El Baptisterio de Padua, es un edificio que se encuentra en la Piazza del Duomo junto a la Catedral de Padua _ Italia. Es probablemente del siglo XII, pero la estructura actual es del siglo XIV.

La estructura arquitectónica resulta de la intersección entre un cubo y un cilindro. Durante la dominación de los Da Carrara el baptisterio fue transformado en el mausoleo de la familia carrarese. Solo después, bajo la dominación veneciana, volvió a su función de Baptisterio de la Catedral.

Sufrió varias remodelaciones en el siglo siguiente y fue consagrado por Guido, patriarca de Grado, en 1281. Entre 1370 y 1379 fue restaurado y adaptado como mausoleo para el príncipe Francesco il Vecchio da Carrara y su esposa, Fina Buzzaccarini.

El ciclo de frescos que decora las paredes, pintado entre 1375 y 1376 por Giusto de 'Menabuoi , se considera una obra maestra. Con respecto a obras anteriores, Padua debió de estar impresionado por la rigidez románica y bizantina, como se puede apreciar en el paraíso de la cúpula del baptisterio: la escena se organiza en torno a un Cristo Pantocrátor , alrededor del cual gira una rueda hipnótica de radios multicapa.

Hecho de ángeles y santos, cuyos halos dorados, vistos desde abajo, parecen ser obra de un magnífico orfebre. Las pinturas que cubren las paredes muestran escenas de la vida de San Juan Bautista.

En las paredes adyacentes al altar están representadas la Crucifixión y el Descenso del Espíritu Santo (frescos en la cúpula del altar), y un gran políptico, también de Guisto de 'Menabuoi, se asienta sobre el propio altar. En las paredes que rodean el altar, en el ábside, están pintadas figuras e imágenes monstruosas del Libro del Apocalipsis.

Giusto da Padova (1330-1390) fue de escuela toscana. Representante de la pintura monumental iniciada por Giotto, cuyos frescos de la Arena, en Padua, imitó en la decoración del baptisterio de la misma ciudad. El entrenamiento indocumentado de Giotto, interpretado en un sentido principalmente colorista, se convirtió en pintor en la corte del Da Carrara. Seguir su propio estilo, arcaico y alejado de las cadencias góticas y el realismo de los contemporáneos Altichiero y Jacopo Avanzi, no dejará rastro en el desarrollo de la posterior pintura veneciana.

El análisis de estas elecciones estilísticas muestra cómo el uso o no de efectos retro fue para Giusto un elemento formal deliberadamente perseguido con fines expresivos y simbólicos: es quizás el único pintor del siglo XIV capaz de elegir, gradual y conscientemente, qué idioma usar. 

Su mano también fue reconocida en el Juicio Final pintado en la bahía frente al ábside de la iglesia abacial de Viboldone, una obra que data de 1349 que parece presuponer un conocimiento preciso del Padua Giotto y luego un viaje anterior del Menabuoi a Padua, donde ya tendría forma de conocer el trabajo de Guariento y Paolo Veneziano.

Bibliografía : https://www.biografiasyvidas.com

"El Retrato de Galeazzo Sanvitale" obra de Girolamo Francesco Maria Mazzola

"El Retrato de Galeazzo Sanvitale" obra de Girolamo Francesco Maria Mazzola (1503 - 1540), llamado el Parmigianino, del año 1524 y con unas dimensiones de 109 cm x 81 cm. Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Capodimonte de Nápoles_ Italia.

Considerado uno de los máximos exponentes del manierismo, se formó en Parma con sus tíos Pier Ilario Filippo y Michele Mazzola, modestos pintores de provincia. El nombre del pintor coincide con el del lugar de su nacimiento, así como por su reducida estatura.

Se trata de un "retrato de parada", destinado a realzar la imagen del conde ante sus invitados, y no de una representación privada: esto se deduce de la riqueza de los objetos que muestran sus nobles intereses y el refinamiento de su atuendo.​

Uno de los más celebres retratos de Parmigianino es aquel en el que el conde aparece con medio cuerpo, sentado sobre una silla, pero con el rostro de frente, mirando directamente al espectador.

Viste un jubón negro, de mangas cortas abullonadas, según la moda de la época, bajo las que siguen otras largas rojas y acuchilladas, descubriendo estos cortes la fina camisa blanca, con bordados negros en los puños. El sombrero es del mismo color rojo que las mangas largas, con tajos elegantes a lo largo del borde, adornado con perlitas doradas, una pluma negra y un camafeo grabado. Este traje a la francesa, es además una alusión a la lealtad política del protagonista en ese momento.

