Francesco Beda

Francisco Beda fue uno de los artistas italianos, nació en el norte de Italia, en la ciudad de Trieste, el 29 de noviembre de 1840. Beda, posiblemente debido a su proximidad, tuvo más contactos en los países cercanos.

Su reputación de buen retratista, con gusto refinado y una paleta muy agradable, pronto abrió las puertas a importantes órdenes. Además de las escenas de género inspiradas en los siglos pasados, también se dedicó a pintar escenas orientales, tendencia practicada por varios artistas de las últimas décadas del siglo XIX.

Su hijo, Francesco Giulio Bedaque más tarde también se convertiría en pintor, que vendría a estudiar con Guglielmo Ciardi y viviría en Munich, Alemania.

En Austria fue donde realizó sus primeros estudios de arte con Karl von Blaas y por quien fue influenciado por la elección de sus temas. También Terminó ganando una clientela respetable en Austria, Hungría y Croacia.

Las últimas décadas del siglo XIX fueron un período de muchos experimentos artísticos, pero un gran número de artistas aún se inspiraron en el pasado para realizar sus composiciones. En casi toda Europa, paralelamente a todo el revuelo que se formó debido a los muchos estilos que crecieron libremente, también hubo un movimiento para rescatar las tradiciones de los siglos XVII y XVIII.

Muchas de estas obras se inspiraron en escenas de género, que sugerían un coqueteo romántico, situaciones anecdóticas o composiciones en ambientes casi siempre suntuosos de castillos, en construcciones amplias y refinadas. Escenas familiares, interiores de atelier, personajes con vestimentas impecables que remiten a los siglos antes mencionados.

Francesco Beda murió en Trieste, el 30 de julio de 1900. Vio el cambio de siglo, pero todos los grandes experimentos de ese período no le atrajeron mucho. Siempre se ha mantenido fiel a su propuesta y es uno de los artistas que nos demuestra que el arte puede y debe ser, sobre todo, atemporal.

 

Bibliografía: http://joserosarioart.blogspot.com

En el valle de Kidron, cerca del Monte del Templo, se encuentra  la tumba de Zacarías. Fue construido durante el tiempo del Segundo Templo. Es uno de los pocos monumentos de la arquitectura que se ha conservado hasta hoy en su forma original. La tumba está esculpida en la roca. Se encuentra en valle de Cedrón en  Jerusalén.

Es un cubo equilátero, cuya altura es de unos 12,5 metros. Según la tradición judía, esta tumba pertenece al profeta Zacarías. Como muchos otros objetos del valle de Cedron, La tumba es un monumento monolítico sin la cámara funeraria. Por lo tanto, no hay evidencia de que el gran profeta haya sido sepultado allí. 

Los judíos reverenciaron a Zacarías que a lo largo de los siglos, que pidió ser enterrado lo más cerca posible al Templo. En un momento los judíos de Jerusalén ofrecieron elogios aquí y llegaban a la tumba de Zacarías para llorar la destrucción del Templo.

Un año Jerusalem sufrió de una terrible sequía. La leyenda cuenta que los árabes de la ciudad oraron a Dios, pero la lluvia no cayó. A continuación, enviaron una delegación a los habitantes judíos de Jerusalén, advirtiéndoles que si no podían hacer llover, que estarían en problemas muy profundos.

Detrás de la capilla, el graffiti estaba rayado en las paredes por los miembros de la familia de judíos que fueron enterrados junto a la tumba de Zacarías, pero cuyas tumbas se perdieron cuando Allegro recibió la autorización de distancia. Sin embargo, dos lápidas han sido recientemente restauradas y se encuentran allí.

Sólo a unos pocos metros de la tumba de Zacarías, una puerta conduce a un complejo grande de enterramiento con varias cámaras interiores. Una antigua inscripción hebrea apenas legible, que se encuentra en el exterior del complejo, cuenta que los seis hijos de la familia sacerdotal Hezir están enterrados dentro. Y no es cualquier familia sacerdotal, ya que dice Herman: uno de los Rollos del Mar Muerto menciona que el Hezir actuaba en el templo en Yom Kipur.

Zacarías es un personaje que aparece mencionado en la Biblia y en el Corán. En la Biblia es un sacerdote de la familia de Aarón (Lucas, 1:67-79) y el padre de Juan el Bautista. Estaba casado con Isabel, quien era pariente de María (Lucas 1:36), la madre de Jesús.

