"Paseo a orillas del mar", obra Joaquín Sorolla

"Paseo a orillas del mar", obra del pintor valenciano Joaquín Sorolla, del año 1909 y con unas dimensiones de 205 cm × 200 cm. Se encuentra en Museo Sorolla en Madrid _ España.

Paseo a orillas del mar es uno de los cuadros más famosos realizados por Sorolla, adscrito al periodos del luminismo. En él aparecen representadas su mujer, Clotilde García, la cual sostiene una sombrilla, junto a su hija mayor, María Clotilde, caminando al atardecer por la playa de Valencia mientras la brisa marina hace ondear sus ropas.

María Clotilde, hija del Pintor

Su uso del blanco como uno de los colores protagonistas, ha logrado hacer que sus obras tengan una luminosidad inigualable y una marca propia que lo distingue fácilmente de sus pares.

El más importante aporte de Sorolla fue la pincelada fluida y el colorido con el que desarrolló un auténtico estilo vanguardista, tintado de las inquietudes culturales y filosóficas de la época.

En este cuadro se aprecia en todo su esplendor la especial capacidad de artista para plasmar rayos solares reflejados sobre telas blancas.

El artista presenta una escena agradable con un gran detallismo; ambas mujeres están representadas con gran elegancia. 

                                                                                                                                                                                                                     

                                                                                                                                            

La más rezagada es la mujer del artista, ataviada con un bonito y veraniego vestido blanco el velo de su gran sombrero oculta su rostro mientras con la mano trata de apartarlo, con la otra mano sostiene una sombrilla también blanca que parece fundirse con el vestido. Mientras la hija mayor del artista, también con un vestido blanco, tiene el rostro más despejado. Su mirada parece fruncida a causa del sol y no presta demasiada importancia al espectador; en la mano sostiene su sombrero mientras la cola del vestido ondea a causa del viento.

En realidad la escena tan solo es una disculpa más para retratar el paisaje mediterráneo: el colorismo agradable basado el azules, ocres y blancos, la incidencia de los efectos lumínicos en cada rincón, el detallismo con el que trata cada uno de los aspectos de la composición hacen de ésta una de las mejores obras del valenciano.

El pintor Joaquín Sorolla obra José Jiménez Aranda,1901

El éxito de la pintura del artista valenciano se basó en su capacidad cromática, en su forma de recurrir y usar el color. "Como todos los grandes pintores de la historia, el color en Sorolla es extraordinariamente personal, con una paleta inconfundible". Este sentido del color "lo pone al servicio de la descripción verídica, la realidad que le rodea. Lleva la tradición de la pintura al aire libre a su punto máximo".

Valencia le nombró hijo predilecto y meritorio, dándole una calle en su nombre. En 1905 inició el proyecto de la casa Sorolla en Madrid, convertida en la actualidad en un museo, donde se puede disfrutar de la exposición de gran parte de sus obras. Esto fue gracias al poder adquisitivo que tenía, fruto de la importancia que tenía su obra tanto dentro como fuera de España.

Bibliografía : https://www.todocuadros.es

                       https://www.levante-emv.com

El Archiginnasio de Bolonia

El Archiginnasio de Bolonia es uno de los palacios más importantes del la ciudad de Bolonia _ Italia. Fue sede de la antigua Universidad y actualmente es la Biblioteca Comunal del Archiginnasio.

La construcción del Archiginnasio fue comisionada por el papa Pío IV por medio del Carlos Borromeo y Pier Donato Cesi que encargaron el proyecto a Antonio Morandi, que terminó los trabajos de construcción entre los años de 1562 a 1563. El Archiginnasio fue sede del Studium boloñés y tiene una rica variedad de historia y obras de arte.

El palacio está estructurado en dos niveles con un pórtico anterior y patio interno que engloba la ex iglesia de Santa Maria dei Bulgari. El nivel superior contenía las salas de estudio de los legisti (estudiantes de derecho) y los artisti (estudiantes de otras materias): sus respectivas aulas magnas son la Sala dello Stabat Mater y la Sala de Lectura de la actual Biblioteca Comunal.

La biblioteca del Archiginnasio, en Bolonia, cuyas paredes decoradas con escudos invitan más a mirarlas que a fijar la vista en los libros. La explicación es que el Archiginnasio no fue siempre una biblioteca.

