El Monasterio Phuktal _ India

El Monasterio Phuktal, o Phugtal Gompa como también es conocido, es uno de los monasterios más aislados en la región, de Zanskar en Ladakh Distrito de Jammu y Cachemira en la India norteña.

El monasterio es una construcción única de barro y madera construido en la entrada de una cueva natural en la pared del acantilado del cañón formado por el mayor afluente del río Lungnak (Lingti-Tsarap). Desde la distancia, el monasterio se parece a un panal gigante.

Phuktal Gompa fue fundado a principios del siglo Xll por Gangsem Sherap Sampo, un discípulo de Tsongkhapa fundador del Gelug. Aunque el monasterio fue construido en el siglo Xll, ha sido un tesoro escondido para muchos hasta que el húngaro Alexander Cosmo de Koros visitó el lugar y se quedó entre el 1826 al 1827.

Uno de los tesoros es una tableta de piedra que recuerda a las piedras Mani con un toque mágico, son placas de piedra, rocas con inscripciones de los seis sílabas mantra de Avalokiteshvara como una forma de oración en el budismo tibetano.

El término piedra Mani también se puede utilizar en un sentido amplio para referirse a las piedras en el que cualquier mantra o diseños devocionales , se colocan intencionadamente a lo largo de los bordes de la carretera y ríos o se colocan juntos para formar montículos, a veces paredes largas, como una ofrenda a espiritual del lugar.

El diseño de Phuktal y su ubicación aislada tiene un significado espiritual, ya que los antiguos monjes viajeros se protegían y meditaban en las cuevas de esta zona. El monasterio cuenta con cuatro salas de oración, biblioteca, instalaciones de enseñanza, una cocina, habitaciones y aposentos para aproximadamente unos 70 monjes. Frescos y el techo decoran la antigua capilla y son populares entre los turistas.

Bibliografía: https://viajerosdelmisterio.com/

El Festival de la vendimia obra dem Lawrence Alma-Tadema

El Festival de la vendimia, obra de Lawrence Alma-Tadema, de año 1871 y con unas dimensiones de 51 x 119 cm . Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Victoria en  Melbourne _ Australia.

Lawrence Alma-Tadema fue uno de esos pintores que decidió bajarse del carro del progreso en un momento en el que el mundo había enloquecido con la Revolución Industrial. Cambió las máquinas y la velocidad por los ambientes del Mundo Antiguo y la contemplación espiritual. Nacido como Laurens Tadema en un pueblecito neerlandés en 1836, quedó huérfano de padre con tan solo cuatro años, edad a la que comenzó a recibir formación pictórica por parte de un maestro local gracias a los intereses artísticos de su madre. No obstante, intentó formarse en el oficio de su padre, notario, pero en 1851 se le diagnosticó tuberculosis y decidió consumir el resto de su vida entre lienzos y pintura.

Su gusto por el clasicismo se ve compensando con una latente modernidad que se intuye en las composiciones recortadas influencia de los encuadres fotográficos y el arte japonés tan en boga en el momento.

El estallido de la guerra franco-prusiana en julio de 1870 obligó a Alma-Tadema a dejar el continente y desplazarse a Londres. Años atrás en el año 1863 acababa de perder a su primera esposa, una bella francesa. Después de haber tenido siempre una gran predilección por Londres, el único lugar en el que, hasta entonces su trabajo se había reunido con los compradores, decidió dejar el continente y fue a establecerse a Inglaterra, donde he encontrado un verdadero hogar.

Después de su llegada a Inglaterra, donde iba a pasar el resto de su vida, la carrera de Alma-Tadema era uno de éxito continuo. Se convirtió en uno de los más famosos y mejor pagados artistas de su tiempo, reconocido y recompensado. En 1871 se había reunido y hecho amistad con la mayoría de los principales prerrafaelista pintores y fue en parte debido a su influencia que el artista se iluminó su paleta, varió sus matices, y aligerado su pincelada..

Con sus pequeñas hijas y hermana Atje, Alma-Tadema llegó a Londres a principios de septiembre de 1870. El pintor no perdió tiempo en ponerse en contacto con Laura su segunda esposa y se dispuso que él daría sus clases de pintura.Tenía unos treinta y cuatro años y Laura tan sólo dieciocho años.

