

Fueron suprimidos los coronamientos neogóticos que caracterizaban la fachada, se cegaron varias entradas, muchos elementos decorativos fueron cubiertos o desmontados y el interior quedó irreconocible. Posteriormente se instalaron, en el antiguo hotel, un Juzgado y la oficina del censo, lo que precipitó un avanzado estado de deterioro.

En esas condiciones adquirió la Caixa d’Estalvis i Pensions de Barcelona (“la Caixa”) el antiguo Grand Hotel, con el propósito de construir la sede de la Fundació “La caixa” en Mallorca. Las obras de rehabilitación comenzaron en 1987 a cargo del arquitecto Pere Nicolau. Los trabajos duraron 7 años. Hubo que rescatar numerosos elementos decorativos, reparar otros y reponer los que resultaban más característicos, como los coronamientos de la fachada. Se intentó recuperar el máximo posible de piezas y elementos del viejo hotel para revivir su carácter. La inauguración de las obras tuvo lugar en julio de 1993, noventa años después de que abriese sus puertas el Grand Hotel, y fue un evento social tan importante como la primera inauguración, con asistencia de los S.S.M.M., los Reyes de España.

Bibliografía . http://mallorcatreasure.blogspot.com

La “Fábula de Parson Weems” obra de Grant Wood

La “Fábula de Parson Weems” obra de Grant Wood (1891-1942) del año 1939 y con unas dimensiones de 127.3 x 97.5 cm. Actualmente se exhibe en el Museo Amon Carter, ubicado en Fort Worth, Texas _ Estados Unidos.

Wood fue un pintor activo desde una edad extremadamente joven hasta su muerte, y aunque se le conoce, sobre todo, por sus cuadros, trabajó una amplia variedad de medios, incluyendo tinta, carboncillo, cerámica, metal, madera y objetos encontrados.

Grant Wood se relaciona sobre todo con el movimiento estadounidense del Regionalismo que se localizó sobre todo en el Medio Oeste. Fue uno de los tres artistas más asociados con este movimiento.

En la “Fábula de Parson Weems” se presenta una fábula contada por Parson Weems en relación a la niñez de George Washington, cando, según la leyenda con seis años y con su nueva hacha, corta un cerezo preciado de su padre. Cuando su padre pregunta que es lo que pasó, el joven George, admite que fue su culpa.

Hoy está claro que el poder duradero del arte de Wood se debe tanto a su hipnótica ambigüedad psicológica como a sus imágenes arquetípicas del Medio Oeste. Un inquietante silencio e inquietud recorre todo su trabajo, complicando su aspecto aparentemente bucólico y elegíaco.

La tensión entre el deseo de Wood de recuperar el mundo imaginado de su niñez y sus instintos reprimidos se filtran en su arte, dándole una inquietante soledad y un escalofriante sentido de fantasía.

Sus cuadros son enigmáticos y están repletos de ambigüedad. Por un lado, sus paisajes no representan la vida rural en la década de los 30 sino sus recuerdos idealizados de la granja de 1890 en la que vivió cuando era niño.

Bibliografía : https://www.20minutos.es

                     https://felixmaocho.wordpress.com

Las cariátides del Templo Erecteión

El punto de vista de una de las cariátides del Templo Erecteión del Acrópolis de Atenas, realizado por el fotógrafo alemán Walter Hege (1893-1955) del año 1930. Hege, cuyos hermosos estudios fotográficos de las catedrales de Naumburg, Bamberg y otras ciudades alemanas, hechas a fines de la década de 1920, así como de Acrópolis de Atenas y de Olimpia en los años de 1930 constituyen una importante aportación a la historia del arte y a la fotografía de arquitectura y escultura.

Su nombre significa "el (templo) de Erecteo". De orden jónico, áptero, atribuido al arquitecto Menesicles (siglo V a. C.), representa uno de los más bellos monumentos arquitectónicos griegos. Está hecho de mármol pentélico. Se construyó entre el año 421 a. C. y 406 a. C.

El pórtico de cariátides que vemos hoy día en el Templo Erecteión del Acrópolis de Atenas es una copia. Las cariátides originales se encuentran bajo protección de un cristal en el Museo de la Acrópolis de Atenas, y una de ellas en el Museo Británico de Londres.

En 1930, Hege fue nombrado profesor de fotografía en la Escuela de Arte de Weimar, pero renunció al cargo en 1935 para consagrarse enteramente a la fotografía y a la preparación de varias películas artístico-históricas y de la Naturaleza. Al sur está el famoso pórtico de las Cariátides. En él, seis estatuas de mujeres jóvenes drapeadas, de 2,3 metros de altura. Según Vitruvio, estas mujeres representaban a los habitantes de Karys o Caryae en el Peloponeso.

La Casa Campanini en Milán

La Casa Campanini es un edificio construido entre los años 1904 y 1906 por el arquitecto Alfredo Campanini (1873 - 1926) para convertirse en su residencia, junto con el Palazzo Castiglioni es uno de los mejores ejemplos de estilo Art Nouveau en Milán _ Italia.

De impacto inmediato son las hermosas cariátides que acompañan la entrada, hechas de hormigón por el escultor Michele Vedani, aunque representan un claro homenaje a las cariátides monumentales de Sommaruga originalmente colocadas en la entrada del Palazzo Castiglioni, estas esculturas expresan su propia melancolía íntima.

La notable puerta de entrada de hierro forjado, diseñada por el propio Campanini y hecha por Alessandro Mazzucotelli recuerda los motivos florales típicos de la decoración de la Liberty. La misma elegancia formal se encuentra en los hierros batidos dentro del palacio y en la jaula del ascensor. El palacio en su conjunto, en comparación con el Palazzo Castiglioni más monumental, toma formas menos majestuosas, pero más atento a la vida cotidiana.

Dentro del palacio se puede ver la multitud de vidrios policromados, frisos y frescos típicos del gusto de la Libertad; aún se conservan los muebles y cerámicas originales. También cabe destacar el techo del porche del patio, en el que el tema floral es interpretado por dibujos de ramos de cerezas rojas y la araña de hierro forjado. Alejándose del palacio, puede observar mejor el diseño de las chimeneas en el techo, similar a los pináculos de arena.

Con modernismo en Milán se indica la difusión de dicho estilo artístico en la ciudad de Milán entre los primeros años del siglo XX y el estallido de la Primera Guerra Mundial. En la capital lombarda, el modernismo, denominado liberty en italiano, encontró, gracias a su estrecha relación con la rampante burguesía industrial de la época, un fértil terreno para su rápido desarrollo, durante el cual osciló entre las influencias del art nouveau francés, el jugendstil alemán y el eclecticismo.

Tras haber alcanzado su máximo esplendor con la exposición de 1906, el liberty milanés empezó un período de influencias recíprocas con el eclecticismo, que nunca desapareció del todo en los encargos diferentes de los burgueses.​ Junto a un verdadero resurgir de la arquitectura neorrenacentista y neomedieval con ligeras influencias modernistas.

Bibliografía : https://kripkit.com

                     Liberty, Déco e stile Novecento (en italiano)