Como acabo de mencionar durante mucho tiempo fue la sede de la Universidad de Bolonia, la más antigua de Europa, fue finalizado en 1563 para convertirse en la primera sede unificada de la universidad, que hasta entonces se hallaba dispersa por materias en varios lugares de la ciudad, y conservó esta función hasta 1803.

El más impresionante legado de esta época son los cerca de 7.000 escudos heráldicos de los estudiantes, que decoran casi todas las paredes del Archiginnasio: aulas, escaleras y pasillos; prácticamente no hay un lugar vacío. La más impresionante es seguramente la Salla dello Stabat Mater, la antigua aula magna de los legisti (los estudiantes de derecho).

Los alumnos de otras materias (los artisti), por su parte, tenían su aula magna en la actual sala de lectura, reservada a los usuarios de la biblioteca.

En el primer piso se encuentra el Teatro Anatómico, usado en los tiempos de la universidad como sala de estudio de anatomía. A diferencia de las otras salas, sus paredes no están repletas de escudos, esta construida en madero de abeto, el cielo recubierto de casetones desde varios nichos se puede ver estatuas de los grandes médicos de la Antigüedad que miraban a los estudiantes.

El Archiginnasio se encuentra muy cerca de la Piazza Maggiore, el corazón del centro histórico de Bolonia, donde se encuentra también la Fuente de Neptuno y la Basílica de San Petronio.

Bibliografía : https://finitores.wordpress.com

Los Naranjos obra de Gustave Caillebotte

Los Naranjos obra de Gustave Caillebotte, del año 1878 y con unas dimensiones de 116 x 154 cm. Actualmente se encuentra en The Museum of Fine Arts en Houston _ Estados Unidos.

En 1881, Caillebotte adquirió una propiedad en Petit-Gennevilliers, a orillas del Sena, cerca de Argenteuil, y se mudó allí permanentemente hasta 1888. Dejó de mostrar su trabajo a los 34 años y se dedicó a la jardinería ya la construcción y carreras de yates. Pasó mucho tiempo con su hermano Marcial y su amigo Auguste Renoir a menudo se quedó en Petit-Gennevilliers, y se dedicó a discusiones de gran alcance sobre el arte, la política, la literatura y la filosofía. 

La reputación de Caillebotte como pintor fue eclipsada por su reconocimiento como un partidario de las artes Setenta años después de su muerte, sin embargo, los historiadores de arte comenzaron a reevaluar sus contribuciones artísticas. 

Su arte fue olvidado en gran medida hasta los años 1950, cuando sus descendientes comenzaron a vender la colección de la familia. En 1964, el Instituto de Arte de Chicago adquirió la calle de París ; Día de la lluvia, estimulando el interés americano en él En los años 70, sus trabajos estaban siendo exhibidos otra vez y revaluados críticamente.

El considerable subsidio de Caillebotte, junto con la herencia que recibió después de la muerte de su padre en 1874 y su madre en 1878, le permitió pintar sin la presión de vender su obra. También le permitió ayudar a financiar exposiciones impresionistas y apoyar a sus compañeros artistas y Amigos (Claude Monet, Auguste Renoir y Camille Pissarro entre otros) comprando sus obras y, al menos en el caso de Monet, pagando el alquiler de sus estudios.

Las pinturas de Gustave Caillebotte se consideran de un estilo único, muy próximo al impresionista. La temperatura de los colores casi siempre está en el límite entre cálido y frío, normalmente da la sensación de ambiente helado, atravesado por rayos solares.

Sus composiciones muchas veces ofrecen un punto de vista diferente, ya sea por la temática o la perspectiva misma de las figuras, donde el punto de observación es irreal e intimo a la vez, producto de la imaginación del artista.

Caillebotte murió de congestión pulmonar mientras trabajaba en su jardín en Petit-Gennevilliers en 1894 a la edad de 45 años. Fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise en París.

Bibliografía : https://www.blogger.com

Pha That Luang _ Vientián

Pha That Luang es una estupa budista recubierta con oro situada en el centro de Vientián _Laos. Se trata de una enorme estupa dorada construida en el año 1566. Su color dorado no es pintura sino que está literalmente cubierta de oro. Es considerada el monumento más importante de Laos y un símbolo nacional.