Se casaron en julio de 1871. Laura, bajo su nombre de casada, también ganó una gran reputación como artista, y aparece en muchos de los lienzos de Alma-Tadema después de su matrimonio. Este segundo matrimonio fue duradero y feliz, aunque sin hijos, y Laura se convirtió en madrastra de Anna y Laurence. Anna se convirtió en un pintor y Laurence se convirtió en un novelista.

Las obras de Alma-Tadema son notables por la forma en que las flores, texturas y reflectante duro sustancias, como metales, cerámica, y en especial de mármol, están pintadas - de hecho, su representación realista del mármol le llevaron a ser llamado el 'pintor marbellous'.

Su trabajo muestra gran parte de la multa la ejecución y el color brillante de los viejos maestros holandeses. Por el interés humano con el que impregna todas sus escenas de la vida antigua que los trae dentro del ámbito de la sensibilidad moderna, y nos llama la atención por el sentimiento suave y alegría.

Su pasión por el clasicismo se confundió con su propia vida, un tanto excéntrica, pues compró una suntuosa residencia en Londres que decoró a modo de villa pompeyana. Este hecho repercutió en su producción pictórica, realizando pinturas de mayores dimensiones entre 1883 y 1887, ya que sus ganancias eran superiores.

Bibliogaría : https://www.descubrirelarte.es

Bartolomeo Ammannati

El escultor y arquitecto Bartolomeo Ammannati (1511-1592) nació en Settignano, un 18 de junio cerca de Florencia. Fue alumno de Baccio Bandinelli y Jacopo Sansovino e imitó el estilo de Miguel Ángel. Fue más distinguido en arquitectura que en escultura. 

Diseñó muchos edificios en Roma entre los que está Villa Médici, el complejo Villa Giulia (en colaboración con Vignola y Vasari), y muchos otros edificios en Lucca y Florencia. Su trabajo en la finalización del gran patio interior del  Palacio Pitti (1558-1570), contratado por la noble y muy rica Leonor Álvarez de Toledo, esposa de Cosme I de Médici, es una de sus creaciones habiendo echado a perder en su ampliación el diseño original de Filippo Brunelleschi.

Fontana di Sala Grande en el Museo Bargello _ Florencia

También fue contratado en 1569 para construir el puente de Arno, conocido como el puente de la Santa Trinidad, que es una de sus mayores obras. Los tres arcos son elípticos, y aunque parecen muy ligeros y elegantes, han resistido la furia del río que se ha llevado por delante otros puentes en numerosas ocasiones. El arco principal no responde a la técnica de Ammannati por lo que fue un misterio su creación hasta que en años posteriores se vio el mismo tipo de diseño en esculturas de Miguel Ángel. Fue destruido por las fuerzas nazis de ocupación en 1944, y reconstruido posteriormente.

Fontana del Nettuno 

Otra de sus obras más importantes es la Fuente de Neptuno de la Piazza della Signoria, fabricada en mármol y bronce. La fuente fue encargada inicialmente a Baccio Bandinelli quién murió sin terminar la obra. Ammanati fue elegido para continuar la obra dejando a un lado a escultores famosos como Benvenuto Cellini y Vincenzo Danti. Trabajó junto a sus ayudantes en esta obra entre 1563 y 1565 en el bloque original de mármol elegido por Bandinelli. Como modelo para la cara de Neptuno escogió al Gran Duque Cosme I.

Cuando la figura de Neptuno fue terminada, Miguel Ángel le dijo a Ammanati que había arruinado una preciosa pieza de mármol. Realmente, la figura fue tan universalmente aborrecida (incluso hoy en día) que se solía decir: "Ammanati, Ammanato, che bell' marmo hai rovinato!" que traducido sería: "Ammanati, Ammanato, ¡Qué gran pieza de mármol has arruinado!". Ammanati continuó trabajando en la fuente durante 10 años más, añadiendo en el perímetro varias deidades fluviales, caballos de mar, con influencia clara del estilo manierista.

Leda y Cisne, Museo Nacional de Bargello 

Al final de su vida cae bajo la fuerte influencia de la Contrarreforma, lo que le lleva a intentar destruir algunas de sus obras de carácter profano y a plasmar sus ideas en una carta que, en 1582, dirigió a la Academia de Dibujo y en otra que más tarde, en 1592, envió a Fernando de Médicis. 

