El techo de La Ópera Garnier, obra de Marc Chagalle, fue abierto al público el 23 de septiembre de 1964 y sobre una superficie de 220 m². Se encuentra en París _ Francia.

Chagall invirtió un año en la realización de esta grandiosa obra, que puede considerarse como una auténtica sublimación de la personalidad del artista. El techo de la Ópera Garnier se caracteriza por sus luminosos colores y toda una profusión de detalles. 

Al observarlo más de cerca, hay personajes alados e instrumentos musicales, así como edificios y monumentos emblemáticos de París, como el Arco del Triunfo. En un análisis más detallado, descubrirá también al propio Chagall o incluso a André Malraux, quien fue el responsable del encargo de este fresco de dimensiones monumentales al artista.

En su conjunto, el techo de la Ópera Garnier rinde homenaje a 14 grandes compositores de ópera y música lírica, así como sus obras. Con esta obra, Marc Chagall, asistido por Roland Bierge, Paul Versteeg y Jules Paschal, supo hacer historia en el ámbito de las artes y de París, toda una hazaña, si consideramos su avanzada edad, pues cuando Chagall emprendió la obra del techo de la Ópera Garnier tenía 77 años. Y lo hizo de forma totalmente desinteresada: entusiasmado con la magnitud de la empresa y alentado por la impronta que esta dejaría en el mundo, Chagall no cobró ni un solo céntimo por su obra.

La obra que ocupaba este espacio antes de 1964 respondía a cánones más clásicos. La antigua composición, titulada Les muses et les heures du jour et de la nuit, fue llevada a cabo en 1872 obra de Jules-Eugène Lenepveu, pintor de corte más bien convencional.

Aquí debemos mencionar que la obra original de Eugène Lenepveu no ha sido destruida: el techo pintado por Chagall se superpone a la obra original, mediante el uso de unos paneles de poliéster que pueden desmontarse fácilmente.

He aquí un buen ejemplo de conservación del patrimonio histórico en un edificio que ha sabido reinventarse y cambiar de aires sin renunciar, por ello, a su pasado.

Chagall comenzó a aproximarse a esta obra con bocetos en pastel del tamaño de un plato. Los dibujos definitivos se trasladaron a lienzo en la manufactura de tapices de París. Los soportes del cuadro, extendido sobre el suelo, se llevaron a un entramado de plástico que se colocó unos centímetros por debajo del fresco de Lenepveu.

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El día de la inauguración, la gran araña de cristal permaneció al principio apagada. Al sonar la “Marcha de los troyanos” de Héctor Berliotz, salió a escena todo el conjunto de ballet. A continuación, la orquestra de la Ópera tocó en honor a Chagall el final de la “Sinfonía Júpiter” de Mozart. 

Con los últimos compases se encendió la araña en todo su esplendor, despertando a la vida el cuadro de vivos colores. El público irrumpió en aplausos. El broche de oro de la gala lo puso el ballet Dafnis y Cloe”, de Michel Fokine y vestuario y decorados diseñados por el propio Chagall.

Bibliografía : https://www.pariscityvision.com

                     https://hebearte.wordpress.com

El Palacete Cinese en Palermo _ Italia

La Palazzina Cinese, también llamada Casina Cinese, es una antigua residencia real de los Borbones de las Dos Sicilias situada en Palermo _ Italia. Se trata de un edificio que combina influencias neoclásicas y exóticas chinas. Destaca el acabado del cuerpo central en forma de pagoda china apoyado sobre un volumen octogonal. En el piso más bajo se encuentran varias arcadas de arco apuntado. A los lados se encuentran dos torres que contienen escaleras de caracol. 

Fue construida por Giuseppe Venanzio Marvuglia a partir de 1799 por encargo de Fernando I de las Dos Sicilias. Giuseppe Venanzio Marvuglia (Palermo, 1729 - 1814) fue un arquitecto siciliano del período barroco.

El edificio, construido por encargo del barón siciliano Benedetto Lombardo della Scala, fue vendido al rey Ferdinando IV de Nápoles (y Ferdinando III de Sicilia) cuando éste debió huir con su esposa y séquito en 1798 al proclamarse la República Partenopea con el apoyo de la Revolución francesa, declarado enemigo de los Borbones de toda Europa. 