Parque Saysettha - Pha That Luang _Vientian 

Pha That Luang es una gigantesca estupa budista de 45 metros de altura y 69 de anchura construida en forma piramidal y rodeada a su vez por 30 pequeñas estupas. El complejo donde se levanta el templo Pha That Luang está rodeado por un claustro de 85 metros de largo, claustro que alberga distintas estátuas de Buda y pinturas.

Un estupa es un tipo de arquitectura budista y yaina hecha para contener reliquias, que deriva probablemente de los antiguos túmulos funerarios. Se encuentra extendida por todo el sudeste asiático. 

Esculturas en Pha That Luang

El Templo Pha That Luang, cuya traducción literal significa Gran estupa dorada es un monumento construido en el año 1566, como acabo de mencionar, por mandato del Rey Setthathirat, sobre los restos de un antiguo templo hinduista del siglo III. Dicho templo hinduista fue construido por la civilización Jemer ( Khmer). 

La capital de Laos antiguamente era la ciudad de Luang Prabang (Xiengthong), tras la victoria sobre los ejércitos Birmanos, el Rey Setthathirat ordenó trasladar la capital desde Luang Prabang hasta Vientiane por razones puramente estratégicas. Al llegar a Vientiane el rey ordenó la construcción de palacios, templos y monumentos, entre ellos el templo Pha That Luang cuya finalidad era hacer sombra a la Gran Estupa de Chiang Mai. La gran estupa dorada Pha That Luang de Vientián tardó 6 años en construirse.

El orgullo de la ciudad de Vientiane y el símbolo nacional, la estupa Pha That Luang, ha sido saqueada y destruida en varias ocasiones, es más, cada vez que la ciudad de Vientian era invadida la estupa Pha That Luang siempre era el objetivo principal de los ataques y también uno de los lugares donde más se sufría el pillaje.

En el año 1828, durante la invasión del reino de Siam, el templo Pha That Luang fue prácticamente reducido a cenizas (la misma suerte corrieron otros templos de la ciudad como por ejemplo el Templo Haw Pha Kaeo) pero antes de destruir la estupa, el reino de Siam (actualmente Tailandia) se encargó de saquear todo el oro que cubría Pha That Luang, exactamente lo mismo ocurrió con la denominada estupa negra That Dam.

Asolada la zona, robado el oro y prácticamente destruida en su totalidad la ciudad de Vientiane, la estupa Pha That Luang fue abandonada. En el año 1900 los franceses decidieron restaurar la gran estupa dorada basándonse en los dibujos y diseños del arquitecto frances Louis Delaporte, los trabajos no tuvieron éxito y tuvo que reconstruirse y rediseñarse por segunda vez en el año 1930.

Todo el recinto el exterior de Pha That Luang está conformado por unos jardines, templos / Wat, monumentos, estátuas y un palacio. La zona exterior del recinto es de acceso libre y gratuito. El palacio Wat Thatluang Neua tiene una impresionante fachada, pero en su interior apenas hay nada destacado. Lo más llamativo son los pequeños templos en los alrededores de Pha That Luang.

La arquitectura del edificio tiene muchas referencias a la cultura e identidad de Laos, y por tanto se ha convertido en un símbolo del país. La estupa actual tiene tres niveles, cada uno de los cuales transmite parte de la doctrina budista. El primer nivel mide 67 por 68 metros, el segundo mide 47 por 47 metros, y el tercero 29 por 29 metros. Pha That Luang tiene una altura total de 44 metros.

Bibliografía : http://www.vietnamitasenmadrid.com

"Encuentro en la torre" obra de Sir Frederic William Burton

Hellelil y Hildebrand en la "Encuentro en la torre" obra de Sir Frederic William Burton del año 1864 y con unas dimensiones de 95.5 x 60.8 cm. Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Irlanda en Dublín.

El cuadro esta realizado en acuarela y gouache sobre papel representa con una extraña intensidad y gusto prerrafaelita (Burton fue un admirador del movimiento y amigo de Burne-Jones y Millais) una escena de una vieja balada medieval danesa, una historia triste de amor imposible y trágico. La joven Hellelil, hija de un poderoso noble se enamora de uno de sus doce guardias personales, Hildebrand, príncipe de Inglaterra, lo que por lo visto en esa época no era pedigrí suficiente pues el padre de ella se opone radicalmente al romance con el guardaespaldas.

