Jean-Paul Aubé

El escultor francés Jean-Paul Aubé (1837- 1916) estudió en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes en París . Alumno de los profesores Dantan y Duret. En el año 1866 recibió una beca y viajó a Italia, pero su trabajo apenas se vio influenciado por el arte renacentista. Su estilo pertenece al estilo neo rococó.

Retrato del escultor, obra de Paul Gauguin

Expuso su obra en el Salón de París, ganando la medalla de Oro del Salón entre los años 1874 y 1876. En el año 1878 presentó su estatua de mármol Galatea. Se especializó principalmente en la realización de bustos, y como la mayoría de los escultores en monumentos y decoraciones de edificios públicos.

La pintura de bronce obra Jean-Paul Aubé

En sus obras, como la mayoría de los contemporáneos de estilo neo rococó,  nos pide que desterremos de nuestra vida el horror, la enfermedad, la tristeza, la melancolía y todo aquello que nos inquiete. Nos pide, en resumidas cuentas, que ignoremos la realidad.

Expuso su obra en el Salón de París, ganando la medalla de Oro del Salón entre lis años 1874 y 1876. En el de 1878 presentó su estatua de mármol Galatea. Se especializó principalmente en la realización de bustos, y como la mayoría de los escultores en monumentos y decoraciones de edificios públicos.

En sus obras, como la mayoría de estilo neo rococó nos pide que desterremos de nuestra vida el horror, la enfermedad, la tristeza, la melancolía y todo aquello que nos inquiete. Nos pide, en resumidas cuentas, que ignoremos la realidad.

Los materiales preferidos de Aube fueron el bronce y el mármol blanco. Se puede hablar sin embargo, sobre las cualidades del estilo rococó en un trabajo de escultura, debido a las características de informalidad, alegría, preocupación por los asuntos del corazón y una evitación consciente de la seriedad.

Así, en el siglo XVIII se abrió en Francia en un estado de ánimo de reacción contra la formalidad extrema de la corte de Louis XIV, este nuevo espíritu, que se expresa en la academia francesa, en el que puede verse también el naturalismo no forzado de los bustos, aún cuando en ese momento, la escultura sólo podía presumir de ser apenas un medio adaptado para expresar las sutilezas del comportamiento humano.

Dante de bronce del año 1882

Bibliografía : http://www.stillwellhouseantiques.com

La iglesia Memorial de Stanford

La iglesia Memorial de Stanford, más conocida informalmente como MemChu es una iglesia en la Universidad Stanford, ubicada en el centro del campus, en el 450 Serra Mall, Stanford, California _ Estados Unidos.

Está bellamente reconstruida, ya que gran parte de la estructura se perdió durante los terremotos de San Franciscoen 1906 y 1989. Destacan sus coloridos vitrales, mosaicos, y sus hermosos jardines. Su arquitectura es de estilo neorrománico. 

En la fachada, destaca bajo un cielo amarillo, los apóstoles que se acercan a la figura del Cristo con túnicas de todos los colores. En el interior de la iglesia se palpa una mezcla aparente de estilos diferentes. Leland Stanford y su mujer Jane fueron los que lo fundaron el día uno del año 1890, en la hoy prestigiosa Universidad de Stanford. 

Barajaron varias posibilidades, como un museo o una escuela técnica, pero al final se decidieron por una universidad en California (aunque, finalmente, también crearon un museo). 

Al otro lado del prado que presenta a la universidad, continúan las facultades, y en un rincón inesperado está el Cantor Arts Center, un museo con pinturas y esculturas de todos los continentes, en el que las pancartas anuncian la reciente adquisición de un cuadro de Edward Hopper. Con todo, el principal atractivo del museo es la amplia exposición de esculturas de Auguste Rodin. 

En la universidad se encuentra una de las copias de la obra de Auguste Rodin, el grupo escultórico "Los Burgueses de Calais", una de las más famosas esculturas. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calai. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.

Como anécdota, Steve Jobs, deseaba estudiar en esta Universidad, pero no pudo permitírselo. El creador de Apple dio en junio de 2005 un emotivo discurso en la Universidad Stanford, en la ceremonia de graduación, dirigiéndose a cientos de estudiantes dijo para quienes vayan a salir a la vida, a enfrentar sus dificultades y sus maravillosas oportunidades. "Stay hungry, stay foolish" fueron las palabras con las que acabó Jobs su discurso.