Los apartamentos están distribuidos en tres plantas. En el sótano se encuentra la sala de baile y la salita de las audiencias, decoradas ambas por Giuseppe Velasquez. Se sube a la primera planta a través de una escalera externa, y allí se encuentran el salón de las recepciones, de estilo chino, con paneles de paño pintados también por Riolo; el comedor con la ingeniosa «tabla matemática» de Marvuglia; y el dormitorio del rey, con la bóveda pintada en estilo chino por Codardi y Velasquez.

En el piso más bajo se encuentran varias arcadas de arco apuntado. A los lados se encuentran dos torres que contienen escaleras de caracol. El interior está repartido en tres plantas, en el sótano se encuentran el salón y la sala de audiencias, en el piso del medio se encuentra una sala de recepción de estilo chino, el dormitorio del rey y el comedor, mientras que en el último están las habitaciones de la reina y dos habitaciones de recepción.

En estilo ecléctico y oriental fue retocada por el mismo Marvuglia al pasar a manos del rey Ferdinando agregándole una entrada con columnas y un pórtico rematado en forma de pagoda. 

En la segunda planta se encontraba el apartamento de la reina María Carolina con dos salitas de recepción y el dormitorio con el vestidor.​ En la última planta se encuentra una gran terraza de forma octogonal cubierta como una pagoda y con el techo decorado por Silvestri.

En 1800 se realizó el jardín en la parte trasera y Giuseppe Patricolo supervisó el «templete chino». G. Durante se encargó de la «flora a la italiana», de los estanques de mármol blanco y de las cuevas naturales de estilo chino que se encuentran en el jardín. Entre 1800 y 1806 se realizaron los dos pabellones de los cazadores reales.

Bibliografía : https://www.emol.com/noticias

                     

"Condesa de Haussonville" obra de Jean-Auguste-Dominique Ingres

"Condesa de Haussonville", obra de Jean-Auguste-Dominique Ingres del año 1845 y con unas dimensiones de 132 x 92 cm. Actualmente se encuentra en The Frick Collection en Manhattan, Nueva York _ Estados Unidos.

La modelo, Pauline de Broglie (1818-1882), era miembro de la rica Casa de Broglie. Ingres realizó un retrato de ella entre 1851 y 1853, conocido como la Princesa de Broglie. Paulinen se convirtió con posterioridad en escritora, ensayista y biógrafa, publicando novelas históricas románticas basadas en las vidas de Lord Byron, Robert Emmet y Margarita de Valois.

La “modelo” está colocada delante de un espejo para dar mayor amplitud a este bonito cuadro. Es un cuadro muy detallado y con mucha precisión, ya que en las esquinas de las paredes hay una cenefa, en el reflejo del espejo situado tras ella se puede ver el moño trenzado y adornado con una cinta roja formando un lazo el cual forma un peinado simple y al mismo tiempo elegante, también podemos apreciar hasta la costura del vestido azul cielo metalizado y con mucho vuelo que lleva puesto.

En nuestra opinión podemos decir que es un cuadro sencillo pero gracias a sus pequeños detalles se puede decir que es un cuadro bastante elaborado y por eso lo hemos escogido, ya que nos llama la atención que un cuadro que a simple vista parece muy sencillo, al apreciarlo bien, nos damos cuenta de lo elaborado que está.

La pintura constituye uno de los pocos retratos cuya comisión fue aceptada por Ingres, puesto que el artista estaba más interesado en la pintura de temática neoclásica, si bien, para frustración del pintor, dichas obras no resultaban tan lucrativas como los retratos. 

Ingres realizó un estudio preparatorio del cuadro, empezando a pintar el lienzo dos años después, si bien tuvo que abandonar el encargo cuando Pauline se quedó encinta de su tercer hijo y no pudo posar para el retrato los largos periodos que el mismo requería, llegando la propia condesa a encontrar el cuadro indeterminable y "aburrido".

La pintura permaneció en poder de la familia Broglie por ochenta años, siendo expuesta al público en algunas ocasiones. Su primera exhibición en París en 1846 causó, según el propio Ingres, una "tormenta de aprobación entre su familia y amigos". Tras la muerte de Paul-Gabriel d'Haussonville en 1924, sus descendientes vendieron el cuadro al marchante de arte Georges Wildenstein con el fin de compensar el pago de impuestos estatales. La obra fue posteriormente adquirida en 1927 por la Colección Frick.

