"Primavera" obra de Sir Lawrence Alma Tadema

"Primavera" obra de Sir Lawrence Alma Tadema del año 1894 y con unas dimensiones de 178.4 x 80.3 cm. Actualmente se exhibe en e Museo J. Paul Getty en California _ Estados Unidos.

Lawrence Alma-Tadema (1836-1912) nació en Bélgica y se convirtió en uno de los artistas victorianos más populares, aunque con el tiempo su estilo y temática -la decadencia del imperio romano y el antiguo Egipto- se consideraron de mal gusto y su nombre desapareció rápidamente del canon hasta que se realizó una recuperación pasando mediados del siglo pasado.

A los 5 años, su padre falleció por lo que su madre se hizo cargo de su educación como la de su hermana y sus tres hermanastros. Esa tragedia produjo un giro en su vida, ya que su progenitora consideró importante que los mayores tomaran clases de dibujo. El comenzó a participar como espectador, pero su curiosidad y talento lo convirtieron en el preferido del maestro.

Primavera es una obra de su útlimo periodo, en Inglaterra, y allí representa algunos de los tópicos que le dieron entonces fama y respeto, como las flores, con sus texturas, y también su enorme capacidad para llevar al lienzo elementos reflectantes como metales, cerámica y mármol. De hecho, su talento para pintar el mármol le valió el apado de marbelous painter (un juego de palabras entre las palabras marble -mármol- y marvelous -maravilloso-).

En esta obra, el artista representa una procesión de mujeres y niños que llevan flores y se adornan con guirnaldas mientras bajan las escaleras de mármol de una antigua ciudad romana. Otros asistentes más se asoman desde los balcones y techos de los antiguos edificios, y agitan su racimo de flores violeta para unirse a la celebración. Algunos tocan viejos instrumentos como el pandero, la flauta y el arpa para armonizar el evento.

En esta pintura, Alma Tadema refleja la tradicional festividad de "May Day" en Inglaterra llevándola a un período histórico anterior, cuyo tema fascinaba a la sociedad victoriana. Desde la época romana, el primer día de mayo las jóvenes mujeres salían desde el alba a recoger flores al campo para después acudir en procesión a ofrendarlas al "Maypole", un árbol sagrado que era adornado con flores y se le rendían cultos y bailes relacionados con la fertilidad.

En la actualidad, esta festividad ha sido retomada y adaptada en diferentes puntos de Europa occidental. El estilo característico del artista enfocado en el detalle finamente acabado se puede apreciar en las figuras de los presentes que se aprecian con una asombrosa realidad.

El panorama artístico durante la segunda mitad del siglo XIX suele ir ligado al Impresionismo. Sin embargo, existen una gran cantidad de pintores, conocidos como "academicistas", que merecen atención pese a haber sido rechazados durante décadas. Entre ellos, uno de los exponentes de ese academicismo propio de la época victoriana es Alma-Tadema. Un artista singular, sin duda.

Bibliografía : https://www.infobae.com

                     https://www.elblogdelatabla.com

                     http://www.mundodelmuseo.com/

Renato Muccillo

El pintor canadiense Renato Muccillo nació en Vancouver en el año 1965, hijo de padres inmigrantes de Campobasso, una ciudad pequeña de mas de trece siglos de antigüedad en las montañas de los Apeninos del sur de Italia. A muy temprana edad a Muccillo se le enseñó a «hacer las cosas a mano y forjar su propio camino.»

En su juventud solía pintar en el campo con su caballete en medio de los pastos, creando paisajes imaginativos no necesariamente relacionadas con su entorno, pero que le permitieron a los 10 años estar vendiendo sus cuadros a través de una tienda de arte de suministro local.

Sin embargo, nunca recibió ni buscó lecciones de arte para ayudar a perfeccionar su talento. Es un autodidacta empedernido.

Trabajó como cocinero en un restaurante local, para luego apenas salido de la secundaria conseguir un trabajo administrativo en una oficina local de un banco de Montreal, donde permaneció durante siete años. En todo ese tiempo, siempre pintó en su tiempo libre, ya que según el pintor «Yo sabía que quería ser artista», dice, «Pero no sabía cómo llegar allí.»

