jueves, 13 de junio de 2019

La a Venus, de Prerrafaelitas Edward Burne-Jones

La a Venus, obra de Prerrafaelita Edward Burne-Jones, (1833-1898) del año 1875 y con unas dimensiones de 47 x 71cm. Actualmente se encuentra en la colección de Laing Art Gallery en Newcastle upon Tyne _ Inglaterra.


La obra es un himno al poder del auténtico amor, por el que el pintor se sintió siempre subyugado, se inspiró en la leyenda germana de Tannhäuser, que recreara su amigo, el poeta inglés Swimburne.   el poeta y el caballero errante que había descubierto el reino secreto de venus.


Se pone de manifiesto el interés incansable del prerrafaelismo y sus simpatizantes por las leyendas de la Edad Media Europea. Estilísticamente hablando el artista escoge colores muy intensos para la obra.


Aquel fue un personaje de leyenda que como caballero cristiano errante se decía había descubierto el reino secreto de Venus y que al cabo de un año con ella la abandonó por remordimiento. 


Burne-Jones se detiene en el momento en que la diosa languidece de amor porque ha sido abandonada por su amante. Su corona está sobre sus piernas y ni sus antiguas victorias representadas en los tapices del fondo ni el canto de sus doncellas son capaces de hacerla olvidar la pérdida de su amante. 


Burne-Jones era consciente de los defectos de su formación como pintor autodidacta pues, a parte de unas pocas lecciones con Rossetti en técnicas como la tinta y la acuarela, no recibió más rudimentos artísticos. Por eso, en sus cuatro viajes que realizó a Italia entre 1859 y 1877 se esforzó por empaparse de la técnica al óleo de los pintores renacentistas. 


Se sabe que copió obras de de los maestros venecianos Carpaccio, Tiziano y Giorgioney de los florentinos Ghirlandaio, Botticelli y Lippi, lo que se aprecia en los modelos humanos. Y muy grande es la deuda con Mantegna en los paisajes misteriosos y el detallismo arqueológico y con Miguel Ángel en el desnudo. Además, de Italia trae gran cantidad de temas y personajes del arte clásico que reelaborará en sus propias obras.


Burne-Jones dedicaba mucho tiempo a finalizar sus cuadros. Realizaba numerosos estudios preparatorios y dibujos de cada una de las figuras que realizaba y luego las pintaba. 


Con frecuencia dejaba un cuadro y lo retomaba años más tarde, lo que hace que a veces sea difícil datar con exactitud sus trabajos y haya que enmarcarlos en un periodo amplio. Burne-Jones nació en Birmingham en 1833. Su vocación artística se despertó cuando acudió a estudiar Teología a Oxford en 1853. Allí hizo amistad con William Morris y juntos se apasionaron por la literatura, la historia medieval y el arte.


Fue uno de los primeros artistas en romper con el tamaño y el formato convencional de los óleos. Le fascinaban las composiciones en donde predominaban las líneas rectas, lo que acentuaba con los elementos arquitectónicos, las cortinas y los vestidos. Sus formatos podían ser muy apaisados o exageradamente estrechos y verticales.


Su obra tuvo considerable influencia sobre los simbolistas franceses, y las mujeres de etérea belleza que pueblan sus cuadros, al igual que los tipos más sensuales de Rossetti, tuvieron una considerable descendencia a finales de siglo en todos los pintores esteticistas como Alma-Tadema. El colorido que trabaja suele ser un tono suave y un dibujo lineal compartiendo la técnica con el Art Nouveau.



Bibliografía : http://artiumres.blogspot.com









lunes, 10 de junio de 2019

El museo del cristal y la cerámica de Teherán _ Iran.


El museo del cristal y la cerámica de Teherán _ Iran fue reformado en el año 1977 por el arquitecto austriaco Hans Hollein. Lo convirtió en el Museo del cristal y la cerámica de la ciudad. Hollein intentó alterar el mínimo posible el edificio para que se conserve como monumento cultural, y puso un especial énfasis en la iluminación, clave para la exhibición de los objetos.


Es un singular edificio de finales del siglo XIX, está decorado en un estilo tradicional, con baldosas grandes. Dobles ventanas se han utilizado en la arquitectura del edificio y se han instalado puertas de madera detrás de los vidrios de las ventanas con el fin de regular la luz y la temperatura del interior del edificio.