Pauline de Broglie tenía alrededor de veintisiete años de edad al momento de la finalización del retrato. Ingres ya había realizado un boceto entre dos y tres años antes con tiza negra a modo de estudio preparatorio. El artista había empezado a pintar una primera versión del lienzo, la cual excluía el espejo y, por consiguiente, cualquier tipo de reflejo, además de mostrar a la modelo en la pose opuesta, siendo esta obra finalmente abandonada.

Ingres, study, 1844

Su estilo es completamente personal mezclando el realismo con el romanticismo además de grandes dosis de pasión por el dibujo. Sea como fuere, lo cierto es que Ingres y su estilo pictórico causaron una gran influencia en los artistas posteriores, trabajó para algunos de los comitentes más destacados de su época y paulatinamente se fue convirtiendo en una figura de referencia.

Bibliografía : Sarah Betzer- Ingres and the Studio: Women, Painting, History.

La villa Vizcaya, un trozo del renacimiento Italiano en Miami

La villa Vizcaya como se conoce en el condado de Miami-Dade _ Estasos Unidos, fue la residencia invernal de James Deering (1916-1925). Un enamorado del arte y de la arquitectura del renacimiento Italiano.  La villa fue abierta en el año 1953 como Museo de Arte del Condado Dade.

El coleccionista James Deering (1859-1925) construyó su sueño a toda prisa entre 1914 y 1916, estratégicamente instalada la construcción frente a la bahía Biscayne en Miami, proyectada por el entonces joven arquitecto Francis Burrall Hoffman (1882-1980).

La decoración fue a cargo del pintor Paul Chalfin (1874-1959). Los dos habían estudiado Bellas Artes en París. Hoffman, cuaderno en mano, dibujó el terreno y anotó las ideas de Chalfin, que realizó en Vizcaya.

Para la Villa Vizcaya había muchas referencias pero la principal inspiración sin duda es la Villa Rezzonico-Borella en Bassano del Grappa (1700-1706), que atesora una rareza, el lienzo El triunfo de la fe de Antonio Canova y unos arcaizantes jardines escultóricos.

Paul Chalfin había hecho su grand tour por Italia y estudiado la técnica del mural, especializándose en arte chino y japonés antiguo; su temprana fama vino por ser un hábil copista de Piranesi, Pontormo y Tiepolo. 

El pintor John Singer Sargent, en el año 1917 visitó la Villa Vizcaya, paseó en el barco, retrató al anfitrión a la acuarela e hizo otras aguadas de la fastuosa residencia y del jardín. Los modelos fueron los trabajadores (los jardines no se terminaron realmente hasta después de la muerte del James Deering).

En la obra participaron artistas importantes como Alexander Stirling Calder (1870-1945), que fue el responsable de la decoración y de las esculturas de la barcaza de piedra; el francés Gaston Lachaise (1882-1935), que ideó los pavorreales de piedra para el Puente de los Pavos; el muralista Robert Winthrop Chanler que pintó al fresco la gruta y fantasía del fondo marino para la piscina de inspiración romana.

James Deering muere a bordo del vapor S. S. Paris regresando de Francia y llevando en las bodegas las últimas adquisiciones para su sueño en la bahía de Biscayne; tenía 65 años.

Ya antes había perdido más obras de arte que había embarcado en el Titanic. La propiedad quedó en manos de su medio hermano Charles (1852-1927), que murió dos años después, pasando el testigo a las dos sobrinas, que la vendieron a la ciudad por un millón de dólares con su contenido íntegro. Ellas apenas usaron la casa.

Entre los lugares destacados de esta, se encuentran la sala de música, una estancia de estilo rococó iluminada por una lámpara de araña multicolor; el cuarto de baño James Deering, con paredes de mármol con remates de plata; y el dormitorio de Cathaym, con una lujosa cama de dosel y una particular decoración con motivos chinos que, por cierto, era muy popular en la Europa del Siglo XVIII.

Bibliografía : https://elpais.com/cultura