Recientemente, los investigadores dijeron que la tumba no se construyó antes del siglo I a. C., por lo que es imposible asociarla con el nombre del profeta Zacarías que vivió en 8-9 siglos antes de Cristo. Una estructura mucho más antigua se encuentra debajo de la estructura monumental de la gruta. Los investigadores asumen que puede ser una parte preservada de la Iglesia bizantina. La tumba de Zacarías llama la atención por otra razón también. Según antiguas descripciones, los tesoros se esconden cerca de él.

Bibliografía : https://www.primeroscristianos.com

                     https://es.xcv.wiki/

"Seis poetas toscanos" obra de Giorgio Vasari

"Seis poetas toscanos" obra de Giorgio Vasari (1511-1574) del año 1544 y con unas dimensiones 80x78 cm. Actualmente se encuentra en Instituto de Arte de Minneapolis _ Estados Unidos.

  

La vida artística para Giorgio Vasari se inició a muy temprana edad, cuando comenzó a pintar con Guglielmo da Marsiglia, un pintor de vidrieras. Pertenece a una familia de artistas entre los que destaca Luca Signorelli, un pintor del Quattrocento, la época previa al inicio del Renacimiento.

Italia experimentó en el siglo XIV un momento de florecimiento cultural y artístico. Al mismo tiempo que pintores como Cimabue o Giotto rescataban la pintura de lo que ellos consideraban la oscuridad, se producía un desarrollo de la literatura en italiano. Destaca especialmente la tríada de literatos compuesta por Dante Alighieri (1265-1321), Francesco Petrarca (1304-1374) y Giovanni Boccaccio (1313-1375).

Estos tres escritores, además de estar unidos por la amistad con algunos de los más importantes pintores de su siglo, dejaron plasmado en sus obras literarias el interés que sentían por el arte, llegando incluso, algunos, a expresar opiniones que hoy día se estudian como parte de la teoría del arte, si bien no siempre redactaron obras dedicadas a las artes de manera explícita.

Es llamativo y esclarecedor que una parte importante de las referencias artísticas contenidas en las obras de los tres autores más arriba señalados, entre otros muchos, tengan como protagonista al pintor florentino Giotto (1267-1337), pudiendo considerarse esto como prueba de la importancia y fama que este pintor tuvo incluso en vida.

Así, Dante, en el Purgatorio de su Divina Comedia, inserta unos versos en los que se menciona a Cimabue y Giotto junto al boloñés Guido Guinizelli y el gran poeta del dolce stil novo Guido Cavalcanti. Son entonados por el miniaturista Oderisi de Gubbio, que se encontraba en el círculo del Purgatorio destinado a aquellos que en vida pecaron de orgullo.

Se dice que Petrarca tuvo la intención de escribir un tratado sobre arte, si bien se desconoce si el objeto del mismo serían las artes plásticas, y más concretamente la pintura, o bien abarcaría el arte en el sentido más amplio de la palabra.

Giovanni Boccaccio nació en 1313 en un lugar aún hoy discutido, pudiendo tratarse de la ciudad de Florencia o incluso París. Era hijo natural del mercader florentino Boccaccio da Chellino, al servicio de la familia de los Bardi. 

Boccaccio, al igual que Petrarca, se sintió interesado por la teoría del arte, llegando a ser considerado el primer autor renacentista que relacionó explícitamente las artes visuales con la imitación de la naturaleza.[7] Esta relación, como se explicará más adelante, aparece desarrollada en uno de los relatos de su Decamerón, teniendo como protagonista a Giotto.

Vasari con tan solo 16 años se marchó a estudiar a la ciudad de Florencia. Allí pudo estudiar con artistas como Baccio Bandinelli o Miguel Ángel y se vio influido por sus estilos de pintura. Poco a poco, fue ganando experiencia en Florencia, Roma, Nápoles, Pisa o Bolonia.

Con el tiempo fue consagrándose como artista y ganando reputación entre la sociedad. Trabajó fundamentalmente como pintor, pero también como arquitecto. No obstante, en su última etapa de vida se centró más en el estudio del arte, de ahí sus reconocimientos como historiador.

Tras su muerte en 1574, sus aportaciones artísticas recibieron todo el reconocimiento posible. La sociedad se dio cuenta del arte que corría por las venas de Vasari, un entusiasta de las letras, de la pintura y la arquitectura.

Bibliografía : http://revistamito.com

                     https://miviaje.com

 Agostino di Duccio (1418 - 1481) escultor florentino, su formación se realizó con Donatello y Michelozzo durante las obras del púlpito de Prato. De Donatello aprendió la técnica de los relieves en stiacciato (El stiacciato o relieve aplanado es una técnica escultórica que permite realizar un bajorrelieve con una variación mínima (a veces se habla de milímetros) respecto al fondo).