Muccillo comenzó a pintar imágenes altamente realistas de animales, hizo impresiones en color de calidad fotográfica de esas pinturas y empezó a venderlos a sus compañeros de trabajo y amigos.

Muccillo dejó el banco en 1993 y comenzó a producir alrededor de media docena de pinturas de animales al año, diseñadas específicamente para el color de alta calidad de reproducción litográfica.

Su estilo comenzó a cambiar después de visitar en la Galería de Arte de Vancouver una muestra del Grupo de los Siete, un colectivo de artistas que revolucionó la pintura en Canadá después de la Primera Guerra Mundial por retratar paisajes de la nación. Al ver estas obras seminales, se liberó e hizo quedar fuera de lo que le sentía cómodo.

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Paisajes con belleza natural, obras realistas trazadas por medio de una intervención artística, se trata de pinturas con ambientes de naturaleza muy elaboradas.--

Las cuevas de Barabar en Maharashtra,

Las cuevas de Barabar en las colinas de Barabar de Andhra Pradesh son la cueva excavada en la roca más antigua de la India. Estas cuevas fueron construidas en el 200 a. C. durante el reinado del emperador Ashoka y se encuentran en Maharashtra,  uno de los veintinueve estados de la India. 

Las cuatro cuevas de Barabar excavadas en roca de granito gigante y nombradas como Lomas Rishi, Sudama, Karan Chaupar y Viswa Zopri. Las inscripciones de las cuevas de Barabar revelan que las cuevas están destinadas a los monjes budistas de Ajivika (un grupo de monjes budistas en la antigua India).

Las cuevas de Kanheri fueron uno de los principales centros budistas de la India, ubicado en el Parque Nacional Sanjay Gandhi en Mumbai. Las cuevas de Kanheri, compuestas por ciento nueve, se derrumbaron y excavaron en roca volcánica masiva. Estas cuevas excavadas en la roca fueron talladas entre el siglo I a. C. y el siglo X d. C. El sitio también contiene canales excavados en la roca y canales para almacenar agua de lluvia en tanques grandes.

Las cuevas más grandes del sitio fueron utilizadas por los monjes budistas como Chaityas, las salas de oración. Estas cuevas también contienen estupas gigantes, esculturas y relieves del Señor Buda. La mayoría de las cuevas de Kanheri se utilizan como monasterios budistas llamados Viharas.

Las paredes de Viharas también fueron talladas con relieves del Señor Buda y Bodhisattva. Hay 56 inscripciones y 26 epígrafes en las paredes de las cuevas de Kanheri. La sala adarbar o Cueva 11 en el sitio también presenta cuatro inscripciones de diferentes períodos de la historia.

La arquitectura tallada en la roca, también arquitectura rupestre, de la India se refiere a las construcciones excavadas o esculpidas en cuevas, grutas o paredes rocosas por las civilizaciones antiguas de la India, la más variada y que se encuentra en mayor abundancia en ese país que en cualquier otro país del mundo.

La arquitectura tallada en la roca es la práctica de crear una edificación tallando en la roca natural sólida, retirando la roca que no forme parte de la edificación, hasta que la única roca que quede conforme los elementos arquitectónicos del interior excavado. La arquitectura india tallada en la roca es en su mayoría de naturaleza religiosa.

Hay más de 1500 edificaciones conocidas talladas en la roca en la India, la mayoría adornadas con exquisitas tallas de piedra y muchas de ellas albergan obras de arte de importancia mundial. Estas edificaciones antiguas y medievales representan logros significativos de la ingeniería estructural y de la artesanía.

Bibliografía. https://clubdeturismodigital.com

El Retrato de Isabel de Portugal obra de Rogier van der Weyden del año 1450 y con unas dimensiones de 46 x 37,1 cm. Actualmente se encuentra de El Museo J. Paul Getty estado de California _ Estados Unidos.