Ganymede de bronce, 1550, museo Bargello 

En ellas nos dejó un importante documento sobre la teoría del arte después del Concilio de Trento. En el Museo del Prado hay una figura de Venus que estaba situada en el jardín de la isla de Aranjuez. En origen tenía los brazos cortados pero en una restauración del siglo XVlll se le colocaron en actitud púdica. Su obra es casi un comentario de la obra de otros maestros como Bandinelli, Sansovino o Vignola.

Bibliografía : https://arteenlasredes.blogspot.com/
                     https://www.museodelprado.es/

El palacio de Galiana en Toledo

El palacio de Galiana es un castillo de origen medieval también llamado Huerta del Rey y está ubicado fuera del casco histórico de Toledo _España. Levantado sobre un edificio musulmán del siglo XI, fue construido como casa de campo por Abulhasan Yahia Almamun, conocido como el rey taifa Al-Mamun. Aunque su conservación no es demasiado buena, nos da idea de lo que era el tipo de vivienda señorial de la época.

Tiene planta rectangular con dos torreones externos a los extremos, y la planta baja, con un gran salón central rodeado de crujías. Entre las labores mudéjares aparecen los escudos de los Guzmanes o del arzobispo don Gómez Manrique. Su aparejo es de mampostería encintada y tiene el mismo carácter que el de la Iglesia de Santiago del Arrabal.

El palacio consta de dos alturas y planta rectangular que se completa con una zona de edificación abierta desarrollada en planta también rectangular a lo largo de su fachada principal. Se trata de un edificio formado por tres cuerpos perpendiculares a la fachada. Los dos laterales, de planta rectangular, se elevan formando sendos volúmenes a modo de torres en las fachadas anterior y posterior.

Los muros correspondientes a los cuerpos laterales se rematan mediante merlones (Una almena​ o merlón​ es un elemento arquitectónico típico de la arquitectura militar medieval. Se trata de cada uno de los salientes verticales y rectangulares dispuestos a intervalos regulares que coronan los muros perimetrales de castillos, torres defensivas, etc).

Con coronación piramidal y los correspondientes a la falsa fachada del cuerpo central con cornisa de ladrillo formando picos. La fábrica de los muros es de mampostería y ladrillo con recercado de huecos en ladrillo y en el interior las distintas dependencias se cubren con bóvedas de arista y vaídas de ladrillo. La zona de edificación abierta tiene composición simétrica con dos entradas laterales a ambos lados de la fachada principal, forma un patio con una zona central más baja, donde diversas dependencias se abren bajo arcos de medio punto.

El actual edificio conserva la estructura andalusí primitiva y la obra mudéjar consistió en labores decorativas, aunque no descarta la reparación de algunos lienzos. Se trataría, por tanto, de un modelo de palacio hispano-musulmán, compuesto por salas de recepción que se corresponden con el edificio actual, conectadas con una gran alberca, que todavía conserva el emplazamiento, y unos jardines de gran belleza. 

De las noticias transmitidas por las fuentes islámicas puede deducirse que el principal atractivo de la almunia construida por al-Ma´mun derivaba de su situación junto al Tajo, que suministraba el agua necesaria para el riego y el ornato de la huerta y los jardines, cuyo trazado se atribuye a Ibn Wafid con ayuda de Ibn Bassal.

La parte más celebrada del conjunto era el Jardín de la Noria, atravesado por una acequia cuyas aguas eran recogidas por la noria para regar las plantaciones y surtir la alberca situada frente al palacio. 

La existencia de este jardín con una única alberca difiere de la tipología habitual del modelo persa (de acequias cruzadas y albercas simétricas) para inspirarse en el modelo bereber, reminiscencia del oasis africano que se expandió notablemente con los almohades.

Cuenta una leyenda que las sucesivas damas del castillo, en lugar de añadir su nombre a éste, pasan a enriquecer con sus historias la tradición de la “Galiana” legendaria que las personifica a todas ellas, y que el vulgo ha llegado a denominar así por encontrarse el palacio junto a la antigua calzada romana que uniera Toledo con las Galias, la calzada Galliana o vía Galiana que perduró como cañada de la Mesta. 

Y no sólo se equivoca el vulgo, que al cabo de los siglos hasta el docto Covarrubias sigue diciendo que “Galiana es nombre de Mora, a la cual su padre edificó unos palacios a la orilla del Tajo, que hasta hoy día queda el nombre a las ruinas de ellos…”. Aunque la paciencia y el tesón de los historiadores ya han rescatado nombres fidedignos: la Galiana Halia, la Galiana Zaida, la Galiana Raquel,… siguen siendo evocadas como una sola mujer, criatura más bien poética e irreal, síntesis de todas ellas.