La mano izquierda descansa sobre el reposabrazos de la silla: tiene un anillo de oro con una piedra preciosa en el meñique, y sostiene un guante, cerca de la empuñadura de la espada. La otra en cambio permanece enguantada y muestra al espectador una medalla de bronce, con dos símbolos. Estos últimos se han interpretado como una "C" y una "F", alusivas al título de "Comes Fontanellati", o, también, como un "72". Sobre el significado del número 72, son varias las hipótesis, ligadas, sobre todo, a la alquimia que ven en los dos números las alusiones a la Luna y a Júpiter; o a la conjunción entre el Sol y la Luna, que aludiría al enlace entre Galeazzo y su esposa Paola Gonzaga.

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Sobre una mesa, detrás de este, se encuentran las piezas de una armadura brillante y una maza, símbolos alusivos a su naturaleza guerrera. Más allá de un muro liso, a la derecha, se abre una vista de un árbol frondoso, elemento placentero y decorativo, con las hojas perfiladas con gran habilidad. Esta vegetación es tan frondosa que cubre el espacio, asumiendo una función de variación de color del ambiente cerrado.

La pintura, de refinadísima factura, sigue sólo aparentemente los cánones de la retratística del siglo XVI; en realidad, presenta un elaborado juego de planos y efectos. La silla está puesta de lado, mientras el busto se encuentra en posición frontal, y el muro del fondo en oblicuo. Este último se presenta sobrio, en neto contraste con la abundante vegetación que se ve desde la ventana. 

Su obra y su personalidad se afirman en contacto con el primer manierismo toscano y, a través de las obras de los grandes maestros Rafael y Miguel Ángel, consiguiendo traducir en términos originales los modelos del Renacimiento con una orientación ya plenamente manierista. Para él la función del arte era transmitir sensaciones exquisitas y excitantes, para lo cual tuvo que crear una necesaria artificiosidad. De Correggio asimilará el clasicismo, convirtiéndolo en manierismo, manteniendo el ilusionismo del primero pero traduciéndolo a modelos más decorativos y a una mayor vitalidad de las formas.

Bibliografía : Biografía de Francesco Mazzola En las Vidas de G. Vasari edic. Torrentina 1550

El día 15 de marzo de 1939 en Praga

El día 15 de marzo de 1939, hace 83 años las tropas alemanas entraron en la ciudad devPraga _ República Checa.

Desfilaron frente a la iglesia de Nuestra Señora de Týn, ha sido la iglesia principal de esta parte de la ciudad desde el siglo XIV. Se encuentra en La Plaza de la Ciudad Vieja. Las torres de la iglesia tienen ochenta metros de alto y están rematadas por cuatro pequeñas espiras.

La construcción de esta iglesia empezó a mitad del siglo XIV y duró hasta el siglo XVI. Esta construcción gótica se considera como una de las iglesias más importantes de Praga.

A consecuencia de la ocupación murieron más de 100 000 personas de la resistencia y desapareció la mayoría de la población judía. Así Hitler proclamó el Protectorado de Bohemia y Moravia el 16 de marzo de 1939, violando así el Acuerdo de Múnich, que había sido firmado en septiembre de 1938 por Alemania, Italia, Francia y el Reino Unido.

La ocupación comenzó de acuerdo con el plan, a las seis de la mañana en punto. Los alemanes habían empezado a ocupar la región fronteriza de Ostrava ya el 14 de marzo. Al mismo tiempo fue declarada una Rutenia Subcarpática independiente.

  

Antiguo Ayuntamiento de Praga
   en la Plaza de la Ciudad Vieja    

En primer lugar, la llegada de los nazis afectó a los científicos de origen judío. Después de marzo de 1939 fueron obligados a retirarse de todas las universidades e instituciones. Los que tuvieron suerte, lograron emigrar a tiempo. Sin embargo, fueron pocos los que pudieron huir del país, dice el historiador Jaroslav Šebek.

El puente de Carlos, atraviesa el río Moldava
de la Ciudad Vieja a la Ciudad Pequeña

Antiguo Palacio Real de Praga:

Bibliografía : https://espanol.radio.cz

St Peter's Bournemouth

La Iglesia de San Pedro se encuentra en el centro de Bournemouth, Dorset _ Inglaterra. Es del año 1879, obra del arquitecto George Edmund Street. La iglesia se construyó a lo largo de tres décadas, entre los años 1844 a 1879. 

La estructura es neogótico del siglo XIX. Su interior presenta elementos góticos de diseño intrincado y frescos y vidrieras policromadas verdaderamente impresionantes. Una de las criptas de la iglesia acoge los restos de la famosa familia Shelley, de enorme influencia en la literatura inglesa. Tanto la iglesia como los bonitos jardines que la rodean invitan a pasear y meditar en un entorno tranquilo.