Una de las obras que he podido ver de cerca es el Estuco "La Virgen con el Niño y cuatro ángeles", hacia 1465-1470. con unas dimensiones de , 83,5 x 78,2 cm, Actualmente se encuentra en el Museo de Thyssen-Bornemisza en Madrid _ España.

 

 

Probablemente adquirido en 1935, este estuco pintado procede del vaciado de un mármol de Agostino conocido como la Madonna Auvillers (Museo del Louvre, París). Existe una versión de la misma composición en terracota (Museo del Bargello, Florencia) considerado el modelo inicial para el diseño del mármol.

La pieza conserva restos de policromía y pequeños agujeros a ambos lados del cuello de la Virgen podrían indicar que portaba un collar. El Niño sostiene la mano de su madre mientras un ángel a la izquierda muestra el escudo de armas de la familia Pucci. Este tipo de relieve con imágenes de la Virgen y el Niño se hicieron muy populares en Florencia en el siglo XV y tenían como finalidad la devoción privada.

Para dar al espectador la ilusión de profundidad, el espesor disminuye gradualmente a partir de primer plano hasta el fondo.utilizándola profusamente para buscar efectos de pura decoración superficial.

La técnica de Agostino en modelado del relieve consiste en disminuir progresivamente el bulto con variaciones mínimas, de modo que parece que este se hunde en el fondo y se obtiene sensación de profundidad. El término provine del italiano y la técnica, aunque presente en Meopotamia, será empleada fundamentalmente por los romanos y perfeccionada por Donatello. Suele combinar varios los relieves bajo, medio y alto.

Tras su gran obra plástica en el templo Malatestiano de Rimini, Agostino trabajó en el Oratorio de San Bernardino, en Perugia, Umbría_ Italia. Está considerado el monumento renacentista más importante de la ciudad.

Construido por Duccio en el año 1457, el edificio se estructura en torno a un arco sobre el que se apoya un conjunto escultórico que representa los milagros de San Bernardino. De él destaca su frente, en el que Duccio combinó terracota, piedra caliza y mármol de diferentes colores.

En este aspecto plantea una fachada alla antica claramente derivada de Sant’ Andrea de Alberti en Padua: flanqueado por notables pilares, cerrando la composición por medio de un gran frontón (las proporciones, sin embargo, no son excesivamente correctas, resultando una obra masiva, sin gracia, que contrastan con sus figuras)

En ellas retoma las lecciones de Donatello dotándolas de una grazia y exquisitez propias (gusta de un estilo curvilíneo, lleno de elegancia conectado com Melozzo di Forli), especialmente en las figuras secundarias en bajo relieve.

Notable por la originalidad, delicadeza y frescor de sus figuras y composiciones, en las que domina la línea por encima del volumen. Agostino di Duccio es quizás de todos los escultores de la “generación de la gracia” el que mejor personifica la transformación que la escultura florentina experimentó en una dirección abstractizante.

Críticos modernos han sostenido que Agostino practicó un desarrollo consciente de las características escultóricas de la antigua tradición medieval y de las correspondientes al arte tardorromano y al bizantino de Ravena.

Bibliografía: https://arteenlasredes.blogspot.com/

                    https://palios.wordpress.com/

Cal Calixtus

Calixtus es un edificio del siglo XIX en Sant Sadurní d'Anoia en Barcelona _ España. El edificio está ubicado en los antiguos terrenos de Miquel Ferrer, que solicita urbanizar parte de su propiedad en 1875. Calixtus fue construido en 1885 por el arquitecto Narcís Aran Vidal.

La casa fue adquirida por Pablo Torelló y Borràs, nacido en Sant Sadurní, que ejerció la profesión de maestro pero la abandonó para dedicarse a la industria. Posteriormente, la casa fue adquirida por la familia Oliver, que en los años veinte iniciaron la producción de cava bajo la marca Calixtus.

Es un edificio organizado en planta baja, primer piso, azotea y torreón con mirador, con galerías y jardín, emplazado en un solar haciendo esquina, donde se nota el regusto historicista en cada uno de sus elementos: el acolchado en la planta baja, la balaustrada de cerámica moldeada al plan, en la azotea y mirador, las rejas de hierro fundido, las palmetas clásicas, las columnas de hierro fundido con capiteles clásicos, las bóvedas tabicadas y las cartelas. Debemos también mencionar la extraordinaria vidriera modernista añadida a la galería posteriormente y el amplio jardín de que dispone.

