The Peacock Room, obra de Whistler

James Abbott Mcneill Whistler nació en Lowell, Massachusetts, Estados Unidos. En sus comienzos fue un pintor al estilo realista victoriano clásico y posteriormente evolucionó a una forma de neo impresionismo. 

Aun joven trabajó junto al maestro Courbet. Nunca llegó a tener la fama de sus padres, Manet y Degas, quienes lo superaron en genialidad y técnica (según se opina). Uno de los artistas que reconocía su admiración era el famoso pionero del impresionismo Camille Pissarro. Además de un grandioso número de retratos, Whistler también ejerció de diseñador de interiores. El diseño más importante que realizó es el de "The Peacock Room" o  "La sala del Pavo Real".

James Abbott Mcneill Whistler

Armonía en azul y oro: La sala del pavo real es la obra maestra del arte mural decorativo interior de Whistler. Pintó la habitación con paneles en una paleta rica y unificada de brillante azul y verde con acristalamiento y pan de oro metálico. Fue pintado en 1876-1877 y en la actualidad se considera un gran ejemplo del estilo Anglo-Japonesa.

El pintor tuvo muchas discrepancias con el adinerado londinense y lo respondió pintando dos pavos reales, uno frente al otro, como si estuviera listo para una pelea de gallos. Chelines de plata se extienden por debajo de ellos y también cubren una pared de cuero con pintura azul de Prusia.

The Peacock Room" (La sala del pavo real).

Después de la muerte de Leyland, Charles Lang Freer, un fabricante de coches del ferrocarril, compró la "Princesa de la tierra de la porcelana", y luego la habitación del Pavo Real en 1904.

"Creo que la decoración de "La sala del Pavo Real" es como una obra de arte", señaló Schmultzler, quien considera la sala como un marco ampliado de su "Princesse du pays de la porcelaine" decorándolo con colores y formas apropiadas a la pintura. Al parecer, Beardsley vio este comedor en 1891, por lo que su japonesismo pasaría inevitablemente por la obra de Whistler. En las paredes y contra ventanas se aprecia la ambigüedad entre fondo y figura, la disposición asimétrica de llenos y vacíos, la combinación de elementos abstractos y figurativos. Armonía de azul y oro, distribución espacial que nada tenía que ver con la sensibilidad de la vieja Europa.

Princesse du pays de la porcelaine

En 1919, la habitación, la pintura, y su cerámica preciosas - todo legada a la Institución Smithsonian - fueron transportados a la Freer Gallery of Art, que abrió sus puertas al público en 1923.

Así que ver la habitación del Pavo Real en toda su gloria, sin postigos, sirve para disfrutarlo como Whistler describe a Leyland: "realmente vivo, con la belleza brillante y hermosa, y al mismo tiempo delicado y refinado hasta el último grado".

Vista frontal de la obra de Whistler 

Finalmente, uno de los talentos que más me llaman la atención de Whistler es su interés por el Art Deco, la decoración y la presencia universal de la belleza. El mejor ejemplo de esta búsqueda de Whistler por encontrar una estética absoluta se encuentra en la Sala de los Pavos Reales, hoy en Washington. 

Detalle de porcelanas de la La sala del pavo real

Un Jardín atípico en el Palacio de Wallenstein

Praga es una ciudad de historias asombrosas y de fascinantes leyendas. En cada esquina y ángulo que mires encuentras lugares de gran belleza que me tienen cautivada. Uno de estos lugares con encanto es El Palacio Wallenstein, que  está situado en de Mala Strana, Praga_ República Checa y, por lo tanto, fue el primer edificio no religioso construido en estilo barroco. Tanto el palacio como el complejo de jardines pertenecieron a Albrecht von Wallenstein.

Jardín del Palacio Wallenstein 

Los jardines mantienen el mismo diseño que en la época de su construcción, entre 1624 y 1630. Están presididos por un hermoso pabellón que recibe el nombre de Sala Terrena. Él construyó este complejo palacio a la altura de su fama, reputación y poder en un intento de rivalizar incluso con el Castillo de Praga. El arquitecto principal fue Andrea Spezza y luego, posteriormente, debido al fallecimiento de éste, fue Nicolo Sebregond.

Obra de Andrea Spezza

Casi todos los artistas que trabajaron en el palacio eran italianos. Tal vez el testimonio más distintivo del egocentrismo de Wallenstein es el fresco de sí mismo como Marte (el dios de la Guerra) que adorna el techo alto de dos pisos en la sala principal. Hoy en día, el palacio es la sede del Senado checo.