Frederic William Burton (1816 -1900) fue uno de los pintores y miniaturistas irlandeses más destacados de la Época victoriana. Dedicó su obra principalmente a la acuarela y fue influenciado en gran medida por el prerrafaelismo. En el año 1874 Burton fue nombrado tercer director de la National Gallery en Londres, cargo que ocupó durante dos décadas.

Siguiendo la historia del cuadro, el padre de Hellelil, ordena a sus siete hijos varones matar al caballero. Éste, crecido en la dificultad, mata en duelo al padre y a seis de los hermanos de Hellelil, perdonando la vida al más joven, por intercesión de la chica. No obstante, Hildebrand muere a causa de las heridas recibidas y poco después lo hace, de pena, Hellelil. Un completo desastre.

Burton, que accedió al poema a través de una traducción hecha por su amigo Whitley Stokes, el gran especialista en estudios celtas, no escogió para plasmar la leyenda sus obvios momentos dramáticos sino que imaginó una escena íntima en el espacio cerrado y estrecho de las escaleras de la torre de un castillo.

Ahí los amantes se despiden por última vez de una manera tan conmovedora que encoge el corazón. No se miran. Ella gira la cabeza compungida y él, envuelto en cota de malla, espada al cinto, se aferra a su mano mientras, con los ojos cerrados, deposita un beso en el cálido interior de su antebrazo, que ya es zona.

 "El rostro del caballero", dijo al respecto George Eliot (cuyo retrato hizo el propio Burton) es el de un hombre para el que el beso es un sacramento". Hermosas cosas eminentes, apostillaría Yeats. 

Frederic William Burton fue uno de los fundadores de la Sociedad Arqueológica Irlandesa y apoyó las exploraciones egiptológicas. Cuando lo nombraron director de la National Gallery de Londres (cargo que ocupó durante veinte años, durante los cuales no pintó) adquirió para la entidad, además de numerosas obras maestras.

Denominada la pintura favorita del pueblo irlandés en 2010, la obra maestra de Frederic William Burton, uno de los pintores más influyentes del prerrafaelismo en Europa (el cual rechazaba las técnicas académicas inglesas) retrata un momento definitivo que puede destrozar a cualquier amante llevándolo hacia la muerte: la última despedida del ser que anhela con todo su corazón. Llamada "El encuentro en la torre", presenta el último adiós entre dos amantes, pero no de una manera tradicional, la pintura es tan dulce en presentación que es imposible sentir un salto al corazón al mirar la desesperación que viven sus personajes.

Bibliografía : https://elpais.com/ cultural

El Teatro Nacional Iván Vazov de Sofía _ Bulgaria

El Teatro Nacional Iván Vazov de Sofía es uno de los principales centros culturales de la capital de Bulgaria. El nombre del teatro es un homenaje al poeta, novelista y dramaturgo búlgaro Iván Vazov, considerado como uno de los mejores escritores en lengua búlgara.

Modelo del arte neoclásico, este singular edificio presenta una columnata cuyos capiteles soportan un friso con motivos mitológicos. Es el más antiguo e importante teatro del país y una de las instituciones principales de Sofía. Está situado en el centro de la ciudad con la fachada principal orientada a los jardines de la ciudad.

Diseñado por los arquitectos vieneses Hermann Helmer y Ferdinand Fellner,​ siendo finalizado en 1906 e inaugurado el 3 de enero de 1907. Los dos arquitectos estaban especializado en la construcción de teatros, llegando a construir hasta 48 en toda Europa. En esta época hubo un boom en la construcción de teatros, ya que todas las ciudades deseaban tener un escenario propio. Además, las nuevas medidas de seguridad, más estrictas en lo referente a la protección contra incendios, hacían que las reformas fuesen también necesarias.

La diosa Nike doblemente presente en las esculturas que rematan los laterales y las dos torres que coronan el edificio son algunos de los rasgos distintivos del Teatro Nacional Iván Vazov, una de las joyas del arte búlgaro.