La nave principal del templo es muy espaciosa, y sus muros están repletos de arte gótico. Observa, por ejemplo, las vidrieras policromadas y los frescos. Se diseñaron en el taller de Clayton y Bell a finales del siglo XIX.

La cripta de la familia Shelley, donde descansan los restos de algunos de los nombres más ilustres de la literatura. La escritora de viajes y defensora de los derechos de las mujeres Mary Wollstonecraft y el filósofo William Godwin yacen aquí junto a su hija, Mary Shelley, autora de Frankenstein, y junto al corazón de su marido Percy.

Uno de los elementos más característicos de la iglesia es el repicar de sus ocho campanas, las más antiguas y pesadas de toda la ciudad. Llévate la cámara y podrás tomar fotos muy bellas de esta impresionante iglesia y de su chapitel, que, con 62 metros de altura, es visible desde gran parte de la ciudad y su entorno. La iglesia se construyó con piedra de Purbeck y de Bath.

El edificio incorpora el trabajo de algunos de los mejores arquitectos y artistas del Renacimiento gótico , incluidos Street, George Frederick Bodley , Ninian Comper , Arthur Blomfield y Edward Burne-Jones , con vidrieras y frescos de Clayton y Bell.

El presbiterio ha sido descrito como "uno de los interiores neogóticos más ricos de Inglaterra.

“El molino de Wijk bij Duurstede”, obra Jacob van Ruisdael

 

“El molino de Wijk bij Duurstede”, obra del pintor holandés Jacob van Ruisdael del año 1670 imensiones de y con unas de 83 x 1,01 cm. Actualmente se encuentra en Rijksmuseum en Ámsterdam _ Holanda.

Los cuadros de paisajes fueron un tema común en el arte de Flandes y los países bajos desde el siglo XV. Estas pinturas pasaron por una serie de transformaciones en las cuales el paisaje como elemento destacado servía de telón de fondo para narrar alguna historia concreta en la cual las figuras humanas protagonizaban la obra y el paisaje a su vez se adaptaba a los requerimientos de la composición. Pero como género autónomo, independiente de las historias que se narraban, el paisaje llega a su madurez en la Holanda del siglo XVII.

Jacob van Ruysdael nació en Haarlem, hijo de un pintor y fabricante de marcos y sobrino de Salomon van Ruysdael, destacado pintor de paisajes en su época. Seguramente se formó en los talleres de pintura de su familia, con lo cual tenía asegurada su profesión como paisajista.

En 1648 fue admitido como miembro de la guilda de San Lucas en Haarlem, la corporación de los pintores de la ciudad. Pocos años después viajó a Alemania en compañía de otros amigos artistas y tras su regreso a Holanda en 1653 se estableció en Ámsterdam fundando su propio estudio. Muy conocido por las representaciones fastuosas de las nubes, y los efectos de la luz a través de ellas.

El artista realizaba también reproducciones detalladas de los árboles. Su pintura exhibida en los Uffizi, Paisaje con pastores y agricultores, muestra sus construcciones típicas de nubes imponentes, sobre magníficos árboles.

En este cuadro, realizado con un horizonte bajo como era usual en esa época, el cielo ocupa dos tercios de la escena. Este cielo, dramático y tormentoso aunque sin tempestad, avizora un clima que se pondrá borrascoso en cualquier momento. La luminosidad de este cielo es muy notable, a pesar de las nubes oscuras que hay en el horizonte. Las suaves olas marinas de color gris bañan la pequeña playa y este mar calmo y suave contrasta con el cielo. La tierra, que de acuerdo al ángulo de perspectiva en el que está representada se adentra en el horizonte, tiene pocos accidentes y es, tal como sucede en Holanda, más bien plana y apacible.

Está poblada de pastos, arbustos y árboles bajos y no se ven bosques en las cercanías, con lo cual podemos inferir que no es lo que se podría denominar un “paisaje salvaje” sino más bien un paisaje que ha sido dominado y modificado por el ser humano.

Van Ruysdael ejecutaba sus pinturas en su estudio, habiendo tomado previamente apuntes del lugar que iba a representar. No era un pintor que trabajara “in situ”, sino que modificaba a propósito algunos elementos para conseguir una composición más equilibrada y para lograr sutiles variaciones de tono y color con el fin de darle más dramatismo al paisaje. Por ello no se percibe claramente la inmediatez del momento y del lugar.