Bibliografía : https://www.teknoplof.com

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"La cortesana" obra Vincent Van Gogh

"La cortesana" obra Vincent Van Gogh del año 1887 y con unas dimensiones de 105,5 x 60,5 cm. Actualmente se encuentra en Museo Van Gogh en Amsterdam _ Países Bajos.

Japonaiserie fue el término usado por el pintor holandés del género post-impresionista Vincent van Gogh para referirse a la influencia del arte Japonés en el resto del mundo.

Antes de 1854 el comercio con Japón fue delimitado a un monopolio holandés y los productos japoneses importados a Europa eran en su mayoría de porcelana y laca. La Convención de Kanagawa marcó un fin para los 200 años de una política exterior japonesa recluida y abrió un vasto comercio entre Japón y Occidente.

Artistas tales como Manet, Degas y Monet, seguidos por Van Gogh, comenzaron a recolectar grabados en madera a color de bajo precio llamados grabados ukiyo-e. Por un tiempo Vincent y su hermano Theo negociaron con estos grabados y eventualmente reunieron cientos de ellos (actualmente conservados en el museo Van Gogh, Ámsterdam).

En una carta dirigida a Theo su remitente Vincent el 5 de junio de 1888 le comentó Sobre nuestra estancia en el sur, aún si es más costoso, Mira, nosotros amamos la pintura japonesa, hemos experimentado su influencia todos los impresionistas tienen eso en común; así que por qué no vamos a Japón, en otras palabras, a lo que es equivalente de Japón, el sur? Sigo creyendo que el futuro de las nuevas artes después de todo es el sur.

El interés de Van Gogh por el arte japonés del grabado ukiyo-e data del tiempo en que vivió en Arnhem donde también se interesó en la teoría del color por Delacroix en la cual se basó para decorar su estudio.

sin embargo pintó el cuadro en Paris y copió la portada usando una trama. Añadió los colores característicos de su estilo post-impresionista, y acabó la obra componiendo la figura de la cortesana sobre un fondo amarillo, y a su vez puso el conjunto sobre otro fondo de cañas de bambú y flores de loto, que en cierto modo remarcaban el exotismo y el orientalismo de la obra.

Durante su siguiente estancia en París, donde el japonismo se había convertido en una moda que influenciaba el trabajo de los impresionistas, el comenzó a coleccionar grabados ukiyo-e y eventualmente comerciar con ellas junto con su hermano Theo. Durante ese periodo el hizo tres copias de estampados ukiyo-e, The Courtesan y los dos estudios después de Hiroshige.

Utagawa Hiroshige fue un pintor japonés. Perteneció a la Escuela Utagawa, una de las más reputadas del estilo ukiyo-e. Hiroshige fue uno de los principales exponentes del paisajismo japonés, llevando esta disciplina a un nivel artístico y de estilo de gran calidad. 

Inspirándose en la portada de la revista Paris Illustré de mayo de 1886, Vincent Van Gogh, que ya era admirador y coleccionista de arte japonés, pintó en 1887 el lienzo “La cortesana”. Hay que añadir que tanto la portada de la revista como el cuadro de Van Gogh están girados (la cortesana mira a la izquierda) mientras que en la obra original mira a la derecha.

Van Gogh admiraba era el dibujo sencillo pero que era capaz de emocionar igualmente, las líneas claras y los colores brillantes. Sin embargo, en el cuadro de La Cortesana, no hay una correspondencia entre el estilo utilizado y esta admiración, a pesar de los colores brillantes, pues los trazos gruesos se alejan de las líneas claras de los grabados japoneses. De todos modos, algunos autores sugieren que el estilo de pintura estriada de Van Gogh a finales de 1887 intentaba imitar el papel crepé de algunas ilustraciones japonesas

Parque de ciruelos en Kameido (1857) by Hiroshige

Floración de un árbol de ciruelo ,1887 obra  Vincent Van Gogh

Ducha repentina sobre el puente, 1857,  obra Hiroshige

El puente en la lluvia (1887) por Vincent Van Gogh

Bibliografía : Hiroshige: Yui, Pico de Satta, bloque de madera a color, British Museum, London

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William Sergeant Kendall

William Sergeant Kendall (1869-1938), nació en Spuyten Duyvil, Nueva York. Pintor estadounidense, más famoso por sus escenas evocadoras de la vida doméstica; su esposa y tres hijas fueron frecuentes en sus creaciones artísticas.