 La parte sur del Wallenstein

El palacio Wallenstein está conectado con la parte Sur del jardín a través de una sala terrena imponente, la cual se abre hacia el exterior con tres arcadas monumentales que sirven de espacio de transición. En el salón de gala encontramos un estilo decorativo muy elegante con arabescos, guirnaldas de flores y frutas, ángeles en estuco representando escenas mitológicas y frescos en los muros y en la bóveda. Al igual que en la gran sala de representación del palacio, el registro guerrero se expresa a través de la celebración de la gloria y las virtudes militares del Conde Wallenstein.

Monstruos grotescos en la pared 

En los ejes de la sala terrena encontramos un jardín regular, el cual se encuentra organizado a partir de diversas fuentes, decoradas con boj tallados, propios del arte topiario, y esculturas de bronce. Estas últimas son reproducciones de obras de Adrien de Vries, el mejor escultor en Bohemia de principios del siglo XVII (los bronces fueron de hecho robados por el ejército sueco al final de la Guerra de los treinta Años). Entre las esculturas encontraremos un hermoso caballo, escenas de combate de Hércules o combatientes anónimos y figuras mitológicas (Apolón, Venus y Adonis, Neptuno, Baco…). 

Muro de estalactitas artificiales

En completo contraste con la regularidad y la elegancia luminosa de esta parte del jardín, éste también cuenta con un extraño muro de estalactitas artificiales poseedor de un aspecto bastante inquietante. Máscaras haciendo muecas, serpientes, búhos, monstruos grotescos escondiéndose en el medio de las estalactitas, se prolongan hasta el otro lado de la sala terrena. Símbolo del declive y la ruina, del tiempo que pasa y de la decrepitud irreversible hacia la muerte, este tipo de gruta originaria de Italia es característica de la estética manierista.

Detalle de la serpiente 

Museo de Artes Aplicadas en Budapest

El edificio tiene cuatro pisos con una base fuerte y un sótano apoyado en una imponente viga. Fue construido entre 1893 y 1896, diseñado por los arquitectos Odon Lechner y Gyula Partos, que hicieron todo lo posible para que la construcción sea una obra maestra. También fueron los primeros en adoptar el estilo modernista en Hungría. Mientras se conduce por el centro se puede ver el suntuoso palacio adornado con techos verdes de mayólica.

Museo de Artes Aplicadas en Budapest

El nuevo lugar, que está más allá del museo, cumple todas las exigencias de los aficionados al arte. Es un típico edificio con un colorido espectáculo de una sala grande de cristal, que atrae la atencion de todo el mundo. La inauguración del palacio se llevó a cabo el 25 de octubre del 2000. Este lugar siempre ha sido un tema de debate sobre algunos aspectos importantes, así como algunos hechos incuestionables.

Detalle del techo del edificio, obra de Ödön Lechner 

Ödön Lechner fue uno de los primeros representantes de la húngara del movimiento Art Nouveau. Decoró sus edificios con Zsolnay, patrones de azulejos inspirados en la antigua Magyar. El Magyar eran un pueblo de Europa del Este, se les identifica erróneamente aún con grupos eslavos de Hungría y Bulgaria, lo que explica la aparición-oriental como de los edificios de Lechner. Se combina esto con el uso de materiales modernos para su época, tales como el hierro .

Su trabajo fue presentado en el año 2008 para su inclusión en la Lista del Patrimonio Mundial, y destaca por los colores verde y dorado de la cúpula principal del edificio. Fue el tercer museo de artes aplicadas en Europa, abierto en 1872, después del de Londres y el de Viena.

La enterada principal del
Museo de Artes Aplicadas en Budapest

De alto nivel artístico, las formas de arte decorativo de la estructura del museo no se ocultan a los ojos del visitante. La escalera del museo cuenta toda la historia que ha ocurrido en este lugar. En pocas palabras, el museo expone todos los objetos de uso cotidiano en una visualidad diferente y por lo tanto es toda una obra de arte húngaro.

Detalle de la balaustrada

Lechner se dirigió a formar un estilo nacional, utilizando motivos del arte popular húngaro en la decoración de sus edificios, así como la incorporación de elementos arquitectónicos de las culturas orientales como Persia.