Bibliografía : www.turismocastillalamancha.es

                     www.leyendasdetoledo.com

El escondite secreto de Miguel Ángel

Estimulados por el gran horror del saqueo del Roma de 1527, los florentinos se volvieron contra las normas de los Médici y establecieron un autogobierno en la República. Ésta heredó las alianzas de la anterior república.

Esto dejó a Florencia en el único poder en Italia que combatía los ejércitos españoles y del Sacro Imperio Romano. El 24 de octubre de 1529 las tropas imperiales llegaron a Florencia. La ciudad no estaba preparada para defenderse. El Papa Clemente VII y Carlos I de España (Carlos V) querían devolver el poder de la poderosa ciudad a su familia, los Médici. La ciudad entonces creó un comité llamado “Los Nueve de las Milicias” para trabajar en las fortificaciones. Y se nombró gobernador a Michelangelo Buonarroti.

Miguel Ángel lo organizó absolutamente todo dentro de la ciudad, quizá su gran error fue nombrar a Malatesta Baglioni como comandante del ejército de Florencia. Más tarde, el gran artista cuestionó su fidelidad. Estaba en lo cierto, Baglioni fue un traidor, entregó Perugia sin intento de batalla. Miguel Ángel intentó antes avisar al gobierno de la ciudad de que Baglioni no era honrado pero le fue en vano, entonces Miguel Ángel escapó, fue declarado bandido y se le confiscó su propiedad.

Cuando Florencia se rindió el 11 de agosto de 1530, a Miguel Ángel no había forma de encontrarlo por la ciudad. Parecía que se lo había tragado la tierra. Para quitarse de la circulación y no dejarse ver hasta que la situación se estabilizara, el polifacético artista se pasó dos meses escondido en una estancia secreta subterránea bajo la basílica de San Lorenzo, proyectada por él mismo para alojar las tumbas de la poderosa familia florentina.

Nada se supo de aquella escondida estancia hasta que en 1975 el entonces director del Museo de la Capilla de los Médici, Paolo del Poggetto, encontró una trampilla tras la cual había una escaleras que daban al escondite. No tardó en descubrir en las paredes decenas de dibujos en tiza y carboncillo que podían atribuírsele al propio Miguel Ángel. Entre ellos había un boceto de la estatua de mármol que embellece el sepulcro de Giuliano de Médici, un rostro barbudo inspirado en el Laocoonte de los Museos Vaticanos.

Desde que Del Poggetto hizo hace 42 años su descubrimiento, sólo un puñado de estudiosos han podido visitar la habitación secreta. Los «motivos de seguridad» que han impedido acceder a este espacio al público por fin van a ser superados: a partir de 2020 el escondite del maestro renacentista abrirá sus puertas. 

La actual directora del Museo de la Capilla de los Médici, Monica Bietti, tiene claro a qué dedicó el tiempo de reclusión Miguel Ángel en aquel espacio oblongo: «Era un genio, ¿qué otra cosa iba a hacer aquí? Dibujar». Los bocetos que embellecen las paredes no parecen en cualquier caso ser todos obra de Buonarroti; unos cuantos podrían haber salido de la mano de alguno de sus colaboradores. No le quitan valor al peculiar escondite ni los expertos que no están seguros de la autoría de los dibujos, como William Wallace. Este profesor de la Universidad de Washington considera que la habitación podría haber servido de espacio de descanso para los artistas que trabajaron con Miguel Ángel en la capilla fúnebre de los Médici.

Bibliografía : https://www.lasprovincias.es

                       https://elgrafitohistorico.

El retrato del poeta Alonso de Ercilla y Zúñiga, obra de Doménikos Theotokópoulos,

El retrato del poeta  Alonso de Ercilla y Zúñiga, obra de Doménikos Theotokópoulos, (1541-1614), más conocido como el Greco del año 1585  y con unas dimensiones de 44,3 x 41,5 cm. Actualmente se encuentra en Museo de La Hermitage san petersburgo _ Rusia 

Desde sus comienzos en Italia, el Greco fue un retratista y durante todo el periodo español sus retratos están llenos de maestría. No hay duda que la composición y el estilo están aprendidos de Tiziano, la colocación de la figura, normalmente de medio cuerpo y los fondos neutros. Sus mejores retratos, ya en su madurez en Toledo, siguen estos criterios.