El exterior y el interior del museo comprenden decoraciones realizadas en ladrillo, en yeso, y con incrustaciones de espejo. Cerca de 50 tipos de ladrillos en varios diseños y con diferentes patrones geométricos y florales se han utilizado en el exterior del edificio y son una reminiscencia de las bellas artes de la época Selyúcida (El Imperio selyúcida fue un estado turco y se extendió por los actuales Irán y Anatolia entre los siglos XI y XIII).


El edificio está situado en un jardín con una extensión de 7.000 metros cuadrados y fue utilizado por Qavam (anterior propitario) como residencia hasta el año 1953.

Más tarde, el edificio se vendió a los egipcios para los nuevos locales de la embajada de Egipto y se mantuvo en su poder durante siete años. 



Cuando las relaciones entre Irán y Egipto se tensaron, en la época de Abdul Nasser y posteriormente al cierre de la embajada egipcia en Irán, el Banco Comercial compró el edificio.

Sin embargo, fue vendido a la oficina de la Emperatriz Farah Pahlavi en 1976 y se convirtió en un museo.



El museo fue inaugurado en 1980 y fue registrado en la lista del patrimonio nacional en 1998. La sede central del museo, que ocupa una superficie de 1.040 metros cuadrados es un edificio octogonal de dos pisos con columnas de suspensión.


El estilo arquitectónico del edificio es una combinación del estilo tradicional de Irán y la arquitectura europea del siglo XlX. La primera planta está comunicada con la segunda a través de una escalera de madera de estilo ruso.


Las obras de yeso del interior pertenecen a dos períodos:

A) Las que datan de la época de la construcción del edificio (Qavam-ol-Saltaneh) que se pueden ver en algunas partes del hall de entrada y algunas otras salas.


B) Las que se hicieron en el momento en que el edificio fue convertido en embajada egipcia y que se pueden ver en las salas de Mina y Bolour, así como en el sótano.









La colección de cristal y cerámica que se exhibe en el museo es uno de las colecciones raras en Irán. Se compone de cerámicas que se remontan al cuarto milenio a. C. hasta ahora, así como obras de cristal desde el primero milenio a. C. hasta la era contemporánea. Las obras de cristal europeas que pertenecen a los siglos XVIII y XIX también forman un parte de la colección. La colección se exhibe en seis salas y dos salas de entrada en secciones separadas que representan épocas y temas históricos diferentes.


Bibliografía : http://www.amigosmava.org










jueves, 6 de junio de 2019

"Vieja friendo huevos" obra de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

"Vieja friendo huevos" obra de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez del año 1618 y con unas dimensiones de 100,5 cm × 119,5 cm. Actualmente desde el año 1955 se encuentra  en la Galería nacional de Escocia, en Edimburgo _ Inglaterra. 


Velázquez, con 19 años, nos presenta «El bodegón».Una cocina iluminada con fondo en penumbra (ahí no se puede negar la influencia de Caravaggio en el sevillano…) y dos figuras de clase popular (joven y vieja, muy distinto de reyes y dioses que pintaría después), pero sobre todo una sucesión de objetos que maravillan en su singularidad.


Su gran calidad como pintor se manifestó ya en sus primeras obras bodegones y una técnica totalmente ajenos a cuanto se hacía en Sevilla, opuestos además a los modelos y preceptos teóricos de su maestro, quien no obstante iba a hacer, a raíz de ellos, una defensa del género pictórico del bodegón.


Naturalismo, colorido y fuerte influencia del dibujo serán las bases sobre las que se asiente esta primera fase. A ello se adecuaba excelentemente el uso de los tipos populares y de los objetos cotidianos, que se verán abundantemente en estas primeras obras. Tradicionalmente la obra sevillana del genial pintor se suele clasiificar en tres secciones básicas, retratos, pintura religiosa y pintura de género.


Cada objeto del cuadro tiene sus distintas texturas, matices y esencias… Cada una su vida propia. El genio de la pintura tiene incluso el detalle de distorsionar un poco la perspectiva para que veamos lo que hay sobre la mesa (y eso en el barroco no era lo habitual precisamente).