En vez de ello nos encontramos con un paisaje ordenado de acuerdo al propósito del artista. En ese sentido, la pintura holandesa de paisajes del siglo XVII se muestra muy distinta a lo que sería en el siglo XIX el arte de los impresionistas, que gustaban de captar el momento en el lugar y por eso pintaban al aire libre, mientras observaban el paisaje que tenían ante sus ojos y lo representaban como si fuera una instantánea.

En 1661, en plena madurez, volvió a viajar a Alemania junto a su discípulo Meindert Hobbema, que sería años más tarde un destacado pintor, regresando posteriormente otra vez a Ámsterdam. Durante esa etapa su pintura se volvió más libre, es decir, menos rígida que en los modelos anteriores, decantándose por composiciones más abiertas. También en esta etapa dejó de pintar exclusivamente paisajes naturales, incluyendo en su repertorio algunos elementos urbanos. Algunos consideran a van Ruysdael como el precursor del paisaje romántico del siglo XIX. Falleció en Ámsterdam en 1682.

Bibliografía : https://educacion.ufm.edu/

Joaquim Mir (1873-1940)

Joaquim Mir (1873-1940) en el año 1904 en su estudio en Mallorca pintando "La Cueva verde" fotografiado por Francisco Sierra.

Joaquim Mir debe ser tenido en cuenta como uno de los máximos exponentes del postimpresionismo español. El uso del color cercano al fauvismo de algunas de sus etapas y su indagación en el género del paisaje son sus aportaciones más significativas a la renovación de la pintura del siglo XX.

Nació en 1873 en una Barcelona donde surgiría una estupenda generación de artistas, hijos de la burguesía triunfante en la ciudad. Su aprendizaje artístico se desarrolló entre academias privadas y la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, la Lonja, en donde ingresó en 1893.

«Sólo quiero que mis obras alegren el corazón e inunden de luz los ojos y el alma». En 1928, Mir  resumía así el que fue su manifiesto como artista. El color y la luz lo significaron todo para el pintor barcelonés, cuya trayectoria personal y pictórica fue extraordinaria. Con un poder para la invención como pocos en la historia de la pintura, Mir construyó un lenguaje personal que le llevó a crear una obra sorprendentemente moderna, más allá de los movimientos artísticos con los que se le ha querido asociar tradicionalmente, como el impresionismo o el simbolismo.

Su evolución artística estuvo ligada a su trayectoria vital y a los lugares donde vivió (Barcelona, Mallorca, el Camp de Tarragona, el Vallès y Vilanova i la Geltrú) y, aunque se movió entre el realismo y la abstracción, encontramos dos constantes en su producción pictórica: el establecimiento de una nueva visión de la naturaleza y la búsqueda de la belleza con un afán firme pero también doloroso.

El artista realizó sus mejores obras durante su trágica crisis mental  Mir es un gran hito del arte catalán, pero su genialidad está trágicamente ligada a la locura en el periodo comprendido entre 1902 y 1910, coincidiendo con sus estancias en Mallorca y Tarragona. Antes de su enfermedad, fue un pintor de garra, bien orientado y correcto, y luego, superada su crisis mental, fue un artista lleno de jovialidad y simpatía, pero con una producción cada vez más convencional, un hecho que coincidiría con la ascendente aceptación de su pintura por parte de público y coleccionistas hasta llegar a ser, en la década de 1930, el artista catalán vivo más cotizado.

El artista desplegó toda una combinación de colores imposibles fruto de su interpretación personal de la naturaleza majestuosa. Las pinceladas se alargaron y se convirtieron en manchas que casi hacían desparecer los objetos y los referentes espaciales. Toda su vida la puso al servicio de la pintura y de la naturaleza que le rodeaba, con una pasión tan desbordante que le llevaba a arriesgarla por una tener una mejor vista desde un precipicio o a no descansar suficiente por pasarse el día pintando.

"pinto en un sitio por el que sólo paso yo y alguna bestia inconsciente. El paso, en el que sólo caben, justo, los pies, es un terraplén de rocas resbaladizas que van a parar directamente al mar. Si me fallasen los pies y resbalara no creo que volviera a hablarse de mí en el mundo de los vivos. Pero cuando se está allí, Santiago Rusiñol, ¡Qué espectáculo! A la derecha, la cala de san Vicente, a la puesta de sol roja, del color del fuego. El mar, azul cobalto, refleja aquellas rocas encendidas y queda también rojo como la sangre. A la izquierda los contrafuertes del Castillo del Rey, a contraluz, grises a la sombra. En aquel lado, el agua toma tonos de plata. Añade los morados de las algas del fondo y el de las higueras silvestres que penden hasta tocar el agua y ¡Qué cosa, Santiago! ¡Qué locura de colores!¡Están todos! Todos los de la paleta..."

Bibliografía : https://prensa.fundacionlacaixa.org

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