A los 12 años, Kendall comenzó a pintar sus primeros cuadros. Se inscribió en el Brooklyn Art Guild cuando tenía catorce años. No podría haber sido mejor su aprendizaje al encontrar a Thomas Eakins, pintor, fotógrafo, escultor y educador de bellas artes estadounidense, que había comenzado a enseñar el año anterior. Se convirtió en el primer maestro de Kendall y en una gran influencia en su elección del tema. 

Kendall comenzó su entrenamiento en el Brooklyn Art Guild y en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania como alumno de Thomas Eakins. Regresó a la ciudad de Nueva York en 1886 para estudiar en la Art Students League.

En el año 1888 viajó a París para perfeccionar su aprendizaje, incluyendo un período en la École des Beaux-Arts, y continuó pintando, obteniendo reconocimiento en el Salón de París en 1891. Como muchos artistas estadounidenses en Francia, que tantas veces hemos hablado y estudiado sus obras. 

En 1892 regresó a Nueva York y estableció su estudio. Finalmente se quedo en New Haven donde fue profesor y director de la Escuela de Bellas Artes de Yale desde 1913 hasta 1922. 

En el año 1901, fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño como miembro asociado y se convirtió en académico en 1905. Dejó Yale en 1922 y se mudó al condado rural de Bath, Virginia, donde continuó pintando hasta su muerte.

Kendall recibió numerosos premios y galardones a lo largo de su carrera. Aunque principalmente pintó, también modeló y esculpió esculturas a lo largo de su carrera. Podemos ver sus obras en la colección del Museo Metropolitano de Arte, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, el Museo de Bellas Artes de Boston, y el Museo de Arte de Baltimore. 

Sin llegar a ser un impresionista, en sus cuadros se pueden apreciar varias cosas en común con su profesor Thomas Eakins, como la plasmación del instante, que se vea la hora del día, los matices del clima, la época del año… Algo que influyó notablemente en su obra fue la fotografía, que usó tanto como apoyo de su pintura como un arte aparte e igual de importante.

El Museo de Zaragoza

El Museo de Zaragoza es un museo nacional situado en la ciudad de Zaragoza _ España.

Se trata del museo más antiguo de la capital aragonesa y la sede principal (que alberga las secciones de arqueología y bellas artes). Está ubicado en un edificio neorrenacentista construido para la Exposición Hispano-Francesa de 1908 por los arquitectos Ricardo Magdalena y Julio Bravo. Su diseño está inspirado en el Patio de la Infanta, de la que fue casa del rico comerciante y mecenas del renacimiento aragonés Gabriel Zaporta.

En la galería central de la fachada del Museo Provincial encontramos representadas las alegorías femeninas de la escultura, pintura y arquitectura esculpidas por Carlos Palao. Todas ellas son de ejecución clasicista y académica. 

Carlos Palao ( !857 -1934)

Carlos Palao y Ortubia  fue un escultor formado en el taller de su padre Antonio, amplió sus conocimientos con estancias en Madrid, Paris y Roma. Fue profesor de dibujo de la Escuela de Artes Industriales y director del propio Museo de Zaragoza entre los años 1888 y 1914. Utilizó un lenguaje historicista basado en el Renacimiento y participó en obras de restauración monumental, como la fachada de la iglesia de Santa Engracia el  tema que nos ocupa hoy.

En los laterales se encuentran la Arqueología el Comercio, esculpidas por Dionisio Lasuén. Ambas son representadas como matronas romanas. La Arqueología lleva en la mano derecha una estaquilla de diosa egipcia y en la izquierda un libro. El Comercio lleva en su mano izquierda una antorcha, atributo de esta alegoría y sobre el halda una rama de olivo símbolo de la paz y el progreso.

En el Museo de Zaragoza se conservan y exhiben los tres modellinos en escayola que fueron el punto de partida, con pequeñas diferencias, de las grandes esculturas (unos 2,50 m) que Palao talló en piedra para la fachada principal del museo. Las tres alegorías de las Artes responden a un gusto por lo clásico como corresponde a un museo de la época y a la personalidad artística de Carlos Palao.