El modernismo es la denominación historiográfica de un estilo principalmente arquitectónico, aunque también se desarrolla en las otras artes plásticas (pintura y escultura), y sobre todo en el diseño y las artes decorativas, que reciben una especial atención.

Su denominación geográfica se debe a su particular relación con Cataluña y principalmente con la ciudad de Barcelona, que estaban intensificando sus características diferenciales dentro de la cultura española por razones ideológicas y socioeconómicas, tras el resurgimiento de la cultura catalana denominado «Renaixença» y en el contexto de un espectacular desarrollo urbano e industrial.

El modernismo rechaza el estilo poco atractivo de la arquitectura industrial de la primera mitad del siglo XIX, y desarrolla nuevos conceptos arquitectónicos basados en la naturaleza, que consisten en los materiales de construcción que se emplean, en las formas de los edificios y en las figuras de sus fachadas. 

Los arquitectos colocan en el exterior de los edificios pájaros, mariposas, hojas y flores a modo de elementos decorativos, ya sea como figuras adosadas o como adorno de la piedra o cerámica. También se colocan figuras de tamaño mayor, animales fabulosos o personas, y en las cornisas elementos de cerámica de color. Las ventanas y los balcones disponen de rejas de hierro forjado, que son labradas artísticamente y contienen motivos inspirados en la naturaleza.

"Los retratos de las hermanas Linley" obra del pintor ingles Thomas Gainsborough

"Los retratos de las hermanas Linley" obra del pintor ingles Thomas Gainsborough ( 1727- 1788)  del año 1772.  Actualmente se encuentra en Dulwich Picture Gallery en Londres _ Inglaterra.

Gainsborough nació en Sudbury, Suffolk, en 1727. Desde temprana edad mostró grandes habilidades artísticas, por lo que a los trece años fue enviado a estudiar a Londres con el pintor y grabador francés Hubert François Gravelot, quien había sido discípulo del gran pintor francés Antoine Watteau.

La obra de Gainsborough muestra, desde sus inicios, fuertes influjos del maestro francés, de los artistas de la escuela flamenca y del pintor holandés Anton van Dyck. Hasta 1774 vivió y trabajó entre Ipswich y la ciudad balneario de Bath, pintando retratos y paisajes

Elizabeth y Mary Linley fueron dos hermosas jóvenes muy conocidas en los círculos sociales de Bath de 1770. Procedentes de una familia con tradición musical, ambas frecuentaban los escenarios de Bath y Londres y solían aparecer en la sección de sociedad de los rotativos de la época.

Las hermanas fueron retratadas en 1772 por Thomas Gainsborough, amigo íntimo de su padre y vecino de Bath (Reino Unido). El pintor había visto crecer a Elizabeth y Mary y las inmortalizó en todo su esplendor en un gran lienzo. El mismo año en el que el retrato fue terminado, Elizabeth se fugó a Francia con el joven dramaturgo Richard Brinsley Sheridan, provocando un gran escándalo.

Un año después, en 1773, se casaron, aunque Elizabeth no imaginaba que su matrimonio sería infeliz, marcado por las constantes infidelidades de Sheridan. Elizabeth abandonó el canto y apoyó a su marido en su carrera como escritor y político.

Gainsborough destacó por la rapidez con la que aplicaba su pintura, y trabajó más a partir de sus observaciones de la naturaleza (y la naturaleza humana) que de ninguna aplicación de las reglas académicas. La sensibilidad poética de sus pinturas hicieron que Constable dijera, «Mirándolas, encontramos lágrimas en nuestros ojos y no sabemos qué las provoca». Él mismo dijo, «Estoy harto de retratos, y estoy deseando coger mi viol-da-gam y marcharme a alguna dulce aldea, donde pueda pintar paisajes y disfrutas del último tramo de la vida en la tranquilidad y la facilidad». El parecido de sus paisajes se muestra en la forma en que él fundía las figuras de los retratos con las escenas detrás de ellos. Su obra posterior se caracterizó por una paleta ligera y pinceladas económicas y fáciles.​

En una de sus técnicas, sumergía una esponja al extremo de una vara en la acuarela para frotarla sobre el papel sin definir ninguna forma. Posteriormente, al terminar la obra, estas manchas tomaban formas reconocibles. Gainsborough las llamaba "sus estropajos".

Realizó más de 500 obras, de las que 230 son retratos. Se caracterizan por la noble y refinada elegancia de las figuras, el encanto poético y los colores fríos, principalmente verdes y azules, de pincelada suelta, delgada y larga en su trazo.

Bibliografía : https://www.artelista.com/