La mayoría de los investigadores apuntan el año 1618 como el de su creación ya que el lienzo aparece fechado aunque los dos últimos dígitos presentan una difícil lectura. Para muchos esta obra, junto con la del aguador, representa la cumbre del periodo sevillano de Velázquez. El profesor Brown llega incluso a decir que "es la primera entre las pinturas de género, que puede ser llamada obra maestra".


Por lo que se refiere al modelo utilizado por el maestro para la vieja, todos los autores siguen la propuesta del propio Camón quien señala el parecido de esta con la anciana del supuesto retrato de Francisco Pacheco y su esposa María del Páramo que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.


En sus cuadros una fuerte luz dirigida acentúa los volúmenes y objetos sencillos que aparecen destacados en primer plano. Se consideran obras maestras de esta época la Vieja friendo huevos de 1618 y El aguador de Sevilla realizada hacia 1620.


Muestra su maestría como acabo de mencionar en la hilera de objetos de primera fila mediante una luz fuerte e intensa que destaca superficies y texturas. Esta etapa se caracteriza por el predominio de la técnica tenebrista, destacando en primer plano figuras fuertemente iluminadas sobre un fondo oscuro. Utilizaba un color espeso que recubría totalmente el lienzo.




Bibliografía : https://historia-arte.com
                     https://www.iaph.es

lunes, 3 de junio de 2019

Santa Maria della Scala en Siena _ Italia

Santa Maria della Scala en su día fue hospital en la ciudad de Siena _ Italia. Actualmente alberga un complejo museístico de una variedad de museos muy interesante. Situado frente a la catedral de Siena, es uno de los hospitales más antiguos de Europa. La rehabilitación pone al servicio de la ciudad más de 20.000 m2 de superficie que pasan de hospital a museo y centro cultural.


Sus inicios datan del siglo IX Estaba dedicado a los ciudadanos, pero con especial atención a los pobres, a los niños abandonados y a los peregrinos que se acercaban hasta el Duomo, normalmente de paso, camino a Roma. 


En los años 1330 se encargaron hermosos frescos y obras de arte en su interior, muchos de los cuales aún se pueden ver hoy en día.

Este vasto edificio consta de cinco plantas, cuatro de las cuales están abiertas al público y contiene varios museos. Aprenda todo sobre los aspectos artísticos, históricos y culturales de Siena, inmortalizadas en estos fascinantes museos.


Al entrar, uno de los primeros frescos que se puede observar es "Reunión" en la Porta Andrea, obra de Domenico Beccafumi, del siglo XVI, conocido por su gran colorido. Un poco más adelante, a la izquierda, tienes la Sala del Pellegrinaio, donde estaban las camas de los pacientes hasta hace pocos años, cuyas paredes se pintaron con estupendos frescos a mediados del siglo XV. Muchos de ellos, probablemente los más ricos y llenos de detalle, son obra de Domenico di Bartolo.


En su decoración participaron los más importantes artistas y escultores sieneses, convirtiendo al hospital en un monumento artístico de primer orden, el tercero en importancia de la ciudad después del Duomo y del Palazzo Civico. Lamentablemente, sólo se conserva una pequeña parte de sus riquezas artísticas, con muchas pinturas en tabla dispersas por museos de todo el mundo y la pérdida de gran parte de su decoración mural.


Uno de los últimos museos incorporados a este deslumbrante complejo, ha sido el museo arqueológico. Aunque pequeño, exhibe piezas poco conocidas de la civilización etrusca, como bronces, urnas funerarias de terracota y alabastro y excelentes jarrones bucchero, un tipo de cerámica negra típica etrusca.



Otro punto de interés es la adosada al lado de la Epístola de la iglesia está la Cappella della Madonna, levantada hacia 1680 por deseo de sor Elisabetta Biagini en el lugar donde antes estuvo una antigua capilla dedicada a san Joaquín y santa Ana. Está decorada con tres pinturas con marcos de estuco realizadas por Giuseppe Nicola Nasini y su hijo Apollonio con la Natividad de María, la Presentación en el templo y la Huida a Egipto.







Bibliogarfía : http://viajarconelarte.blogspot.com
                     https://www.tuscany-villas.es
                     https://e-struc.com