La personificación de la Arquitectura es la más compleja iconográficamente, se ubica en el centro del grupo. Esta figura posee una serie de distintivos que se refieren a diferentes épocas y culturas. Así, en la cabeza porta un tocado del antiguo Egipto y las dos columnas con sus respectivos capiteles refieren a las etapas de la Historia del Arte. Porta ante su pecho un relieve en el que aparece representado el Partenón y bajo él un arco de medio punto en referencia a la arquitectura romana.

El ingreso al Museo se realiza a través de un espacioso vestíbulo con columnas de tipo corintio que se abre a un gran patio central presidido por el busto de Goya (Burriel, 1927), en cuyas crujías se han expuesto piezas lapidarias ordenadas desde el siglo XI al XIX. La planta principal se comunica con el patio a través de una bellísima galería de ventanales de arco.

Se abrió al público en 1911. Después de la importante remodelación de 1974-76, el Museo quedó estructurado en tres plantas.

El edificio adopta el esquema ideal del palacio aragonés renacentista, formando parte de la corriente historicista o eclecticismo de corte regional. El edificio del Museo, situado en el eje central de la Plaza de los Sitios, se concibe como un Palacio de las Artes que adopta el esquema ideal del palacio renacentista aragonés, así como algunos de sus elementos más característicos como la construcción en ladrillo cara vista, la organización de sus dos pisos en torno al patio interior y sus crujías, la utilización de columnas anilladas, el resalte de las esquinas a través de pequeñas torres o el uso de aleros de madera coronando la fachadas.

Bibliografía : http://www.museodezaragoza.es

                     https://www.findagrave.com

                     http://www.patrimonioculturaldearagon.es

"Los Comediantes Italianos" obra de Jean-Antoine Watteau

"Los Comediantes Italianos" obra de Jean-Antoine Watteau (1684–1721) del año 1720. y con unas dimensiones 128.9 x 93.3 cm. Actualmente se encuentra en J. Paul Getty Museum en Los Ángeles, California _ Estados Unidos.

Watteau es el representante más antiguo y más exquisito del estilo rococó. Realizó escenas galantes y costumbristas. En los cinco últimos años de su vida pintó numerosas fiestas galantes con una composición que se repite en varias de ellas.

Parte el cuadro en dos mitades: una de vegetación oscura en la que están los personajes vestidos con colores claros, y otra de celaje claro. Virtuoso técnico y muy buen dibujante, domina en él una ejecución minuciosa. 

Aplicaba los colores muy diluidos en capas de extrema delgadez, lo que permite numerosas transparencias. El barniz se aplicaba transparente o ligeramente coloreado, y a veces entre capas de pintura, recurso propio de la época. 

Esta técnica complica actualmente la limpieza de los cuadros y puede explicar la mala conservación de muchos de ellos, bastante agrietados y oscurecidos. Algunos expertos llegan a afirmar que el arte de Watteau se aprecia mejor en sus numerosos dibujos, que subsisten en mejor estado y que solía reproducir con leves variaciones en muchas pinturas.

 "Los Comediantes Italianos" ha permanecido en colecciones privadas desde el siglo XVIII y no ha sido expuesta públicamente desde 1929. En los últimos tres siglos, las opiniones sobre su atribución han fluctuado. Hasta finales del siglo XIX, el cuadro fue atribuido a Watteau. Se atribuyó posteriormente a un alumno de Watteau, Jean-Baptiste Pater y, posteriormente, a un pintor anónimo del círculo de Watteau. A pesar de que la atribución ha cambiado con el tiempo, la obra de arte siempre ha sido elogiada por su brillante composición y el poder emocional y psicológico asociado con las profundas representaciones de Watteau de los comediantes italianos.

Aunque no todos los expertos están de acuerdo sobre la atribución, todos ellos coinciden en que el lienzo está brillantemente concebido, es emocionalmente convincente, excelentemente pintado por un artista en el cénit de su carrera.

La presencia enigmática del payaso, del excéntrico, siempre acosado, solitario e incomprendido, atormentaba la imaginación de Watteau que tal vez se identificaba con él. Si se observan atentamente sus cuadros, se descubre en ellos una nostalgia, una profunda melancolía que se insinúa hasta en las escenas aparentemente más superficiales.

En París existía todo un abanico de géneros dramáticos representados por compañías especializadas: la tragedia y la comedia francesa, el teatro italiano surgido de la Comedia del Arte, el ballet y la pastoral, y, finalmente, la ópera que agrupa el teatro, la música y la danza. 

Bibliografía : https://www.aparences.net
                      http://www.theartwolf.com