Era capaz de representar los rasgos del modelo y de transmitir su carácter.​ Sus retratos, menores en número que sus pinturas religiosas, son de una altísima calidad. Wethey dice que «por medios simples, el artista creaba una memorable caracterización que le coloca en el más alto rango de los retratistas, junto a Tiziano y Rembrandt».

Se presenta la relación que El Greco estableció con la familia Covarrubias. De ella formaron parte Diego de Covarrubias y su hermano Antonio, amigos del pintor y retratados en sus cuadros, que destacaron en las Letras y sobresalieron como juristas y burócratas al servicio de Felipe II al tiempo que establecían una política matrimonial familiar que los vincularía directamente con las Indias. 

Diego y Antonio Covarrubias se integraban en un grupo de intelectuales del que también formaban parte El Greco y otros humanistas griegos vinculados a la Corte de Felipe II, y que sería un apoyo fundamental en la pretensión del pintor por ganarse el favor real. Ese ambiente cultural contrasta con los valores éticos propios de la élite colonial de frontera en la que se integraron los miembros chilenos de la familia Covarrubias, que quedó reflejado en la Araucana de Alonso de Ercilla, cuyo retrato también se atribuye al Greco.

En esta obra, tradicionalmente considerado el escritor Alonso de Ercilla y Zúñiga (Madrid, 1533-1594), Su agudo espíritu de observación y amplio conocimiento de la vida los adquirió en sus continuos viajes por Europa como paje de príncipe Felipe y del séquito del emperador Maximiliano.

En 1554 estaba en Inglaterra con motivo del matrimonio de Felipe II con María Tudor. Contrariado por un amor no correspondido, ansiaba distracción en una aventura lejana, cuando los excitantes relatos de Jerónimo de Alderete sobre Chile, sus pobladores, la violencia de la guerra de Arauco y la noticia de la muerte de Pedro de Valdivia lo tentaron a correr la aventura, obteniendo licencia para ir a pelear al Perú y Chile.

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Anna Rosalie Boch

 

Anna Rosalie Boch nació en Saint-Vaast, Hainaut, Bélgica (1848- 1938). Se formó con Isidore Verheyden y fue fuertemente influenciada por Théo van Rysselberghe, al que conoció en el Grupo de los XX, y quien pintaría un magnífico retrato de Anna.

Boch participó en la neo-impresionista movimiento. Sus primeros trabajos utilizaron un puntillista técnica, pero es mejor conocido por su impresionista estilo que se adoptó durante la mayor parte de su carrera.

En Bruselas, durante el otoño de 1883, un grupo de artistas insatisfechos con las fórmulas y principios instaurados en torno al arte, se reunieron para acordar una especie de declaración de independencia artística. Decidieron llamarse Los Veinte, porque ese era el número de sus componentes, pero también porque fijaron la línea de su horizonte en el siglo que se aproximaba; el XX.

Entre los más jóvenes de sus componentes, aparece la figura de la pintora y coleccionista belga Anna Boch, que ha pasado a la historia, no sólo por su excelente obra pictórica, sino también porque fue ella quien adquirió, en 1890, El Viñedo Rojo, del Vincent Van Gogh.

Cuando Van Gogh fue invitado a presentar una muestra de su obra en la exposición de Les XX del año 1890, respondió de inmediato, ofreciendo una lista de pinturas que consideraba las más apropiadas para el evento, entre ellas, El Viñedo, que finalmente se colgó en la Exposición de Bruselas y, como hemos dicho, fue adquirido por Anna Boch, a quien admiraba por su talento y que era un amigo de su hermano Eugène Boch que ya hemos publicado sobre sus obras.

Sus temática más frecuente fue el paisaje rural y las marinas, algunas escenas de género y naturalezas muertas. Con el uso de colores puros sin mezclar, en sus obras no oculta la pincelada, y por supuesto pronuncia un protagonismo ante todo a la luz y el color. De esta manera las formas se diluyen imprecisas dependiendo de la luz a la que están sometidas, y una misma forma cambia dependiendo de la luz arrojada sobre ellas, dando lugar a una pintura totalmente distinta.

A su muerte, y según los propios deseos de la artista, manifestados en su testamento, su colección fue vendida, y el dinero recaudado, fue destinado a para sufragar a sus amigos artistas más pobres en su vejez.

