Gaston La Touche

El baile de máscaras de Gaston La Touche, (1854-1913) del año y con unas dimensioens de 180 x 181. Actualmente se encuentra en el museo de arte de New Orleans _ Estados Unidos.

Pintor, ilustrador, grabador y escultor francés, su pasión por el arte comenzó a una edad muy temprana y finalmente persuadió a sus padres para que le dieran lecciones de dibujo, que tomó durante diez años de un instructor local a razón de tres francos por mes.

Sin embargo tuvo que suspender sus estudios al comienzo de la Guerra Franco-Prusiana, cuando su familia regresó a Normandía para garantizar su seguridad. Esta sería toda la capacitación artística formal que recibió.

Fue un destacado colorista de finales del siglo XIX y principios del XX, que se asoció con todos los artistas importantes de la época. Era amigo de muchos de los impresionistas, pero optó por seguir un camino independiente tanto en la técnica como en el tema. 

Su extraordinaria imaginación se reveló en sus maravillosas representaciones de monos, fiestas, bailes, temas teatrales e interiores, todos teñidos con un sentido del humor irónico.

Sus pinturas de fuegos artificiales y fuentes inspiradas en Versalles son únicas en calidad y espectro de colores. Descuidado durante casi un siglo, con poca o ninguna investigación, el trabajo de La Touche ahora se está reevaluando. En los círculos comerciales e histórico-artísticos, sus pinturas son ahora muy buscadas.

La Touche no fue influenciado directamente por el estilo de Degas y Manet; más bien por las ideas que el hombre más viejo le transmitía. Sinceridad, candor, integridad y un esforzarse en busca de la verdad eran las cualidades que deberían buscarse en la vida y en el arte. 

En sus últimos años, dividió su tiempo entre su estudio en Saint-Cloud y las propiedades de su familia en Champsecret. Murió en París mientras pintaba, el 12 de julio de 1913.

Gary Lee Price

El escultor estadounidense Gary Lee Price nació en Twin Falls, Idaho. Desde muy pequeño su juego más favorito era sentarse a dibujar. Su capacidad para crear arte se convirtió en su fuerza y ​​su salvación. Después de graduarse de Montpelier High School en Idaho, Price pasó a estudiar arte en Ricks College en Rexburg en Idaho.

Sin embargo, no fue hasta que asistió al Utah Technical College en Provo, donde conoció y estudió con el escultor Stan Johnson, que se sintió atraído por la escultura y estudió pintura, dibujo y anatomía.

Mientras trabajaba en la universidad en su licenciatura en Bellas Artes, continuó estudiando con Stan Johnson. Debido a la diversidad de temas, el trabajo de Price se ha calificado de ecléctico. Además de una amplia gama de temas, sus piezas de arte varían de tamaño, desde piezas muy grandes hasta muy pequeñas.

Los temas de sus obras también son muy diversos; desde niños en actitudes muy alegres jugando, corriendo y bailando, personajes históricos y temas de mitología. Sobre todo su capacidad de escuchar y aprovechar las muchas fuentes de inspiración que le rodean en constante crecimiento. Lo que trata de hacer es no encasillarse en un tema o estilo.

Según el escultor “Lo que trata de hacer con sus obras es acercarse al espíritu de los seres humanos. Ha de ser posible crear una obra armoniosa y refrescante para el alma".

Gary Price ha sido elegido miembro de la National Sculpture Society en la ciudad de Nueva York, ha ganado el premio Best of Show en la escuela de artistas de Scottsdale y ha aparecido en la revista Southwest Art Magazine.

La fortaleza de Mehrangarh

La fortaleza de Mehrangarh, situada en una colina a 125 metros sobre la ciudad de Jodhpur, en el estado de Rajastán, es una de las fortalezas más majestuosas de la India. Jodhpur es conocida con el nombre de "La Ciudad Azul".

En el trayecto entre Jaisalmer y Jaipur, se encuentra el Fuerte de Mehrangarh. Colgada sobre una colina a 120 metros de altura, domina una amplia extensión de llanura que nuestra vista puede contemplar hasta ver el Fuerte de Kumbhalgarh situado a 130 Km. La muralla de Mehrangarh fue construida en el año 1459, en piedra caliza de color ocre, por su primer maharajá; Rao Jodha.

Tras caminar 1/2 hora por las rampas de acceso se llega al interior de la fortaleza. El acceso al fuerte se realiza a través de siete puertas, algunas fortificadas, otras protegidas con grandes clavos que impedían el paso de los elefantes enemigos, nunca nadie ha sido capaz de derribar una de sus puertas.

Tras recorrer algunas calles en codo, para despistar a los asaltantes, se llega a la altísima Jai Pol o Puerta de la Victoria construida por el Maharajá Man Singh en 1806. Tras esta puerta se extiende uno de los símbolos de poder del Rajastán.

El Fuerte de Mehrangarh es una maravillosa mezcla de elementos mogoles, persas e hindúes, cuyas partes más antiguas datan del siglo XV, aunque la mayor parte conservada pertenece al siglo XVII. 