Espectacular techo del Museo de Budapest

La colección del museo de artefactos incluye ropa y textiles de diferentes épocas de Europa y del mundo. Sin embargo, la colección principal se compone de obras de artes aplicadas de la Edad Media hasta la actualidad. La colección del museo es inmensa, y es el resultado de varias donaciones, organizaciones benéficas y compras museísticas, y se divide en diez grupos distintos. Estos grupos incluyen trajes, alfombras, ropa, accesorios, herramientas y muchos otros objetos antiguos. Colecciones y tesoros y Tesoros Esterházy son dos exposiciones permanentes en este museo, pero también se hacen muchas exposiciones temporales.

Ventana, del estilo Art Nouveau

También se organizan algunos festivales en este museo, tales como fiestas barrocas y el público realmente disfruta de ellas. El Museo de Artes Aplicadas presenta una enorme colección de tejidos preservados durante siglos, de jarrones, tapices, cerámica, alfombras orientales y muebles. Otros patrones exóticos también se encuentran en el interior: el comedor principal, el rosetón, de mármol blanco se encuentra en mora Alhambra, y los techos de cristal manchado están decoradas con gusto.

La ropa de los aristócratas del siglo XVII, muebles franceses y la porcelana de Italia también están expuestos aquí.

El espectáculo colorido de la cúpula de los vitrales

Decir ya de este impresionante museo que, aunque su gran variedad de exposiciones y obras son excelentes, y de gran interés para el público, la obra más espectacular, aún así, es el edificio. Su espectacular arquitectura, tanto exterior como interior. El estilo tenía muchos adherentes, así como críticos. Fue a ser visto por generaciones posteriores de arquitectos como una piedra de toque.

Cielo de Salamanca

Fernando Gallego (ca. 1440 - 1507) fue un pintor gótico español, el más destacado exponente del estilo hispanoflamenco en Salamanca y su área de influencia. La escasa documentación conservada no permite conocer ni el lugar ni la fecha de su nacimiento, que se ha supuesto tuviese lugar en Salamanca y hacia 1440. Nada se sabe de su formación y primeros años, pero el estilo de sus obras demuestra que en sus inicios (Piedad del Museo del Prado) estuvo sujeto a la influencia ya un tanto arcaica del gótico internacional.

Afirmo que tengo una predilección por una obra suya que se encuentra en la biblioteca de la Universidad de Salamanca. Es una joya desconocida y que hoy publico en El Poder de Arte.

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Cielo de Salamanca, obra de Fernando Gallego,

En los años 50 del pasado siglo cuando se realizaban las obras para celebrar los actos conmemorativos del VII Centenario de la Universidad de Salamanca, se descubrieron unas pinturas en la bóveda de su biblioteca, que no es la actual, si no la que en tiempos estuvo ubicada en lo que hoy es la capilla de San Jerónimo de la Universidad.

Durante el siglo XVI y tras una remodelación el espacio que ocupaba la biblioteca se dividió para dar cabida a la capilla.

Representaciones de las constelaciones
 de los signos Zodíacales

Este “Cielo de Salamanca” creado e ideado por el pintor salmantino Fernando Gallego, en el siglo XV, entre 1481 y 1486 empleando una técnica mixta de óleo y temple, estuvo expuesto en la anterior biblioteca de la Universidad, hasta que en 1506 se llevo a cabo la tranformación de la biblioteca dividiendo su espacio para dar cabida a un nuevo retablor mayor para la capilla.

Detalle de la obra de Fernando Gallego

Es en esta época cuando las pinturas sufren un importante deterioro con continuos repintes para reparar los daños producidos por las constantes humedades y desconchones. Durante el siglo XVIII, se producen importantes derrumbes en la bóveda de la capilla, afectando a dos de sus tres tramos, lo que obligó a dotar a esta de una nueva cubierta. En 1767 las pinturas quedaron tapadas por una bóveda de cañón construida cuatro metros por debajo de la primitiva. Tras esta nueva remodelación las pinturas quedan casi destruidas en su totalidad.

Representación Zodical del signo de Virgo

La obra original ocupaba una superficie de unos 400 metros en la que estaban representados “un cielo estrellado, los planetas y la bóveda celeste con todas las constelaciones del Zodíaco y en ella pintadas y labradas en oro cuarenta y ocho imágenes de la octava esfera, los vientos y casi toda la fábrica y cosas de la astrología". Todo un completo programa astronómico.

Ya en 1953-54 y tras su descubrimiento son restauradas por los hermanos José y Ramón Gudiol Ricart y trasladadas a su actual ubicación en el Patio de Escuelas Menores.