En la mitología griega, Nike es la diosa de la victoria. Se la representaba a menudo como una pequeña escultura alada en la mano de otro dios más importante, como Zeus o Atenea, su aliada. Presidía las competiciones atléticas y las disputas militares.

Su estilo arquitectónico introdujo una nueva época en la arquitectura del siglo XX. A través de su estilo se abrieron nuevos caminos en la construcción de edificios, con un redescubrimiento del barroco y con la llegada al Jugendstil o modernismo en las últimas construcciones que realizaron. En este estilo construyeron no sólo teatros, sino también, palacios y hoteles.

La posición casi monopolística de estos arquitectos en el Imperio austrohúngaro, se debía a la alta calidad de sus trabajos unida a reducidos costes, y a una rápida ejecución de las obras, así como a una gran seguridad y profesionalidad en las mismas.

En 1925 se estableció una escuela de teatro como parte del Teatro Nacional. Durante el bombardeo de Sofía en la Segunda Guerra Mundial el edificio sufrió grandes daños siendo reconstruido en 1945. En 2006 el edificio sufrió un proceso de restauración. El teatro tiene un aforo de 750 butacas en el patio, una planta con 120 y 70 más en la cuarta planta.

"The Loge", obra de Mary Cassatt

"The Loge", obra de Mary Cassatt (1878-1880), fue realizada en el año 1866, con unas dimensiones de 134.4 x 97.6 cm. Actualmente se encuentra en National Gallery of Art, Washington DC _ Estados Unidos.

En 1869 Paris abrió el teatro a las mujeres en una función dominical a la hora de la matinée, con lo que se les permitió -manteniendo su honor a resguardo- compartir con los hombres un lugar público que era de dominio masculino, introduciéndose en este ámbito y en cierta medida usurpando la prerrogativa de los hombres a mirar a las mujeres en público.

Mary Cassatt vivía en París cuando se permitió el ingreso de las mujeres en el teatro, casi diez años después se atrevió a hacer su primera obra relativa al tema. En la época en que comenzó a pintar estos espacios públicos femeninos, conocía la obra de Degas y al igual que éste utilizó el espacio del teatro como ejercicio para trabajar los distintos ángulos de visión, la profundidad, las escalas, etc.

El óleo fue el medio elegido por Cassatt para representar a estas modelos, conocidas y estimadas por la artista: Mary Ellison que había retratado en 1880 y la joven hija de Stéphane Mallarmé. Sus ojos no miran al espectador y una de ellas cubre su rostro con un abanico, evocando la taza que oculta el rostro. 

En la composición hay un interesante juego de líneas verticales dada por la posición de las figuras, con la curvatura de los balcones que se estabilizan a la altura de sus cabezas y que a la vez se equilibran con la curvatura del abanico abierto, cuyo efecto se amplifica al considerar la existencia de este espejo que refleja los balcones y que lleva al espectador a cuestionarse la imagen que se le presenta. En cuanto al carácter de las modelos, Mary Cassatt es capaz de reflejar la tensión, la rigidez y la emoción contenida de estas jóvenes que probablemente asistían por primera vez a la ópera, lo que le permite a su vez explorar uno de sus temas favoritos: la intimidad entre mujeres.

Cassatt utiliza en esta obra una paleta clara y contrastante, el blanco para los vestidos, sus accesorios y la lámpara, el blanco y amarillo en los balcones y tonalidades oscuras para insinuar profundidades y vacíos. 

Mary Cassatt, la pintora estadounidense que vivió 60 años en Francia como una mujer soltera, sin descendencia y plenamente independiente, y los temas que solía escoger para sus cuadros, delicadas odas al amor materno-filial que, desde el punto de vista actual, pueden parecer excesivamente remilgadas e incluso algo conservadoras. 

Hija de un banquero que se enriqueció con el comercio de algodón, Cassatt creció en una familia de origen francés, que idolatraba la patria de sus ancestros. Por eso, tras estudiar en la Academia de Bellas Artes de Filadelfia, se marchó a París. Dejó de lado los temas habituales del movimiento y optó por reflejar la vida cotidiana de las mujeres corrientes a finales del siglo XIX. 

Bibliografía: https://perspectivadegeneroderechosfundamentalesycomunicacion.