En el interior nos esperan al menos 33 puntos de interés, entre los que destacaría: dos puertas más: las Dedh Kangra Pol y la Loha Pol o Puerta de Hierro. Junto a esta puerta se pueden ver las huellas de las manos de 15 maharaníes reales, esposas del Maharajá Man Singh, que se arrojaron vivas en 1843 a su pira funeraria ¡malditas costumbres!.

En el interior de Mehrangarh nos esperan 3 templos: Chamunda Devi, Nagnechiji y Murli Manghargh, 7 conjuntos palaciegos: Zenana o Palacio de las reinas, Takhat Mahal, Phool Mahal o Palacio de las Flores, Moti Mahal o Palacio de la Perla, Khab ka Mahal, Jhanki Mahal o Palacio de las Miradas y Sukh Mahal o Palacio del Placer. Todos ellos construidos en fina arenisca maleable del lugar y que ha sido tallada como si fuera el trabajo de un maravilloso encaje de piedra. El tiempo ha endurecido la piedra arenisca y le ha dado una belleza infinita.

Por último, os recomiendo una visita al Museo del fuerte donde se exponen desde pinturas en miniatura y trajes de seda, hasta armas (en la Edad Media el trabajo de los artesanos armeros elevaron estas piezas a obras de arte), carrozas, monturas de elefantes, palanquines o cunas mecedoras. Aunque expuestas de forma rudimentaria, forman parte de este peculiar lugar que combina las más delicadas celosías labradas en arenisca con una magnífica fortaleza inexpugnable.

Bibliografía : http://www.planetadunia.com/

Santa Lucía obra de Francesco del Cossa

Santa Lucía obra de Francesco del Cossa (1436- 1477), fue realizada entre 1472 y 1473 y con unas dimensiones de 79 × 56 cm. Actualmente se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington_ Estados Unidos.

Pintor cuatrocentista italiano, perteneciente a la Escuela de Ferrara. Es considerado el maestro más importante de la escuela de Ferrara. Su estilo recuerda a Mantegna y Piero della Francesca. Es conocido sobre todo por sus frescos.

Francesco del Cossa estuvo recientemente en Bolonia cuando recibió de la familia Griffoni, el encargo de un retablo para su capilla en la basílica de San Petronio , realizado con la colaboración de otro maestro de Ferrara, el más joven pero muy prometedor Ercole. de 'Roberti.

Santa Lucía entonces, como también Floriano, se encontraría en una especie de logia paradisíaca desde la que asoma para ver la escena principal del políptico, con un gesto bien caracterizado. La santa sostiene la palma del martirio y los ojos en la mano, con la sugerente metáfora de asimilarlos a dos brotes que salen de un tallo. un Políptico es un término de la historiografía del arte para designar a una pintura dividida en múltiples secciones o paneles.

La obra permaneció en la capilla hasta 1725 - 1730 , cuando fue desmembrado y se coloca en el mercado de antigüedades en lotes separados: desde entonces los paneles se han dispersado. El políptico fue virtualmente reconstruido por Roberto Longhi en 1935 , con el ensayo fundamental Officina ferrarese .

A Santa Lucía se le ha representado frecuentemente con dos ojos, porque según una antigua tradición, a la santa le habrían arrancado los ojos por proclamar firmemente su fe.

Nació y murió en Siracusa, ciudad de Italia, y gracias a sus múltiples virtudes entre las que se destaca la sencillez, la humildad y la honradez, el Papa San Gregorio en el siglo VI puso su nombre a dos conventos femeninos que él fundó.

Josep Maria Tamburini i Dalmau

El pintor y crítico de arte Josep Maria Tamburini i Dalmau (1856-1932) se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona, ampliando su formación en París, con León Bonnat, Londres y Roma, junto a los continuadores de Fortuny. 

En su producción se distinguen dos etapas. La primera está fundamentada en la pintura de historia, haciendo gala de un gran dominio técnico. La segunda, influenciada por el estilo plástico imperante en Cataluña, le llevaría a los preceptos del Modernismo. Su obra condensa la influencia decimonónica de la pintura de historia junto a ciertas maneras prerrafaelitas.

Compaginó su labor de pintor con actividades como ilustrador y crítico literario, dentro de la corriente cultural.  Su obra pictórica formó parte de exposiciones nacionales e internacionales en las que obtuvo importantes reconocimientos. 

En su obra se percibe una gran destreza técnica así como una magnífica exactitud en la descripción de los detalles representados. También es destacable la intensa brillantez de su colorido y la equilibrada composición en la que se desenvuelve la dramática escena.

Bibliografía : https://sevilla.abc.es

Las cabezas del Monte Nemrut

Monte Nemrut es una montaña de 2150 m de altitud y se encuentra a 40 km al norte de Kahta, cerca de Adıyaman  del sureste de Turquía. Conocida por las estatuas pertenecientes a una tumba del rey Antíoco.

En el año 62 a.C., el rey Antíoco ordenó cercenar su cumbre y crear una inmensa terraza para forjar su santuario y túmulo funerario. Allá en lo alto, cerca de los dioses y tan alejado del mundo terrenal como le era posible. Sus delirios de grandeza y/o su genialidad política le hicieron auto proclamarse un dios entre los vivos, creando un nuevo culto religioso e impulsándole a erigir estos gigantes de piedra que simbolizaban a él mismo entre los propios dioses.