Van der Weyden nació en Tournai, Bélgica. Gran maestro de la pintura flamenca del Renacimiento temprano, con estilo gótico moderno. Retratista y pintor religioso, recién a sus 27 años estudió con el eximio Robert Campin. Su viaje por Italia impulsó la utilización de la pintura al óleo entre los artistas de ese país.

Trabajó para familia de nobles y poderosos. Las obras de Fra Angelico fueron motivo de inspiración para su estilo. Reconocido en toda Europa, incluyendo Francia y España, su influencia sobre pintores del norte de Europa, Flandes y Alemania es notoria. Entre ellos se cuentan a Memling, Christus y Bouts.

Van der Weyden presenta una pintura excelsa. La aplicación de los colores que da a sus personajes infieren un dramatismo único en la expresión, cosa que imitaron muchos pintores famosos de la era renacentista.

En 1427 ingresa en el taller de Robert Campin, identificado con el Maestro de Flémalle, evolucionando su obra hacia un mayor refinamiento y espiritualidad respecto al estilo naturalista y expresivo de su maestro. En 1432 obtiene el título de maestro independiente, trasladándose poco después a Bruselas donde es nombrado pintor oficial de la ciudad.

Aparte de ir en peregrinación a Roma en 1450, no se sabe que saliera ya nunca de la ciudad. Su estilo renacentista se caracteriza por figuras muy elegantes y esbeltas y por su perfeccionismo en la representación en perspectiva del paisaje y de los espacios interiores, mostrando gran preocupación por el equilibrio entre efectos espaciales y superficiales.

Su obra emotiva y dramática encuentra más adeptos que la callada perfección de Van Eyck, mientras que sus retratos, serenos y aristocráticos, influyen en el retrato flamenco hasta finales del siglo XV.

Respecto a la obra en particular, está vestida con un vestido de brocado rojo y dorado profusamente decorado , ceñido por debajo de la cintura con una faja verde , aunque el artista no combinaba con el patrón de brocado de las mangas. El alto hennin de mariposa y los anillos en sus dedos denotan nobleza. Los dedos de la duquesa son alargados, típico del estilo de van der Weyden, pero se cree que es una copia de un retrato original de van der Weyden que ahora se ha perdido.

En la parte superior derecha está la inscripción PERSICA SIBYLLA IA , lo que sugiere que pudo haber sido uno de una serie de retratos que representan sibilas , una identidad que contrasta con la de Isabella. La inscripción y el fondo de madera sintética marrón son adiciones posteriores.

Bibliografía : https://masdearte.com

Adrien Miller

El joven escultor, pintor y ceramista Adrien Miller, un artista de Seattle, ciudad más grande del estado de Washington, en el noroeste de los Estados Unidos de América. Un artista visual crea piezas de cerámica, la mayoría de arcilla reciclada. Además, crea cerámica y pinturas de forma humana. Su estudio tiene su sede en Seattle y es miembro del equipo del gremio de recicladores de Etsy.

Etsy (su estudio), se inaguró el 10 de noviembre de 2009. Creaba sus obras de arte la mayor parte de su tiempo, por lo que su trabajo se estaba acumulando y, literalmente, obstaculizaba su estudio. Necesitaba una forma de poner sus trabajos a la venta y, al mismo tiempo, permitir trabajar largas horas en el estudio. Etsy le ha ayudado a lograrlo.

Toda la arcilla que utiliza es reciclada. Lo que eso significa es que toma restos de arcilla que serían destinados a ir al basurero. Se necesita un poco de trabajo, pero realmente disfruta ver que algo reciclado cobra de nuevo vida.

Miller, sin embargo, incorpora estas intrincadas esculturas faciales en platos de comida, en forma de tazas y teteras, así como estatuas independientes. Su trabajo pone un elemento de la vida cotidiana junto a la belleza del rostro y el cuerpo humano. Al incorporar estos elementos de confort hay una paz única en cada una de sus esculturas, y afirma que “Como artista visual, valoro la belleza que trae el bienestar”

La misma fotografía y sus piezas con frutas de colores brillantes como cerezas y naranjas resuenan con el tema del bienestar que quiere emular en su trabajo.

