"El cisne amenazado" obra de Jan Asselijn

"El cisne amenazado" obra de Jan Asselijn en torno a 1650 y con unas dimensiones de 144 × 171. Perteneciente a la Edad de Oro holandesa, la obra se encuentra en la colección del Rijksmuseum de Ámsterdam _ los Países Bajos.

Jan Asselijn fue paisajista que se especializó en escenas reales o imaginarias de la campiña romana. Estudió en Italia en la década de 1630 a 1640. Su obra destaca por sus fuertes contrastes lumínicos que vienen de la influencia de Claudio de Lorena.

Su cuadro más famoso, sin embargo, no es un paisaje sino un cisne del Rijksmuseum de Amsterdam. Rembrandt fue amigo de este pintor y le hizo un retrato al aguafuerte, momento que coincide con el más fructífero de su carrera, que se materializa en la realización de paisajes italianizantes.

Jan Asselijn, 1646 obra de Rembrandt

Se le apodó Cangrejillo por un defecto en una de sus manos. Jan Asselijn fue convertido en el símbolo de la independencia holandesa. En esta época los artistas dependías de la demanda de un público que le interesaba, retratos de los suyos y de su tierra. La demanda de un determinado tipo de pintura produjo que muchos pintores se especializaran en determinados temas. Este hecho fue nuevo en la Historia

Realizó su aprendizaje con Esalas Vandevelde (1587-1630), y se distinguió en particular en la pintura de paisajes y de animales, aunque sus obras históricas y de batallas también fueron admiradas. Viajó mucho por Francia e Italia, y modeló su estilo en gran medida siguiendo a Bamboccio (Pieter van Laer).

Fue uno de los primeros pintores holandeses que introdujo un estilo fresco y claro de pintar paisajes al modo de Claudio Lorena, y su ejemplo fue seguido rápidamente por otros artistas. Las obras de Asselijn eran muy estimadas en Ámsterdam, y varias de ellas permanecen en los museos de tal ciudad. Veinticuatro de ellas, pintadas en Italia, fueron grabadas.

Se ha especulado que el texto blanco que fue pintado en la pintura se realizó durante la guerra de panfletos Witten-Oorlog. La pintura fue comprada por la Nationale Konst-Gallery de La Haya en 1800 sobre la base de su referencia alegórica, pero únicamente más tarde los visitantes señalaron que el pintor había muerto mucho antes de que el asesinato de los hermanos de Witt se llevara a cabo.

Su producción ­final se caracteriza por combinar estos paisajes con otras obras de temática específicamente holandesa. A la vez aclara su paleta introduciendo numerosos efectos lumínicos gracias a la utilización de ­nieblas y contraluces en un estilo decorativa muy adecuado a las tendencias del gusto del mercado holandés del momento.

Bibliografia : https://www.rijksmuseum.nl

El escultor Ernest-Eugène Hiolle

Ernest-Eugène Hiolle (1834 - 1886) escultor francés, nació en Valenciennes, donde estudió en la Escuela académica, posteriormente estudió en los talleres de François Jouffroy y Laurent Séverin Granfils y terminó sus estudios en la escuela de Bellas Artes de París. Se especializó en figuras clásicas y alegóricas, realizadas en escayola y bronce, así como en retratos en busto de sus contemporáneos.

Durante su carrera artística se presentó en numerosos concursos. Uno de los premios fue el de Romade del año 1856.

Arion sentado en la cabeza de delfín, !870 , Museé d Orsay

Sus obras son de forma alegórica. Simbolizan y personifican particularmente ideas abstractas como la alegoría, por ejemplo, la Justicia representada como una figura que sostiene escamas y una espada, y las estatuas de la Prudencia, que representan la Verdad al sostener un espejo.

Narcisso, 1868, en el palacio de bellas Artes de Lille

Ernest- Eugène Hiolle participó en las grandes construcciones públicas de la Tercera República Francesa con esculturas para el Palacio Garnier, el Ayuntamiento de París, y algunos más. En 1873 es nombrado Caballero de la Legión de Honor.

Logra un realismo pictórico lleno de vivacidad, preocupado por reflejar vivamente la expresión de la naturaleza. Muestra una atención más detenida de la realidad, una concepción más veraz del arte. Su modelo es nervioso e intuitivo, y se aprecia el interés por reflejar el juego incesante de luces y sombras.

Museo de bellas artes de Valenciennes 

Con un estilo muy personal, se caracteriza por tener una excelente calidad técnica, ser alegre y dinámico. Sus obras rompen los modelos creados por la Academia. Trata el cuerpo femenino con más pudor, más acorde a los gustos que imperan. 