Mandó construir un túmulo funerario en la cima de la montaña flanqueado por enormes estatuas (8-9 metros de altura) de sí mismo, dos leones, dos águilas y diferentes dioses armenios, griegos y persas, como Hércules, Zeus-Oromasdes (asociado al dios persa Ahura Mazda), Tique y Apolo-Mitra. Estas estatuas se encontraban sentadas y con los nombres de cada dios inscritos en ellas

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Justo en el centro del complejo se emplazaría a posteriori su propia tumba, que habría de ser recubierta por piedras del tamaño de un puño, millones de rocas que conforman a día de hoy un túmulo de forma cónica con 50 metros de altura y 150 de diámetro, coronando la montaña y ocultando supuestamente el mausoleo en su interior. A simple vista, desde lejos, podría parecer la cima de una montaña más, hasta que al acercarte compruebas su forma demasiado perfecta, diseñada y levantada por la mano del hombre.

Los "Tronos de los Dioses", como el propio rey Antíoco los denominó, estarían basados en unos cimientos que jamás serían derribados, según también sus propias palabras. Las estatuas se repartían en dos terrazas diferenciadas, una al lado este y otra al oeste del propio túmulo funerario. 

Originariamente, sentadas en sus tronos, alcanzaban los ocho o nueve metros de altura; como acaba de mencionar pero desgraciadamente muchos terremotos y la naturaleza terminó por arrojar las cabezas de los dioses al suelo. Allí esparcidas son observadas más fácilmente aunque sin perder por un instante la magnificencia y el poder sobrecogedor, casi intimidatorio, de aquellas cabezas de piedra de entre dos y tres metros de altura.

La disposición de las estatuas se conoce con el término hierotesion. Las excavaciones posteriores aún no han logrado encontrar la tumba de Antíoco. Sin embargo, todavía se cree que se trata del lugar de sepultura del rey. En 1987, la Unesco catalogó el monte Nemrut como Patrimonio de la Humanidad.

Bibliografía : http://www.historiadelascivilizaciones.com.

"El cambista y su mujer»" de Quentin Metsys

 

"El cambista y su mujer»" obra de Quentin Metsys del año 1514 y con unas dimensiones de 70,5 × 67 cm. Actualmente se encuentra en Museo del Louvre, París _ Francia.

Quentin Metsys (1465- 130) fue un artista flamenco, el primer pintor importante de la escuela de Amberes. Nació en una familia de artistas flamencos, hijo de un herrero de Lovaina. Representó en esta tabla una de las profesiones más antiguas de la historia. Formado en Lovaina, sus obras iniciales desarrollan el estilo de los primitivos flamencos. A partir de 1491 se estableció en Amberes, trabajó casi de modo exclusivo para la pujante burguesía del momento y fundó la escuela pictórica de la ciudad.

En sus obras exhibe un fuerte sentimiento religioso y precisión en el detalle. Su tendencia a acentuar la expresión individual se puede observar en cuadros como “El cambista y su mujer” y el "Ecce Homo", donde se aprecia la influencia de El Bosco

Las características más relevantes de sus pinturas son la plasticidad de las figuras, las arquitecturas clásicas y el colorido fluido. Su obra fue fundamental para la primera generación manierista flamenca y para la pintura española y portuguesa.

Este cuadro, firmado y fechado por el artista, y conocido también como El prestamista y su mujer, no es una simple escena de género, pues la inscripción que figuraba sobre el marco y tomada del Levítico, «Que la balanza sea justa y los pesos iguales», remarca la intención moralizante de la obra.

Las dos figuras parecen tener preocupaciones muy diferentes, pues si por un lado el marido parece ocuparse de los asuntos terrenales, la esposa está más preocupada por sus oraciones y el espíritu, lo que representa una clara oposición entre lo sagrado y lo profano.

Al fondo, unas estanterías con diversos objetos cotidianos sitúan la composición en un ambiente de trabajo donde la pareja realiza sus actividades diarias. En el primer plano, Metsys reproduce una multitud de elementos de valor con más precisión que la de los rostros de los personajes, lo que supone un anticipo de las obras de pura naturaleza muerta. Un espejo convexo situado sobre la mesa, siguiendo el ejemplo de Van Eyck en su retrato El matrimonio Arnolfini, refleja a un hombre leyendo al lado de una ventana.

Sin embargo, los objetos que decoran la estancia están llenos de vida: el códice espléndidamente iluminado que la esposa está hojeando, el espejo en ángulo, que refleja el mundo exterior en una imagen magistral, las monedas brillando en la mesa y los accesorios de la habitación situados en los estantes de la pared del fondo. En el importante papel que Metsys otorga a estos objetos da un paso importante en el camino hacia la naturaleza muerta pura.

Podemos observar al  pintor al insertar su propia imagen en la pintura, reflejada en el espejo convexo. 

Bibliografía : Francisco Vega-Oncins, 2016

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