En las esculturas de cerámica de Miller se mezclan figuras de hombres y mujeres, a menudo agrega flores en la cabeza o los brazos, un detalle específico que hace que su trabajo destaque y aporta otra capa de belleza a una pieza de arte de cerámica ya bellamente elaborada.

En estas esculturas corporales juega con ideas modernas, como la escultura de una chica sosteniendo un teléfono y tomando una foto, sin dejar de tocar obras antiguas como el busto egipcio de Nefertiti. Miller a menudo juega con diferentes colores en su trabajo que estallan y dan vida a cada una de sus creaciones, creando constantemente impresionantes obras de arte que muestran su visión única de las esculturas modernas.

La Capilla Carafa

La basílica de Santa María sobre Minerva se encuentra en la zona del Campo de Marte y está considerada la única iglesia gótica de los dominicos en Roma _ Italia.

Enfrente de la iglesia está uno de los monumentos más curiosos de Roma, el llamado Pulcino della Minerva. Es una estatua diseñada por el escultor barroco Gian Lorenzo Bernini (y llevada a cabo por su alumno Ercole Ferrata en 1667) de un elefante como base que soporta el obelisco egipcio encontrado en el jardín de los dominicos.

En el interior de la basílica se encuentra una de las capillas mas bella de Roma, llamada la La Capilla Carafa es conocida por varios frescos obra de Filippino Lippi (1457-1504, fue un pintor cuatrocentista italiano).

La capilla se encuentra ubicada sobre el lateral derecho de la basílica y está dedicada a Santa María y a santo Tomás de Aquino, fue construida a fines del siglo XV por orden del cardenal Oliviero Carafa. Carafa era miembro de los Dominicos, quienes administraban la capilla en esa época, y su palacio se encontraba en las inmediaciones.

Lorenzo de Médici de Florencia recomendó al cardenal Carafa que le encargara a Filippino Lippi que por esa época contaba cerca de treinta años de edad la decoración de la capilla. Para ello, el artista debió suspender su trabajo en la capilla Filippo Strozzi en Santa Maria Novella los cuales habían comenzado en 1487 y que recién terminarían en 1502.

Filippino Lippi

  

La decoración comenzó por la bóveda, la cual fue dividida en cuatro sectores angulares en los cuales Filippino pintó a las cuatro Sibilas. En el medio se encuentra el escudo de la familia Carafa dentro de un medallón. El marco de las escenas incluye un motivo de ramas retorcidas formando anillos y diamantes (el cual es el símbolo de Lorenzo de Medici), entremezclado con libros y palmas.

La referencia a la familia Medici es por lo general considerada un agradecimiento a las gestiones de Lorenzo ante Carafa en nombre del pintor, y por tarea pacificadora durante la conjura del Baron la cual había asolado en 1485 el Reino de Nápoles, el terruño de Carafa. El libro está relacionado con los intereses intelectuales el Cardenal.

La Aceptación, que se encuentra acompañada por imágenes de santos contemplando la escena, presenta a la Virgen ascendiendo en una nube la cual es elevada por un grupo de ángeles; a sus costados hay velas encendidas, ángeles esparciendo incienso y una mandorla luminosa de querubines. Los dos incensarios inspirados en los que se observan en el fresco de Sandro Botticelli Castigo de los Rebeldes en la Capilla Sixtina, y en el cual tal vez Lippi colaboró.

 

En el sector inferior, tras los apóstoles hay una procesión de personajes exóticos y animales, que tal vez sea una referencia al triunfo concedido al Cardenal luego de su regreso de la expedición naval. Probablemente Lippi haya visto una jirafa en Florencia la que le fuera donada a Lorenzo de Medici con anterioridad.

Bibliografía : Geiger, Gail L. (1986). Filippino Lippi's Carafa Chapel

                     Renaissance art in Rome

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