Un detalle de La biblioteca de la Universidad de Salmanca

En la parte inferior los vientos, representados por cuatro cabezas soplantes simbolizando el soplo creador, Céfiro, Austro, Euro y Boreas y en la parte superior podemos leer, parte del Salmo VIII, 4 “Videbo celos tuos opera digitorum tuorum, lunam et stellas que tu fundasti” - Veré tus cielos, obra de tus manos, la luna y las estrellas que tú fundaste-. 

La biblioteca universitaria es la más antigua de Europa y está llena de primeras ediciones de libros clásicos, así que era inevitable acabar en esta lista. Pero no solo sus contenidos son retro, también sus salas están llenas de historia.

La Villa Farnesio

De estilo sencillo y elegante, fue construida en 1511 d.C. por el arquitecto Baldasarre Peruzzi. Se alza fuera de la antigua muralla de Roma, donde antaño crecían los huertos y viñedos de Julio Cesar. 

Se cree que Cesar alojó secretamente aquí, en su palacio a orillas del río y desde este palacio huirían Cleopatra y su hijo Cesarión al conocer el asesinato de Cesar.

La Villa Farnesio obra del arquitecto Baldasarre Peruzzi

La fachada que da al río posee una loggia con arcos de medio punto, vanos rectangulares adintelados, pilastras adosadas. La fachada posterior está igualmente compuesta lo único que no tiene entrantes y salientes. La puerta de entrada está marcada por su decoración en los relieves y por las ménsulas.

A la izquierda de imagen El triunfo de Galatea,
obra de Rafael Sanzio 

Su nombre actual se debe a la familia Farnesio, en concreto al cardenal Alejandro, nieto del Papa Pablo III. Este personaje compró la villa en 1580, planeando unirla mediante un pasaje secreto con el Palacio Farnesio, la gran pertenencia familiar. La villa estaba abandonada desde 1520, cuando murió su principal artífice, Agostino Chigi, importante banquero sienés que encargó a Baldassare Peruzzi su construcción. La casa fue rápidamente imitada, siendo la primera de sus características a las afueras de Roma.

Loggia di Psiche, fresco de Rafael y sus alumnos

La villa es un perfecto ejemplo de las primeras obras renacentistas. Se compone de un bloque central del que arrancan dos alas menores a ambos lados, formando así una especie de U. Las fachadas son de color anaranjado, sencillas y armoniosas. En la fachada delantera se encuentra la logia de Cupido y Psique que da acceso al palacete que fue decorado por el mismísimo Rafael.

La decoración se llevó a cabo entre 1510 y 1519. Destacan sin duda los frescos que se extienden por fachadas y muros. El mismo Peruzzi realizó algunos de ellos. Otros artistas que participaron fueron Sebastiano del Piombo, y sus discípulos 

Detalle de los frescos de La Villa Farnesio 

En ésta aflora la leyenda: cuenta con diez lunetas (espacios semicirculares) en la parte alta de los muros; ocho lucen pinturas de Sebastiano del Piombo, mientras que una novena ostenta una enorme cabeza en grisalla, dibujada con potentes trazos que denotan gran conocimiento anatómico. 

Luneta de una enorme cabeza en grisalla
obra de Miguel Ángel Buonarroti

Según la tradición pertenece a Miguel Ángel Buonarroti, el cual, deseoso por ver lo que Rafael estaba realizando, se coló un buen día haciéndose pasar por un vendedor ambulante. Admirado ante el trabajo del rival, cogió un pedazo de carbón y ejecutó en pocos minutos la cabeza. Cuando Rafael la vio, entendió que solo podía ser obra del florentino y, a pesar de su enfado, pidió que nadie la tocara o borrase. Otras hipótesis sitúan a Peruzzi como autor del boceto.

Mercurio y PsiqueFrancesco Penni Giovann

La Villa Farnesina es una importante muestra del lujo y la opulencia que reinaba entre la sociedad italiana durante el periodo del Renacimiento. Aunque el edificio no tiene un gran tamaño ni resulta llamativo exteriormente, la importancia de la visita radica en los frescos que recubren sus techos y paredes decorando el interior de la villa

Matrimonio de Alejandro y Rosana,obra de Giovanni Antonio Bazzi

Los frescos ilustran los mitos clásicos y destacan los del vestíbulo principal, llamado Sala de Galatea por mostrar a esta ninfa en una de las obras más célebres de Rafael. Esta sala se completa con las pinturas de astrología de la bóveda que muestran la posición de las estrella en el momento del nacimiento de su primer propietario Chigi.

Los frescos evidencian el refinado gusto de la élite romana del momento: amaban tanto el clasicismo como el arcaísmo griego, sobre todo el estilo severo.

Detalle del interior de La Villa Farnesina