Mujer joven con una partidura, 1884, Museo de bellas artes de Valenciennes 

Museo de bellas artes de Valenciennes 

America de Norte "El Continente , frente al Museé d Orsay 

El Palacio de Salvatierra en Ronda

El Palacio de Salvatierra es un edificio que centra su decoración sobre una singular portada renacentista que se encuentra en Ronda, en la provincia de Málaga _ España. Próxima al barrio de Padre Jesús este edificio palaciego posee una esplendida fachada barroca en sillería de piedra con puerta dintelada.

La fachada se remata con un frontón quebrado que alberga figuras desnudas, de clara influencia indiana con columnas corintias y un gran balcón de forja rondeña. En el Repartimiento de Ronda, llevado a cabo por los Reyes Católicos tras la conquista de la ciudad en 1485, se concedió esta casa a Don Vasco Martín de Salvatierra. La casa sufre una gran reforma a fines del siglo XVIII, confiriéndole su actual trazado.

Cargada de simbolismo colonial en las figuras pareadas de aire precolombino que enmarcan el balcón superior. Con decoración de hojarasca, tallos y tondos. Un frontón remata el conjunto, en cuyo tímpano destaca el escudo nobiliario. La cruz que adorna la plaza tuvo su ubicación original en las afueras de Ronda, junto al desaparecido convento de los Mercedarios de San Jorge.

Dichas figuras sostienen el peso del escudo de la familia, y si nos fijamos, veremos que las figuras masculinas sacan la lengua en señal de agotamiento por cargar el blasón, mientras las féminas se tapan sus partes íntimas, ruborizadas ante el paso de los transeúntes por el lugar. Estas figuras tan peculiares custodian un portentoso balcón de hierro que remata la entrada. 

Pero si interesante es el exterior del palacio, también lo es su interior, que cuenta con un valioso conjunto mobiliario y objetos decorativos y artísticos de gran calidad, tales como tallas y cuadros.

Además, cuenta la casa con un jardín en su parte posterior, desde donde se domina una amplia vista sobre la Sierra de las Nieves; y en su entorno más próximo, también sobre los restos de las antiguas murallas medievales de la ciudad y sus baños árabes.

Otro elemento destacado es el imponente patio interior de la casona, que alberga un Pinsapo añejo. Para llegar al palacio de los Salvatierra tenemos que cruzar el Puente Viejo de Ronda y llegar hasta la parte más alta del municipio malacitano.

Bibliografia : https://www.spain.info/es 

"Los Comediantes franceses" obra de Jean Antoine Watteau, hacia 1720 y con unas dimensiones de 57,2 x 73 cm. Actualmente se encuentra en Metropolitan Museum en, Nueva York _ Estados Unidos.

En el escenario y delante de un decorado que representa una galería porticada, aparecen las figuras de actores vestidos lujosamente, representando sin duda una tragedia francesa, quizás de Racine o Corneille, recitada de forma paroxística, como era habitual.

La fiesta galante de Watteau no es una interpretación realista de la sociedad en sus actividades cotidianas, es solamente una imagen poética del espíritu. En estas atmósferas encantadas, pintadas con tonos cálidos y una especial sensibilidad en el tratamiento de la luz, se pone de manifiesto una plenitud existencial teñida de infinita melancolía, que hará de Watteau un artista muy querido por los pintores románticos, y poetas como Baudelaire.

Virtuoso técnico y muy buen dibujante, domina en él una ejecución minuciosa. Aplicaba los colores muy diluidos en capas de extrema delgadez, lo que permite numerosas transparencias. El barniz se aplicaba transparente o ligeramente coloreado, y a veces entre capas de pintura, recurso propio de la época.

Esta técnica complica actualmente la limpieza de los cuadros y puede explicar la mala conservación de muchos de ellos, bastante agrietados y oscurecidos. Algunos expertos llegan a afirmar que el arte de Watteau se aprecia mejor en sus numerosos dibujos, que subsisten en mejor estado y que solía reproducir con leves variaciones en muchas pinturas.

Gran aficionado al teatro, Watteau conoce las reglas del disfraz, de la ficción, de los registros formales: el mundo de las máscaras de la «Commedia dell’ arte» se convierte en el teatro de las inquietudes, de las ambigüedades, de los sentimientos efímeros y precarios.

En París existía todo un abanico de géneros dramáticos representados por compañías especializadas: la tragedia y la comedia francesa, el teatro italiano surgido de la Comedia del Arte, el ballet y la pastoral, y, finalmente, la ópera que agrupa el teatro, la música y la danza. Se interpretaban las tragedias de Corneille, de Racine y de otros autores, y la comedia francesa cuyo protagonista indiscutible continuaba siendo Molière. 

En el escenario y delante de un decorado que representa una galería porticada, aparecen las figuras de actores vestidos lujosamente, representando sin duda una tragedia francesa, quizás de Racine o Corneille, recitada de forma paroxística, como era habitual.