Menos 140 de sus propias pinturas fueron abandonados a su ahijada Ida van Haelewijn, la hija de su jardinero. Muchas de estas pinturas muestran Ida van Haelewijn como una niña en el jardín. En 1968, estos 140 pinturas fueron compradas por su gran sobrino Luitwin von Boch, el director general de Villeroy & Boch Cerámica. Las pinturas permanecieron en la casa de Ida van Haelewijn hasta su muerte en 1992. 

La compañía comenzó en la pequeña localidad francesa de Audun le Tiche, donde François Boch fundó una pequeña empresa de alfarería junto a sus tres hijos en 1748. Más tarde la empresa se trasladó a Luxemburgo, donde aún hay una fábrica de porcelana. En 1801 la compañía se trasladó a la ciudad vecina de Mettlach, Alemania. El 14 de abril de 1836, la compañía de Jean François Boch se fusionó con un competidor, Nicolas Villeroy, dando así lugar a Villeroy & Boch, V&B (o simplemente 'VB').

Bibliografía: https://focusonbelgium.be

El Palacio Borromeo en Lago Mayor _ Italia

Situado entre la frontera alpina de Italia y Suiza, se encuentra el Palacio Borromeo, abierto al público y capaz de extasiar a los visitantes con sus salones y habitaciones de la planta noble, realizadas entre los siglos XVII y XIX, está ubicada en el Lago Mayor _ Italia. 

Los Borromeo, originarios de San Miniato en Toscana, son una importante familia de la nobleza milanesa, todavía floreciente y numerosa, que durante siglos tuvo una fuerte influencia en la ciudad de Milán y en las áreas del lago Maggiore (el llamado "Estado Borromeo").

Aún hoy la familia posee la Isla Bella, la Isla Madre y los dos escollos conocidos como Castillos de Cannero, por la presencia de ruinas de construcciones que se remontan al medievo.

Con sus grutas recubiertas de piedras y conchas, los salones, las salas de la música y de las armas, los jardines y las diez terrazas sobre puestas, abrió en el año 1978 al público el Palazzo del siglo XVI, una muy interesante construcción que se caracteriza por la recreación de ambientes de época y por las colecciones de libreas, muñecas y porcelanas. Excepcional es la exposición de los Teatrini delle Marionette del siglo XVII al XIX. La Isola Madre es la prueba más importante de la gran elegancia en el cuidado de los jardines y de los interiores.

El gran edificio Barroco muestra la obra de los arquitectos Francesco Castelli y Francesco Maria Richini así como la del el gran arquitecto del clasicismo el siglo XVll de Roma, Carlo Fontana.

Los interiores están muy bien realizados y alberga grandes obras de arte. La Galería de Tapices, por ejemplo, es el hogar de una colección de tapices flamencos del siglo 16 bien conservados.

El magnífico jardín romántico de estilo inglés presente en la Isla Madre. Considerado uno de los mejores ejemplos de arte de jardinería, hoy alberga también una fauna volátil oriental, con pavos albinos, faisanes dorados y papagayos, la primera camelia del algo y el imponente ciprés de Cachemira.

El Lago Mayor cuenta con una gran superficie que supera los doscientos kilómetros cuadrados, siendo el segundo lago más grande de Italia, por detrás del lago de Garda. En la parte italiana de este lago, que comparten Italia y Suiza, nos encontramos con unas islas propiedad de la familia Borromeo. Se trata de cinco: tres islas menores y dos islotes forestales.

El jardín se divide en distintas zonas y está estructurado en 10 terrazas superpuestas, que le aportan un aspecto piramidal que culmina con una estatua de un unicornio, símbolo heráldico de la familia Borromeo. De diseño clásico, geométrico, con una parte arquitectónica destacada, estatuas, escaleras y fuentes que hacen por sí solas ya un jardín muy llamativo.

En la Isla Bella llamada así por el nombre de la mujer de Carlo III Borromeo, Isabella d’Adda. En el jardín renacentista de Isola Bella predominan coníferas, cítricos, bojes, azaleas, rododendros, palmeras y gran cantidad de flores. 

La isla logró convertirse en un lugar de encuentro y celebraciones, alcanzando un gran éxito social a finales del S.XVIII y principios del XIX. Allí estuvieron como invitados Napoleón Bonaparte y su esposa Josefina.

Bibliografía : http://www.italia.it/es

                     https://elviajeroaccidental.com

                     https://www.italy-villas.es