Watteau es el representante más antiguo y más exquisito del estilo rococó. Realizó escenas galantes y costumbristas. Con él comienza un género nuevo: las fiestas galantes, reflejo de la vida cortesana que busca artificialmente un contacto con la naturaleza.

Bibliografia : https://www.aparences.net/es

Ton Dubbeldam

El pintor holandés Ton Dubbeldam (1957), proviene de una familia artista, su padre es músico y su abuelo pintor. Ton estudió seis años para convertirse en profesor de arte, pero decidió pintar a tiempo completo cuando su obra de arte comenzó a venderse en toda Europa.

Es notable ver en sus obras que combina maravillosamente las técnicas impresionistas y puntillistas, con una cierta atmósfera que le da la sensación de una pintura de paisaje del siglo XVII.  Con uso específico de sombras claras y oscuras, la profundidad, los cielos altos, el desierto y los horizontes lejanos, que no se ven afectados por edificios o árboles.

Ton Dubbeldam utiliza en sus obras un ángulo muy personal, los horizontes se ven muy altos y  el agua y el cielo están fuertemente acentuados. La naturaleza juega un papel principal que se ve principalmente en sus pinturas.

El puntillismo es una técnica artística que consiste en hacer una obra mediante el uso de diminutos puntos. Aparece por primera vez en 1884, encabezada por el pintor neoimpresionista Georges Seurat. Este procedimiento consiste en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre la tela. 

Este movimiento, dentro de las coordenadas del postimpresionismo, parte también de la imagen de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas, pero para ellos serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caractericen la esencia de la pintura.

Gracias a ellos, el puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría de ser la aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos principios del dibujo con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas.

La mente lógica y reflexiva de Ton Dubbeldam, pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no solo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlo. 

En su paleta también utiliza el blanco mezclado con los colores primarios, lo que le permite obtener una multitud de tonos que iban de un color con una ligera presencia de blanco hasta un blanco casi puro. El disco se completaba de manera que los matices puros se concentraban en torno al centro, desde donde iban desvaneciéndose hacia el blanco hasta llegar a la periferia.

Y para terminar, la técnica se basa en la capacidad del ojo y la mente del espectador para combinar las manchas de color en una gama más amplia de tonos. Está relacionado con el divisionismo, una variante más técnica del método. El divisionismo se ocupa de la teoría del color, mientras que el puntillismo se centra más en el estilo específico de pincel utilizado para aplicar la pintura.

Bibliografía : https://www.tondubbeldam.com

El Museo Boijmans Van Beuningen, en Róterdam

El Museo Boijmans Van Beuningen es el principal museo de arte en Róterdam _ los Países Bajos. Se fundó en 1849, cuando el abogado y coleccionista de arte Frans Jacob Otto Boijmans legó su colección a la ciudad de Róterdam. Justo unos cien años más tarde, fue añadida la famosa colección del industrialista Daniël George van Beuningen.

El edifico del museo, inaugurado en 1935 y diseñado especialmente para albergar la colección Boijmans, sigue siendo un monumento emblemático de Róterdam. Hoy en día su singular torre es una característica familiar del paisaje de la ciudad.

A diferencia de muchos otros museos especializados en periodos específicos de la historia, el Museum Boijmans Van Beuningen abarca arte holandés y europeo desde la Alta Edad Media hasta el siglo XXI. Hay varias obras maestras de distintos artistas como el Bosco, Rembrandt, Monet, Van Gogh, Kandinsky, Dalí, Mondrian y Rothko.

Tras una renovación radical y la ampliación de sus instalaciones, el modernizado Museo Boijmans Van Beuningen cuenta ahora con más espacio para el público. Además de una nueva ala, el prestigioso estudio de arquitectos también ha diseñado un hermoso jardín con esculturas, una nueva entrada, una amplia biblioteca, una tienda y una galería para serigrafías.

La relación entre el arte visual y la arquitectura es muy importante El parque Museumpark al lado del Museum Boijmans Van Beuningen, es un espacio excepcionalmente variado, con una frondosa y amplia zona verde, un huerto, una zona asfaltada multicolor para eventos.

En este año 2019 el Museo Boijmans Van Beuningen ha cerrado sus puertas para realizar mantenimientos y reformas de largo plazo. El museo estará cerrado al público durante 7 años. Durante este periodo, podrás ver parte de sus obras en otros museos bajo el título: Boijmans bij de Buren (Boijmans en casa de los vecinos).

                 La pequeña torre de Babel, h. 1563, óleo sobre tabla, 60 cm x 74,5 cm

                                             Museum Boymans-van Beuningen, 

Bibliografia : https://www.holland.com